KRITIK: Orsons Schatten, Southwark Playhouse ✭✭✭✭✭

John Hodgkinson als Orson Welles und Adrian Lukis als Laurence Olivier, mit Ciaran O’Brien als Sean. Foto: Elliott Franks Orson's Shadow

Southwark Playhouse

06/07/15

5 Sterne

Gibt es wirklich noch mehr zu sagen über die Oliviers, Larry, Vivien und Joan? Oder Orson Welles, was das betrifft? Diese Fragen gingen mir durch den Kopf, als ich mich im Southwark Playhouse zur Premierenaufführung von Austin Pendletons Stück setzte, das einer Neuinszenierung der realen Episode gewidmet ist, als Welles, Olivier und Joan Plowright 1960 zusammen an einer Produktion von Ionescos Nashörner am Royal Court arbeiteten, die von Welles inszeniert wurde. Inmitten der vielen Schichten der kritischen Evaluierung, guter, schlechter und unehrenhafter Biografien, Briefe, Memoiren und Klatsch von allen Seiten, müssten wir doch ein vollständiges Bild sowohl des verzweifelt traurigen Psychodramas der Ehe zwischen Leigh und Olivier als auch des langsamen, erbitterten Niedergangs von Welles' Karriere nach ihrem goldenen Beginn in Citizen Kane haben?

Tatsächlich gelingt es Pendleton, uns weit über die biografischen Oberflächen hinaus zu führen und stellt dabei einige sehr tiefe und schwierige Fragen. Wie können selbst die größten Talente in der Lebensmitte den Weg verlieren und wo liegt der unerbittliche Pfad der Pflicht in Beziehungen, die von schweren psychischen Erkrankungen betroffen sind? Er bietet auch wichtige Einblicke in die Rolle der Theaterkritik, die jeweiligen Vorzüge einer Karriere auf der Bühne oder im Film, wie die Vorfälle des persönlichen Lebens in kreative Arbeit einfließen, und wie Schauspieler die Alchemie zwischen erlernter Technik und psychologischem Instinkt in der Aufführung versöhnen. Wenn diese Zusammenfassung den Eindruck erweckt, dass dies ein reines Stück für Theaterinsider ist, dann ist es wichtig zu erwähnen, dass es durch einen Dialog ausgeglichen wird, der abwechselnd witzig und zärtlich ist, und visuelle Komödie der Situation, die viel flüssige Bewegung und Theatergeschäft bietet, zum Beobachten. Pendleton traf Vivien Leigh und arbeitete mit Welles, daher ist das Stück mit einer Empathie geschrieben, die aus persönlichem Wissen stammt, aber in keiner Weise in Hagiografie oder besondere Fürsprache abgleitet.

Pendletons dramaturgischer Coup ist es, Kenneth Tynan in die Gleichung einzubringen. Tynan wird hier als der Mann dargestellt, der Olivier und Welles dazu bringt, zusammen an dem Stück zu arbeiten. Dies ist zwar nicht wahr, aber es ist dramatisch passend, da er tatsächlich ein Freund von beiden war und alles tun wollte, um Welles' Filmkarriere wiederzubeleben und Teil von Oliviers Team bei der Gründung des National Theatre zu werden. Er ist der Katalysator für und Kommentator des Geschehens in jeder Phase. Es gibt zwei Akte. Im ersten Szenarium sprechen Tynan und Welles hinter der Bühne in Dublin und bereiten den Rahmen für das Folgende vor; im zweiten bewegen wir uns hinter die Bühne am Royal Court, wo wir Olivier frisch von seinem Erfolg in The Entertainer finden und in den komplexen Prozess involviert sind, Leigh für Plowright zu verlassen. In vielerlei Hinsicht ist dies der beeindruckendste Abschnitt des Schreibens, der allen Spielern großartige Möglichkeiten bietet, da Olivier und Tynan miteinander ringen, Plowright darum kämpft, ihre eigene Identität zu etablieren, und die Spannungen, Loyalitäten und selbstzerstörerischen Manipulationen der Oliviers’ Ehe in einem exquisit gestalteten Telefongespräch offengelegt werden. Der zweite Akt führt uns auf das Set von Nashörner und konzentriert sich auf die kreativen Unterschiede zwischen Welles und Olivier, während letzterer mit der Herausforderung kämpft, seine Technik an die Anforderungen des absurden Theaters anzupassen. Die Handlung erreicht ihren Höhepunkt, als Leigh einen unerwarteten Besuch auf dem Set macht und schließlich jeder der Charaktere seine Masken ablegt und auf das Wesentliche reduziert wird.

