KRITIK: Kein Schurke, Old Red Lion Theatre ✭✭✭✭✭

George Turvey und Helen Cole in No Villain. Foto: Cameron Harle No Villain

Old Red Lion Theatre

10/12/15

5 Sterne

Das hundertste Geburtsjahr von Arthur Miller hat viele bemerkenswerte Wiederaufführungen der berühmten Stücke hervorgebracht, die er in den späten 1940er und 1950er Jahren geschrieben hat. Es hat auch ein willkommenes, rechtzeitiges und aufschlussreiches Licht auf vernachlässigte Werke der früheren Jahre geworfen, insbesondere The Man Who Had All The Luck, das das King’s Head Theatre vor einigen Monaten inszenierte. Angesichts des Umfangs der akademischen Literatur, die ihn umgibt, und Millers eigener autobiografischer Schriften könnte man meinen, dass es wenig mehr zu seiner Karrierebildung und Entwicklung zu sagen gibt. Doch Sean Turner ist es gelungen, etwas zu vollbringen, was niemand hätte erwarten können – uns die Weltpremiere von Millers allererstem Stück No Villain in einer hervorragenden Inszenierung zu geben, die bereits den Schreibstil des Autors in Aktion zeigt. Die Pressenacht, gespielt vor einigen sehr angesehenen Kreativpersonen, war ein triumphaler Abend im Theater für alle Beteiligten. In seiner Autobiografie Timebends erwähnt Miller dieses Stück beiläufig als das autobiografischste seiner Schriften, sagt aber nicht viel mehr darüber. Es wurde 1936 geschrieben, als er noch jung war, 21 Jahre und an der University of Michigan studierte. Das Modeunternehmen seines Vaters war gescheitert und er musste einen Preis für ein Schreibstück gewinnen, um sich weiter finanziell über Wasser zu halten. Er tat dies ordnungsgemäß, aber der Zweck war erfüllt, das Stück wurde dann nie aufgeführt und die Zeit verging darüber. Es war dem Miller Estate nicht bekannt, und Regisseur Sean Turner konnte es schließlich nur in den Universitätsarchiven ausfindig machen und erhielt dann die Genehmigung, eine Inszenierung zu machen.

Adam Harley in No Villain. Foto: Cameron Harle Viele Stücke werden wegen des späteren Rufs des Autors wiederbelebt, die dann aber nicht gerechtfertigt werden, doch No Villain gehört nicht in diese Kategorie. Obwohl es kein verlorenes Meisterwerk ist, ist es ein feines Stück Schriftstellerei, das als Drama völlig fesselnd ist und bemerkenswert, da Millers typischer Stil sowohl beim Thema als auch in der Technik größtenteils bereits vorhanden ist.

Die Handlung läuft neunzig Minuten ununterbrochen und für jeden, der Millers nachfolgendes Werk kennt, wird das Szenario sofort vertraut erscheinen. Innerfamiliäre Spannungen und Konflikte am Arbeitsplatz stehen im Vordergrund: Väter gegen Söhne, Bruder gegen Bruder. Der Konflikt zwischen dem, was für das Individuum richtig ist, und dem, was für die Gemeinschaft gut ist, zeigt sich von Anfang an und zeigt Millers unverwechselbare Sicht auf einen Handlungstrang, der uns seit den Griechen begleitet und hier mehr als einen Hauch von Ibsen offenbart. Die Rolle der Ideologie – in diesem Fall des Kommunismus – wird untersucht, und die entstehende Bruchlinie, wenn diese gegen die konkurrierende Anziehung persönlicher und familiärer Loyalität gestellt wird, steht im Mittelpunkt.

Auch die Sprache ist schon vollständig ausgeformt. Der Dialog zeigt eine bemerkenswerte Reife und Gelassenheit. Er ist manchmal lebhaft bildhaft, aber überzeugend naturalistisch und nicht bewusst literarisch. Die Charaktere, selbst die Nebenrollen, sind gut gegensätzlich gestaltet, mit vielen Gelegenheiten für naturalistischen Humor sowie größere dramatische Tableaus. Vor allem sehen wir Millers typisches Können, eine unerträgliche Abfolge von Druck und Belastungen auf den Menschen zu erzeugen, um zu sehen, ob Kohlenstoff sich in Diamant verwandelt oder unter der Last zerbricht.

