REZENSION: Other Desert Cities, Old Vic Theatre ✭✭

Other Desert Cities

Old Vic Theatre

21. März 2014

2 Sterne

Ein Theaterregisseur hat mehrere Schlüsselaufgaben: ein Konzept oder eine Vision für den Text zu entwickeln und umzusetzen, die mit dem Text funktioniert und die Produktion relevant, verständlich und fesselnd macht; ein Team anderer Kreativer zu führen, um an der Umsetzung dieses Konzepts teilzuhaben; die Charaktere gut genug zu verstehen, um sicherzustellen, dass die Schauspieler sie erschaffen können; eine Besetzung auszuwählen, die die erforderlichen Fähigkeiten mitbringt; und von allen Beteiligten ihr Bestes herauszuholen, damit die Produktion im Einklang mit dem Konzept aufblühen kann.

Meiner Meinung nach ist die Besetzung immer der Schlüssel.

Die größte Vision/Konzept der Welt scheitert an den scharfen Felsen der Fehlbesetzung. Aber wenn man gut besetzt, können Mängel im Stück oder Diskrepanzen zwischen Text und Konzept überwunden werden. Großartige Schauspielkunst kann fast alles ausgleichen.

Schlechtes Schauspiel wird jede dunkle Ecke einer Produktion erhellen, oft mit einem harten, unerbittlichen Licht.

Other Desert Cities, von Jon Robin Baitz, dem Mann, der die Fernsehserie Brothers And Sisters erschuf und der zweimal für den Pulitzer-Preis nominiert wurde, einmal für dieses Stück, wird nun am Old Vic in einer Inszenierung von Lindsay Posner in der Vorschau gezeigt.

Es ist nicht das größte Stück, das je geschrieben wurde, aber es ist ein solides Stück von theatralischem Interesse. Es ist ein intimes Familiendrama über Geheimnisse, Lügen, Politik und Leidenschaft; es betrachtet zudem die Politik der Republikanischen Partei in den USA (ziemlich kompromisslos), die Zwänge, Anforderungen und Hoffnungen eines Schriftstellers und die Dinge, die die Liebe einen zu tun treibt, sei es gut, schlecht oder gleichgültig.

Seine größte Stärke liegt in den fantastisch komplizierten und köstlich echten Charakteren, die dieser am meisten dysfunktionalen Familie angehören: Polly, die eisige Matriarchin, die stolz zu Barbara Bush und ihren Anhängern stand; Lyman, der ehemalige Filmstar, der sich zum Politiker wandte und ein Maß an Freundlichkeit und Universalität besitzt; Silda, Pollys alkoholsüchtige Schwester, deren Wut über ihre Abhängigkeit von ihrer Schwester so groß ist wie das Universum; Trip, der sexsüchtige jüngere Sohn, der Fernsehen für die Massen macht, aber alle diplomatischen Fähigkeiten besitzt, um in dem Minenfeld zu manövrieren, das seine Familie ist; und Brooke, die depressive, begabte Schriftstellerin, die keinen guten Tag mehr hatte, seit sie vom Suizid ihres älteren Bruders, ihres besten Freundes, erfuhr.

Zu Weihnachten versammelt sich die Familie zu den Feierlichkeiten, als Brooke verkündet, sie habe ein Buch über den Tod ihres Bruders geschrieben, so wie sie es sich vorstellt. Ihr Hass auf den Republikanismus verschmilzt mit ihrer idealisierten Vorstellung ihres verlorenen Geschwisters, um ihr persönliches Leiden zu erleichtern. Das Buch ist ein erbarmungsloser Angriff auf ihre Eltern, ihre Freunde und deren Überzeugungen. Es droht, die Familie für immer zu zerbrechen. Und als Folge erzählen sich die Familienmitglieder Wahrheiten, denen sie noch nie ins Gesicht gesehen oder die sie geteilt haben.

Polly, Brooke und Silda sind drei wunderbare Rollen für Frauen; in New York erweckten sie Stockard Channing, Rachel Griffiths und Linda Lavin zum Leben.

Der West End schnitt nicht so gut ab.

Als die Besetzung für diese Produktion angekündigt wurde, nahm ich an, dass Claire Higgins Polly spielen würde. Sie besitzt die Gravitas, die Stimme, den eisigen, vernichtenden Blick und die grundlegende Härte, die Polly benötigt, da Polly ihr Herz nach dem Verlust ihres Ältesten in Stahl gehüllt hat und diese Stärke, Isolation und Entschlossenheit für sie grundlegend sind. Aber nein, hier wird die Rolle von Sinéad Cusack gespielt, einer Schauspielerin mit all der steinharten Entschlossenheit eines Puddings und einem Blick, der ständig droht, in Tränen aufzulösen, anstatt Barbara Bush die Stirn zu bieten.

Cusack ist vollkommen fehlbesetzt als Polly und folglich gerät das ganze Stück aus dem Gleichgewicht.

Cusack möchte geliebt werden; Polly nicht. Cusack jammert; Polly nicht. Cusack deutet an; Polly nicht. Cusack gibt einen Laut von sich wie ein erschreckter tollwütiger Bandicoot, als Brooke verkündet, sie werde ihr Buch veröffentlichen; Polly nicht. Cusack kann nicht in einer geraden Linie auf hohen Absätzen laufen; Polly kann es.

