KRITIK: Present Laughter, Old Vic Theatre ✭✭✭✭✭

Julian Eaves rezensiert Noel Cowards „Present Laughter“ mit Andrew Scott – jetzt im Old Vic Theatre in London zu sehen.

Present Laughter

Old Vic Theatre,

27. Juni 2019

5 Sterne

Jetzt buchen

Vor ein paar Jahren holte das National Theatre, ganz im Sinne seines Anspruchs, den Kanon großer britischer Dramatiker abzubilden und ihm treu zu bleiben, diese selten gespielte und eher unbekannte Noel-Coward-Komödie aus der mittleren Schaffensphase hervor – in einer ebenso repräsentativen wie werkgetreuen Inszenierung. Ein Grüppchen vertrauter Ensemblegesichter füllte pflichtbewusst alle vorgegebenen Rollen aus und mühte sich dann, eine Lyttelton-Bühne zu bespielen, die bis zum Rand vollgestopft war mit sperrigen Möbeln, Kinkerlitzchen, Requisiten und allerlei Tand. Das Ganze lag in einem Kastenbühnenbild, das schwindelerregend so angelegt war, dass es sich verjüngte, enger wurde und irgendwo oben im Bühnenzentrum in einem Punkt zu verschwinden schien – und so ein Gefühl von erdrückender, beklemmender Boheme-Existenz erzeugte.  Und irgendwie versuchte man, aus diesem überfüllten Durcheinander eine leichte Sittenkomödie herauszuschälen, während der verzweifelte Protagonist in einer Rolle, die scheinbar nirgendwohin führte, endlos vor sich hin deklamierte.  Als dann angekündigt wurde, dass das Old Vic dieses knarzende Periodenstück wiederaufnehmen würde, läuteten in meinem Kopf die Alarmglocken nicht so sehr – sie spielten eher die Krönungsszene aus Mussorgskis „Boris Godunow“.

Wie wenig ich wusste.  Welche magische Verwandlung Regisseur Matthew Warchus an seinem Old Vic gelungen ist – und das ausgerechnet bei seinem allerersten Coward-Stück.  Andrew Scott kehrt zurück und übernimmt diese anspruchsvolle Zentralpartie des Schauspielers, der niemals aufhören kann zu „spielen“.  Zuletzt habe ich Scott an derselben Adresse in einer Coward-Komödie gesehen, als er vor ein paar Jahren in „Design for Living“ einen der drei bohemienhaften Liebenden spielte.  Damals ließ Regisseur Anthony Page Scott freie Hand, seine hochoktanigen, szenendiebstählenden Fähigkeiten auszuspielen. Hier, fast ein Jahrzehnt später, mit deutlich mehr Erfahrung im Gepäck – darunter ein viel gelobter (und zurückhaltender) Hamlet sowie jede Menge präzise Fokusarbeit fürs Fernsehen – wirkt Scott spürbar gereift.  Er macht deutlich weniger – und kommt damit sehr viel weiter; keine schlechte Idee bei einer Figur, die in den meisten Momenten der drei Akte dominiert und den Hauptdarsteller dem großen Risiko aussetzt, irgendwann an Einfällen auszugehen, um das Publikum bei Laune zu halten.

Doch bei Scott besteht diese Gefahr nicht.  Er ist hier großartig – meisterhaft – Herr über sich selbst und tatsächlich über fast alles, was um ihn herum geschieht.  Genau so muss es sein: Die Rolle ist ein virtuoses Schaustück für einen vollendet begabten Schauspieler.  Eine der großen Freuden dieser Produktion ist es, die erstaunlichen darstellerischen Fähigkeiten eines so klugen und subtilen Profis zu sehen und zu hören.  Besonders befriedigend ist es für das Publikum auch, einen Darsteller zu erleben, der im wirklichen Leben ebenfalls etwas von jener Statur erreicht hat, von der Cowards Garry Essendine uns ständig versichert, er besitze sie.  Tatsächlich tauchte zum Schlussapplaus bedeutungsvoll ein schwergewichtiger Security-Mann am Bühnenrand auf, den Blick aufmerksam ins Publikum gerichtet – zweifellos auf der Suche nach dem ersten Anzeichen eines übermäßig euphorischen Fans, der sich auf den Weg machen könnte, dem Star seine Glückwünsche ein kleines bisschen zu persönlich zu überbringen.