Die Handlung wechselt zwischen einer Wohnung mit verblichenem Charme, die von der sozial absteigenden Familie Barnett bewohnt wird, und einem Büro einer Kleidungsfabrik, das von Vater Abe Barnett (David Bromley) geleitet wird. Zwei atmosphärische, detaillierte und dennoch mühelos einfache Entwürfe von Max Dorey vollbringen Wunder im beengten Raum des Old Red Lion, sodass Szenenübergänge mühelos sind. Der Wohlstand der Familie schwindet bereits in der Depression. Mutter Esther (Nesba Crenshaw) zeigt bereits Anzeichen von Hysterie und Abe schwankt zwischen Ängsten und lässigem Reden, während er versucht sicherzustellen, dass seine Fabrik trotz eines Streiks, der den Warenversand blockiert, weiter im Geschäft bleibt. Der ältere Sohn Ben (George Turvey) hat sein Studium aufgegeben, um seinem Vater bei der Geschäftsführung zu helfen; der jüngere Sohn Arny (Adam Hartley) studiert an der Universität und hat den Marxismus angenommen, und die jüngere Schwester Maxine (Helen Coles), eine etwas unterentwickelte Rolle, genießt das Teenagerleben weitgehend und ignoriert den familiären Druck. Am unglücklichsten ist Opa Barnett (Kenneth Jay), der sich am wenigsten an das Leben in eingeschränkten Umständen anpassen kann.

Jeder steht vor scharfen moralischen Entscheidungen: Benutzen Abe und Ben alle möglichen Mittel, um ihre Waren durchzubringen, auch wenn das ihre Arbeiter gefährdet? Hilft Arny bei der Familienfirma oder folgt er seinen kommunistischen Prinzipien? Geht Ben eine lieblose Ehe ein, die die Finanzen seiner Familie retten könnte? Kann Esther die Familie zusammenhalten und in Harmonie, oder muss sie zwischen ihrem Mann und ihrem Vater wählen? Und alle verbindet die Frage, wie man einen dünnen roten Faden persönlicher Integrität aufrechterhalten kann, wenn widerstreitende Treueschwüre an Prinzip und Personen auf verschiedene und widersprüchliche Wege hinzeigen.

Nesba Crenshaw und David Bromley in No Villain. Foto: Cameron Harle. Diese Gegensätze erzeugen einige wunderbar intensive Argumente und kraftvolle Austausche, die das prickelnde Gefühl des wahren Arthur Miller bei der Arbeit geben. Die Austausche zwischen den beiden Brüdern, beides liebevoll und rivalisierend, sind absolut fesselnd und treiben die Entwicklung des Stücks wirklich an; die Spannungen am Arbeitsplatz zwischen Abe und Ben halten sich gut gegenüber parallelen Momenten in All My Sons und Death of a Salesman. Es gibt auch zärtliche Momente zwischen Vater und Tochter, Mutter und Söhnen, die auch einen beeindruckenden Eindruck von Millers Bandbreite und Reife als junger Autor geben.

Es gibt jedoch einige Probleme mit dem Stück, die erwähnt werden müssen, Probleme, die man von einem unerfahrenen Dramatiker erwarten könnte. Einige der Reden sind klobig, einschließlich eines Zusammenfassens kommunistischer Lehren, das der ältere Miller herausgeschnitten hätte, und die Richtung des Schreibens weicht ein wenig unstrukturiert ab, was der ältere Miller nicht zugelassen hätte. Der Fokus liegt früh darauf, während die Familie darauf wartet, dass Arny vom College zurückkehrt, einen möglichen Zusammenstoß zwischen seinen Werten und denen des Familienunternehmens einzurichten – Kommunismus gegen Kapitalismus. Dieser tritt jedoch nie wirklich ein. Während Arny sich während des Streiks weigert zu helfen, kommt es nie zu dem erwarteten Zusammenstoß mit seinem Vater, und Arny selbst gerät im Höhepunkt des Stückes in den Hintergrund.

Stattdessen interessiert sich Miller viel mehr für den älteren Bruder Ben, dessen Entscheidungen und Persönlichkeit sich mit der Entwicklung der Handlung immer mehr verkomplizieren. Ben steht tatsächlich auch auf Seiten der Arbeiterschaft und versucht dabei, seine Verpflichtungen gegenüber der Familie und dem Aufbau einer eigenen unabhängigen Zukunft zu jonglieren. Im mächtigsten Konfrontationsmoment des Stücks zwischen den beiden Brüdern liefert Ben eine scharfe Kritik an simplen ideologischen Entscheidungen, und wir werden eingeladen, den Mann zu betrachten, der zumindest versucht, die unvereinbaren Elemente des täglichen Lebens zu versöhnen, als wahren Helden. Es ist auch Ben, nicht Arny oder Abe, der am Ende der Handlung den letzten Akt der existenziellen Selbstbehauptung ausführt.