Cusacks Unfähigkeit, auch nur annähernd die echte Polly zu verkörpern, ist umso tragischer durch Higgins' Anwesenheit, die als Silda verschwendet wird. Nicht, dass sie keine hervorragende Silda wäre, das ist sie, aber sie hätte eine großartige Polly sein können, und tatsächlich, Cusack hätte wahrscheinlich eine gute Silda neben ihr abgegeben.

Higgins ist am besten in den stillen Momenten, beim Beobachten oder Nachdenken. Der unverfälschte Lustblick, den sie der Whiskeyflasche zuwirft. Der gepeinigte Gesichtsausdruck, während sie zusieht, wie Brooke hört, wie ihre Mutter Verlassenheit verspricht. Der seltsame, längst vergangene und ferne Blick, den sie ab und zu Lyman zuwirft. Die ausgelassene Hingabe, mit der sie sich auf Trip für seinen Joint stürzt. Jedes Element von Silda ist da: Alles, was Higgins wirklich braucht, ist eine gute Polly.

Martha Plimpton hat Schwierigkeiten, Brooke zu finden, hauptsächlich weil ihr keine richtige Polly zum Kontern gegeben wird. Doch findet sie sie, und der Auftakt von Akt Zwei, wenn sie und Daniel Lapaines Trip in tiefem Gespräch über ihre Eltern sind, ist der Höhepunkt der Produktion. Sie arbeiten als Geschwister zusammen und inspirieren sich gegenseitig, ihr Bestes zu geben. An diesem Punkt „singt“ das Stück wirklich.

Plimpton trägt die Schlussszene mit großem Geschick, besser sogar als Rachel Griffiths es am Broadway tat. Vielleicht, weil aufgrund von Cusacks falscher Polly Plimpton Wärme in Brooke einbringen kann, die glaubhaft und nachvollziehbar ist. Was auch immer der Grund, ihre pikante Rede bei der Buchvorstellung ist etwas ganz Besonderes.

Lapaine ist rundum ausgezeichnet als Trip. Es ist eine schwierige Rolle, weil er relativ wenig zu tun hat als Vermittler zwischen seinen Eltern und seiner Schwester sowie als Freund seiner Schwester und Tante. Aber er schafft es auch, ganz ohne Dialog in komplexer und faszinierender Weise die Qual, die er im Schatten eines verlorenen älteren Bruders und einer trauernden älteren Schwester erlitt, zu vermitteln. Dieser Trip ist es gewohnt, außerhalb des Familienrampenlichts zu stehen, zieht es sogar dort vor, und es gibt keinen Eindruck davon, dass er ein verwöhntes Leben führte, also bietet Lapaines sowohl einen starken Kontrast zu Brooke als auch zeigt er klar, dass er ihr bewundernder Fan ist. Es ist eine hervorragende Darstellung.

Es gibt einen Moment in Akt Zwei, wenn Lyman über das Überleben spricht und er etwas sagt wie "Es war nur Schauspielerei, und das fiel mir leicht." Wenn Peter Egan hier diese Worte spricht, klingen sie zumindest ironisch und schrecklich ungenau. Denn das, was Peter Egan nicht kann, ist, Lyman Wyeth zu spielen, weder einfach noch überhaupt nicht. Wie Cusack ist er völlig falsch besetzt. Er kann keine kontrollierte Wut, keinen brodelnden Unfrieden, keine massive Verärgerung oder gebrochene Verzweiflung – alles, was Lyman irgendwann ausstrahlen muss. Da gibt es keine durchgehende Linie für diesen Lyman: Es ist alles stückweise und schlechtes Schauspiel mit plumpem und stampfendem Auftreten und niedergeschlagenen Gesichtszügen. Sein „Kein Kommentar“-Abgang ist peinlich.

Er trottet über die Bühne wie ein beklagenswerter Paddington Bär, mit schweren Ausdrücken von leerer Idiotie. Es gibt kein Anzeichen von einem ehemaligen Staatsmann, einem wohlhabenden Unternehmer, einem weltgewandten Mann oder gar einem Vater und Ehemann. Er ist ein Marzipanstück in einem Meer von übertriebenem Sentimentalismus und überzogener Uneigenheit. Es ist schrecklich, zuzusehen, wie er in der Rolle ertrinkt.

Posner muss hier die Schuld tragen. Das ist die falsche Besetzung für dieses Stück, und wenn er anders denkt, sollte er dieses Stück nicht inszenieren. Ebenso erlaubt (oder vielleicht erfordert) er, dass Cusack und Egan zweimal auf das verborgene Geheimnis hinweisen, das im Zentrum der entwirrenden Familiendynamik steckt. Das ist unnötig und geht gegen die Charaktere, die Situation und das Drama. Das Publikum muss nicht „vorbereitet“ werden; es ist viel besser, wenn es einfach passiert. Lass den Schock so fallen, wie er sollte, angesichts der Natur dieser wunderschön geschriebenen Charaktere. Ein guter Regisseur würde genau das tun.

Das Old Vic ist zurück im In-The-Round-Modus und so gibt es eine größere Intimität mit dem Spiel. Dies erweist sich als fatal bei dieser Besetzung; der Abstand eines Bühnenvorhangs hätte Cusack und Egan helfen können, aber so wie es ist, wird jede ihrer Bewegungen unbarmherzig offengelegt.

Dies ist eine schlecht besetzte und konzipierte Produktion eines interessanten zeitgenössischen Dramas. Es hätte hier viel besser sein müssen.

Aber es lohnt sich, Lapaine, Plimpton und Higgins zu sehen.

Wenn doch nur Claire Higgins Polly gespielt hätte...