Es gibt insgesamt sechs Charaktere und jeder der Spieler liefert eine fein kalkulierte und ausdrucksstarke, detaillierte Leistung ab. Es gibt keine schwachen Glieder und der Casting-Direktor verdient volle Anerkennung dafür, ein vollständiges, ergänzendes Team zusammengestellt zu haben. In den kleineren Rollen spielt Ciaran O'Brien einen jungen Bühnenmanager, Sean, und Louise Ford übernimmt Joan Plowright. Beide Rollen sind von Pendleton leicht skizziert, und keine ist als direkte Imitation gedacht. O'Brien fängt gut die unbeholfene, ungeschickte Heldenverehrung eines jungen Aspiranten ein, und Ford nutzt die ihr gegebenen Möglichkeiten voll aus, um zu zeigen, dass ihr Charakter kein Stellvertreter war und immer eine Schauspielerin mit scharfem eigenem Verstand. Sie balanciert gut ihre Liebe und Enttäuschung mit Olivier und schließt sich Welles an, um für den Modernismus im Theater einzutreten.

Edward Bennett verkörpert Tynan sehr plausibel. Er erfasst überzeugend die körperlichen Eigenschaften - das Stottern, den Husten, der auf eine beginnende Emphysem hindeutet, und die übertriebene Demut vor seinen Helden. Aber er zeigt auch die Intelligenz, Acerbität, Bissigkeit und geheime Sehnsucht, ein geschätzter Insider zu sein, die Teil der komplexen Persönlichkeit dieses Kritikers waren. Bennet muss viele der potenziell unbequemen Momente meistern, wenn der Dramatiker die Barrieren des Realismus durchbricht und direkt mit dem Publikum interagiert. Gelegentlich ist das Schreiben hier etwas unbeholfen, und der Schauspieler ist gut darin, den Zug über die Punkte zu nehmen.

Gina Bellman hat als Vivien Leigh zwei entscheidende Szenen, um die 'unendliche Vielfalt' ihres Charakters zu etablieren. Auch hier gibt es eine gute körperliche Übereinstimmung sowohl von Haltung und Glamour auf der einen Seite als auch von zerknitterter Verletzlichkeit auf der anderen. Wir müssen ein Gefühl dafür bekommen, warum Leigh sowohl auf als auch abseits der Leinwand eine so fesselnde Sirene war, und auch einen Einblick in ihre privaten Ängste gewinnen. Bellman ist besonders effektiv darin, die weniger beworbenen Aspekte des Charakters zu zeigen: ihre Intelligenz und Großzügigkeit gegenüber anderen und ihr sehnsüchtiges Selbstbewusstsein über ihre beginnende Manie und die Form, die sie annimmt. Wenn die Manie kommt, ist sie passend unkontrolliert und außer Kontrolle.

Die größten Herausforderungen hier sind, wie man Welles und Olivier spielt. Sowohl John Hodgkinson (Welles) als auch Adrian Lukis (Olivier) liefern beeindruckende körperliche und stimmliche Imitationen, aber die wahren Stärken ihrer Darbietungen und von Alice Hamiltons geschmeidiger Regie liegen darin, sie tief in ihre eigenen persönlichen 'heart of darkness' zu führen. Wir bekommen nicht nur die größere als das Leben beabsichtigte Karikatur, die Welles der Welt präsentiert, sondern auch seine Verzweiflung, einen Weg zu finden, seine eigenen Projekte zu verfolgen; und wir erhaschen einen Blick auf den Schmerz und die Wut und den Ekel vor sich selbst eines Mannes, der weiß, dass er sowohl ein echtes Opfer eines Systems ist als auch sein eigener schlimmster Feind. Ebenso nimmt uns Lukis unter die übertriebene, brillant polierte Fassade von Oliviers Außenbild mit, um uns zu zeigen, wie er zu einem 'Riesen in selbstgeschmiedeten Ketten' geworden ist. Wie er in seiner eigenen Mythologie gefangen ist, so dass er schlecht gerüstet ist, um professionellen Wandel zu ermessen. Wie sein Verlangen, Kontrolle über sich selbst und seine Welt auszuüben, eine ängstliche Reaktion auf die Gefahren von Leighs Instabilität ebenso wie auf äußere Zwänge ist; und wie der Wandel in allen Bereichen kam, als er endlich seine 'tierische Wachsamkeit' als Schauspieler wieder einmal durchbrechen ließ.

Das Stück wird mit einem erfreulichen und neckischen Kontrast zwischen der Bühnenkonvention von Artifizialität und Ungezwungenheit im Runde inszeniert. Die gestischen Hinweise auf das Bühnenbild sind praktisch und funktional und lenken nicht von dem verbalen Schlagabtausch der Spieler ab, der das Herz und Zentrum der Aktion bildet. Obwohl es mehrere Produktionen in den USA gegeben hat, ist dies die Europapremiere, und für die Qualität und Intensität des Schreibens und Schauspielens verdient sie einen langen und erfolgreichen Lauf.

Orson's Shadow läuft im Southwark Playhouse bis zum 25. Juli 2015