Wie dramatisch!  Doch der Kult um die Scott-Persönlichkeit allein würde längst nicht so viel zählen, wäre er nicht so wunderbar umgeben von einem Ensemble von vergleichbarem Format.  1943 geschrieben, ist das Coward in Bestform: mit souveräner Kontrolle über das Kommen und Gehen im Haushalt Essendine – Personal wie Besucher –, die mit akribisch gesetztem, farcenhaftem Timing durch die fünf Türen auf der Bühne ein- und auslaufen.  Indira Varma ist als Liz Essendine eine großartige Gegenfigur zu ihrem entfremdeten Ehemann – unbeeindruckt vom unbeholfenen Überschwang von Kitty Archers Daphne Stillington, dem neuesten Fang ihres notorisch untreuen Gatten; Archer holt das Maximum aus dieser Variation auf Nina aus Tschechows „Die Möwe“ heraus, deren grauenhaftes Schauspiel zu den komischen Höhepunkten im Werk des Meisters gehört.  Faszinierenderweise sorgt Warchus für eine noch reizvollere Komplikation mit den nächsten zwei Motten, die sich begierig in die Flamme von Essendines Glamour stürzen: Luke Thallons impulsiver und nur allzu glaubwürdiger junger Autor Roland Maule, der sich mit Lügen in das innerste Heiligtum des großen Bühnenstars hineinschwindelt; und – noch inspirierter im Casting – die Figur des „Joe“ Lyppiatt, die in den Händen von Enzo Clienti zu einer Art Ricky-Martin-Figur wird: gleichermaßen faszinierend wie beunruhigend. Am Ende darf er sich den Striptease zum Schluss von Akt 2 mit dem offenkundig sehr demokratischen und inklusiven Essendine teilen.

Dazu kommen der wütende Morris Dixon, von Abdul Salis mit federnder Energie gespielt, sowie seine empörte, betrogene Ehefrau Helen, von Suzie Toase punktgenau getroffen, außerdem die seit Langem leidende Sekretärin – Sophie Thompsons Monica Reed, die etwas Miss-Jean-Brodie-Haftes hat.  Und da ist Fred, der (vermutlich) völlig heterosexuelle Diener, dem Joshua Hill einen wissend eleganten Körper verleiht (obwohl hier und da genug Hinweise herumliegen – nicht zuletzt in Garrys verschmitzter Geldzuwendung an ihn ... bei mehr als einer Gelegenheit!... –, die auf – vielleicht – ein bisschen mehr hindeuten, als man auf den ersten Blick vermutet).  Denn so ist es nun einmal mit diesen Figuren in Cowardland: Sie sind nie, was sie scheinen, und ganz sicher nie, was sie von sich behaupten.  Der Spaß besteht darin herauszufinden, wie weit – und wie vollständig – sie von Erscheinungsbild und Ruf abweichen.  Tatsächlich ist sogar das Hausmädchen Miss Erikson, Liza Sadovys erste Kreation des Abends, genauso voller Überraschungen wie alle anderen (Sadovy hat noch mehr Vergnügen mit dem kurzen Auftritt von Lady Saltburn, der furchteinflößenden Großtante von Miss Stillington ... ja, das fügt sich alles sehr schön zusammen!).

Und all das spielt sich auf Rob Howells umwerfendem Art-déco-Bühnenbild ab – er hat auch die tadellos abgestimmten Kostüme entworfen, und das Ganze wird von dem großartigen Tim Lutkin gemeinsam mit Hugh Vanstone perfekt ausgeleuchtet.  Simon Baker betreut den Sound (der uns immer wieder an die Wirkmacht billiger Musik erinnert – nicht unähnlich einer dieser öden „Playlists“ aus abgegriffenen Nummern, die inzwischen bei beliebten Hochzeiten de rigueur geworden sind).

Letztlich jedoch würde all diese Kunstfertigkeit in sich zusammenfallen, hätte sie nicht die Fähigkeit, das Publikum zu verführen und zu verzaubern.  Das gelingt ihr mit vollem Erfolg: Sie fegt jeden Widerstand beiseite, während sie uns mit einer Lebensvision erfüllt, die so unglaublich weit entfernt ist von dem, wie wir tatsächlich leben – und doch so voll von der Wahrheit unserer Leidenschaft für Schein und Selbsttäuschung, ebenso wie von unserer hilflosen Schwäche, sobald unsere Begierden geweckt werden.  Für einen allerersten Versuch an einem Stück, das so vielen anderen Probleme bereitet hat, ist dies eines der Highlights des Jahres.

TICKETS FÜR „PRESENT LAUGHTER“ BUCHEN