REZENSION: Our Country's Good, National Theatre ✭✭✭

Our Country's Good

Olivier-Theater, National.

26. August 2015

3 Sterne

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„Die Regieanweisungen von Our Country's Good beziehen sich erst am Ende auf Musik. 'Und zur triumphalen Musik von Beethovens Fünfter Symphonie... beginnt die erste australische Aufführung von The Recruiting Officer'. Die einzige Anspielung eines Charakters kommt von einem sarkastischen Offizier der vorschlägt, ein Opernhaus zu bauen, um den Idealismus des Gouverneurs der Kolonie zu unterstützen. Und doch wurden in der Neuinszenierung des National Theatre von Timberlake Wertenbakers Hymne an die Macht des Theaters Lieder aus dem Hintergrund herbeigerufen.

Die musikalische Versorgung kommt von Cerys Matthews, die ihr Theaterdebüt gibt… (die) während sie sich freut, gefragt worden zu sein, nervös war, dazwischen zu funken. 'Ich wollte dem Stück nicht im Weg stehen', erklärt sie, 'Ich wollte nicht, dass die Musik zu viel Aufmerksamkeit erregt oder die Erzählung verlangsamt.'"

So berichtet Jasper Rees in einem Essay im Programm für Nadia Falls' Neuinszenierung von Our Country's Good, jetzt im Olivier-Theater des National Theatre. So sehr man Musik auch lieben mag, ist es unglücklicherweise der Fall, dass Matthews’ Musik, die in Teilen hübsch, in anderen eindringlich und an wieder anderen fehl am Platz ist, Wertenbakers Stück im Weg steht; sie verlangt zu viel Aufmerksamkeit; und verlangsamt die Erzählung definitiv.

In der Tat, Falls' Einsatz von Matthews' Musik zerstört fast den Zauber von Wertenbakers Worten, besonders im ersten Akt. Der zweite Akt kommt etwas besser weg, aber die Schäden sind angerichtet, und die wahren Höhen der magischen Umarmung, die die Worte heraufbeschwören können, werden nie erreicht.

Dies ist ein wunderbares Stück, eine Ode an die erlösende Kraft des Theaters. Basierend auf Thomas Keneallys Roman The Playmaker, gestaltete Wertenbaker eine sehr theatralische und resonante Erforschung von Menschlichkeit, Ungerechtigkeit, Isolation und Wandel, die durch die unerwarteten Bindungen und Verständnisse, die durch das Proben und Aufführen des Theaters entstehen, herbeigeführt wird. Alles dreht sich um die Worte.

Worte, die in Farquhars The Recruiting Officer sind, die von den Sträflingen in der neuen Strafkolonie Sydney geprobt werden. Worte, die den Sinn für raue Gerechtigkeit beschwören, den das Militär predigte. Worte, die von Liebe, Verlust oder Verzweiflung sprachen. Worte, die einem aufmerksamen indigenen Australier nichts bedeuten, der die Aktivitäten der Kolonie bestaunt. Worte, die der aufgeklärte Gouverneur hofft, das Leben zu verändern und Zivilisation in die Kolonie zu bringen. Worte, die gegen die Sträflinge verwendet werden. Worte die die Sträflinge verwenden um ihre Leben zu definieren. Worte die manche anderen erklären. Worte.

Nicht Musik.

In der Tat, man könnte sich verziehen fühlen, zu denken, dass das Fehlen von Musik absichtlich war, dass Wertenbaker den Punkt machen wollte, dass ohne das Schauspiel keine Zivilisation existierte, und deshalb keine Musik. Mit dem Schauspiel der Sträflinge wurde Musik möglich.

Gouverneur Philip sagt an einer Stelle: "Die Griechen glaubten, dass es die Pflicht eines Bürgers war, ein Stück anzuschauen. Es war eine Art Arbeit die Aufmerksamkeit, Urteilsvermögen, Geduld erforderte, alle sozialen Tugenden." Der Fokus der Aufmerksamkeit im Stück sind Worte und Charakter und Handlung - die Schlüsselelemente des Theaters. Matthews' Partitur verschleiert den Fokus. Die Musik unterstützt oder befeuert die Produktion nicht.