Dieses Ende hinterließ bei mir gemischte Gefühle. Es ist melodramatisch, aber das ist nicht wirklich das Problem, da es immer Teil von Millers Kunst war, einen grittigen Naturalismus mit Momenten gesteigerter Melodramatik zu mischen, die genau richtig, ja unvermeidlich erscheinen, wenn sie geschehen. Vielmehr wirkt dieses Ende eher wie ein neuer Anfang, der eine ganze Reihe neuer Fragen aufwirft. In einem Stück dieser Länge könnte man natürlich erwarten, dass es eine zweite Hälfte gibt, in der diese neuen Richtungen weiter erforscht werden. Ich hatte das Gefühl, dass die meisten Leute im Publikum überrascht waren, dass das Stück so endete, wie es tat, anstatt in einem Vater-Sohn-Zusammenstoß zu enden, auf den es einen großen Teil seiner Laufzeit zusteuerte. Hätte Miller dieses Werk überarbeitet, vermute ich, dass er diese Möglichkeiten weiter zu einem abendfüllenden Stück ausgebaut hätte.

Die Leistungen in dieser Produktion sind durchweg hervorragend. Turvey hat die anspruchsvollste Rolle in Bezug auf Charakterentwicklung und Komplexität zu zeigen, und er tut dies hervorragend. Seine Darstellung von Ben hat eine beispielhafte emotionale Bandbreite und Herzensgüte, die voll den Herausforderungen gerecht wird, die ihm gestellt werden. Ebenso liefert Bromley ausgezeichnete Arbeit, indem er Abes verblasste Geschäftsfähigkeiten und Verlust von Selbstvertrauen zusammen mit einer stacheligen Trotzreaktion angesichts von Widerspruch zeigt. Es ist ein feines Porträt eines Mannes, der am Rande dessen lebt, was er bewältigen und verarbeiten kann. Es wäre einfach für Crenshaw, Esther zu übertreiben, aber die Abstufungen ihres emotionalen Zusammenbruchs sind gut kalibriert und kontrolliert, was es zu einer umso ergreifenderen Darbietung macht. Hartley trifft seine Momente gut in einer Rolle, die im Schreiben gegen Ende etwas an Fokus verliert, aber auch Arny sympathischer und menschlicher macht, als er es in anderen Händen sein könnte. Kenneth Jay, Stephen Omer und Anton Cross gestalten einige fein detaillierte Momente aus den Nebencharakteren.

Es ist schwer zu sehen, wie die Produktionsseite besser sein könnte. Es ist wirklich einer jener Fälle, in denen die Disziplin eines kleinen Aufführungsraums kreative Dividenden stimuliert. Nicht nur sind die Bühnenbilder ein Wunder der knappen Zeitgeschwindigkeit und Praktikabilität, sondern sie werden auch mit einem stimmungsvollen, feingezeichneten Lichtdesign von Jack Weir verstärkt, das eine Reihe von zeitgemäßen Leuchten verwendet, und einer eindrucksvollen Abfolge von jazzigen Zwischenspielen von Sounddesigner Richard Melkonian. Turner inszeniert in einem flüssigen, gut getimten Stil, der den Raum größer erscheinen lässt als er ist, während er den zentralen Eins-zu-eins-Wechseln Fokus und Intensität gibt.

Alle Beteiligten an dieser Produktion verdienen die höchsten Anerkennungen. Das Programmieren des Old Red Lion in den letzten Saisons war lobenswert in seiner Mischung aus neuen Werken und der sorgfältigen Wiederentdeckung vernachlässigter oder übersehener Werke bekannter Autoren. Wenn dieses Stück übertragen wird, wie es es verdient, wird dies eine weitere Bestätigung des künstlerischen Urteilsvermögens der Verwaltung sein. Das Ensemble und das Kreativteam sind voll engagiert bei diesem Stück und machen eine ebenso starke Vertretung wie möglich dafür. Vor allem der Regisseur sollte volle Anerkennung für seine unternehmerische Entschlossenheit erhalten, dieses schwer fassbare Werk ausfindig zu machen und es mit solcher Begeisterung und stilistischen gutem Geschmack zu präsentieren. Das Stück selbst würde von mir vier Sterne erhalten, aber die herausragenden Produktionswerte und das gesamte Erlebnis des Abends erlauben es mir, einen letzten Stern auf der Spitze des Baumes hinzuzufügen.

No Villain läuft im Old Red Lion Theatre bis zum 9. Januar 2016