Es geht um die visionäre Regie, nicht um irgendwelche Unzulänglichkeiten von Matthews' Seite. Fall scheint nicht willens, das Stück zu präsentieren; vielmehr hat sie versucht, etwas Episches aus einer intimen Erzählung zu machen. Es gibt eine epische Anziehungskraft im Stück, aber die Mechanik ist nicht episch.

Es im Olivier-Theater aufzuführen, schien sonderbar, bevor man Falls' Produktion gesehen hat; nach dem Sehen ist klar, dass die Entscheidung, es im Olivier zu inszenieren, zu dem falschen Glauben geführt hat, dass es auf großem Maßstab präsentiert werden muss. Die Strafkolonie ist ein intimer Ort und das Leben der Sträflinge und des Militärs wird dicht aneinander gelebt. Ein kleinerer Raum wie das Dorfman wäre für dieses Stück vorzuziehen gewesen.

Peter McKintosh's Bühnenbild ist bemerkenswert und nutzt den riesigen Spielplatz des Olivier gut aus. Es beginnt einfach - der indigene Australier allein auf einem flachen Fels. Eine wundervolle, leicht surreale Kulisse evoziert das englische Bild von Australien - roter Erde und hellen Sonnen. Das mag nicht das gewesen sein, was die Strafkolonie tatsächlich gekannt hat, aber es setzt den Gedanken an die fremde Landschaft dort, wo der indigene Australier zu Hause ist und die erste Flotte Eindringlinge sind.

Der Fels spaltet sich und verwandelt sich in das Deck und den Laderaum des Sträflingsschiffes, vom Wind gepeitscht auf dem Weg zur neuen Kolonie. Ein Soldat peitscht brutals einen Sträfling. Die Sträflinge jammern und klagen, die Soldaten knurren und bellen. Und so drehen sich die großen Hydrauliken weiter, bringen verschiedene Ebenen und Spielbereiche ins Spiel. Aber es ist alles so riesig, die Weite scheint überwältigend.

Der indigene Australier (kurioserweise im Programm als ‚der Aborigine’ bezeichnet, während der Originaltext den Charakter als 'Ein Aboriginal Australier' identifiziert - ich bezweifle, dass indigene Australier den Wechsel schätzen) ist eine Art fast stummer Beobachter. Er schaut und tanzt und sagt ab und zu ein Wort, bis er von seinem bevorstehenden Tod durch eine Eindringerkrankheit spricht. Seine Zeilen sind unerklärlicherweise gekürzt worden. Es gibt nichts wirklich Authentisches an der Darstellung, aber Authentizität ist in Falls' Produktion nicht von vorderster Wichtigkeit. Vielmehr wird der Charakter in einer Art opernhafter Weise präsentiert, ein exotisches Gegenstück zu den Vorgängen in der Kolonie.

Kurioserweise wird in einer Produktion, die sich dafür entscheidet, einen schwarzen Schauspieler als den sehr weißen Gouverneur Phillip zu besetzen, der indigene Australier nicht von einem schwarzen Schauspieler gespielt. In einer Welt, in der Trevor Nunn für seine rein weiße Besetzung des Krieg der Rosen kritisiert wird, erscheint dies zumindest merkwürdig. Das soll nicht heißen, dass Gary Wood in der Rolle nicht ausgezeichnet ist - das ist er - aber keinen schwarzen Schauspieler in einer Rolle zu verwenden, die für einen Außenseiter mit einer anderen Hautfarbe zu der Kolonie geprägt ist, ist zumindest überraschend.

Doch dann gibt es viele überraschende Entscheidungen dazu, wie Charaktere gespielt werden. Viele der Sträflinge werden als übertriebene Karikaturen dargestellt und viele der Militärangehörigen werden schwärzer als schwarz (Herzen, nicht Hautfarbe) gespielt. Aber diese weitreichenden breiten Pinselstriche sind ungeeignet für ein Stück, das vor Finesse schimmert, wo Ehrgeiz und Verlangen mehrdimensionale Aspekte bestimmter Menschen offenbaren können. In Wahrheit gibt es im Stück keine Schwarz-Weiß-Charaktere - fast alle haben Fehler und Stärken, und fast alle werden grundlegend durch das, was als Ergebnis der Proben geschieht, verändert.

Fall widmet mehr Aufmerksamkeit dem Einflechten von Matthews' Musik in das Stück als der Sicherstellung, dass die Feinheiten und zugrundeliegenden Stärken, Schwächen und Verwirrungen der Charaktere klar dargestellt werden. Jodie McNees Liz Morden ist so absurd extrem und animalisch am Anfang des Stücks, dass die Veränderungen in ihrer Natur fiktiv erscheinen - ebenso Peter Forbes' zischender und bösartiger Major Ross, der vollständig der Schurke ist, obwohl die Rolle mehr Nuancen als das bietet. Falls lässt, dass diese beiden wie eine Art elendes Nancy und Bill aus einer rauen Produktion von Oliver! herüberkommen.

Glücklicherweise gibt es einige ausgezeichnete Darbietungen. Matthew Cottle ist freundlich und einnehmend als Wisehammer, und seine Besessenheit mit Worten wird richtig beschrieben. Lee Ross ist fantastisch als der Thespian-in-Waiting Sideway, der davon träumt, der Garrick unten zu sein. Caoilfhionn Dunne und Tadhg Murphy sind ganz reizend als Mary und Ketch jeweils und Jonathan Dryden Taylor ist im conveyen der Se einen, wie das Erlebnis des Probenprozesses Arscotts Lebensansicht verändert hat, der erfolgreichste von allen. Jonathan Coote ist als der juristisch-fressende Richter der Kolonie, Captain Collins, angemessen, aber etwas zu ärgerlich, wenn List und Schlauheit vorzuziehen wären.

Jason Hughes kommt als Zweiter Leutnant Clark durch, und er ist im zweiten Akt viel besser, aber die Rolle bietet größere Ernte als hier eingebracht wurde. Die Dynamik zwischen Hughes und Forbes ist zu offensichtlich, nicht ausreichend komplex um den Charakter zum Glänzen zu bringen, und Hughes wird nicht durch Cyril Niri's lustlose Darstellung als Gouverneur Philip unterstützt (ein ernsthafter Fall von Misscasting). Er arbeitet gut mit Dunnes Mary, und ihr romantischer Höhepunkt im zweiten Akt ist wirklich lieblich.

Völlig unüberzeugend, und dem Erfolg des komplexen Dramas abträglich, waren Jonathan Livingstones Caesar, Shalisha James-Davies' Duckling, Paul Kayes Harry Brewer und Ashley McGuires Dabby Bryant. Jeder war eindimensional und zu extrem für die hier gestellte Aufgabe. Wiederum, das ist eine Frage von Falls' Vision.

Die Choreografie (Arthur Pita) und die Kämpfe (Kate Waters) flossen nicht nahtlos mit dem Schauspiel zusammen. Wie die Musik, störten sie an einigen Stellen eher als dass sie das Schauspiel verbesserten. Der Gesang von Josienne Clarke war erstklassig, jedoch unnötig. Während Neil Austins Beleuchtung außergewöhnlich gut war, und Carolyn Downings Sounddesign präzise und gut ausbalanciert war, waren sie nicht genug, um die Produktion zu beleben.

Nein. Fall hat das Stück missverstanden und, indem sie versucht hat, es zu markieren, ist sie gefährlich nahe daran, seine Wirkung auszulöschen. Eine schlechte Besetzung und Regie, jedoch, sind nicht genug, um Wertenbakers großartiges Stück komplett zu versenken. Am Ende trumpfen die magischen Worte, die sie geschrieben hat, auf - sie überwinden leichte Darbietungen, ein nachsichtiges Bühnenbild, zu großen Raum und einige interessante, aber mühsam störende Musik.

Wann wird das National Theatre unter Rufus Norris dem Publikum einfach eine Neuinszenierung eines Stücks geben, das sich um den Text und nicht den Regisseur dreht? Oder ist das zu viel verlangt? Tricks sind nicht notwendig. Ralph und Mary machen das im Stück deutlich:

„Ralph: Leute, die sich nicht konzentrieren können, sollten nicht ins Theater gehen.

Mary: Wenn Sie gut spielen, müssen sie sich konzentrieren."

Genau.

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