REZENSION: Nell Gwynn, Globe Theatre ✭✭✭

Nell Gwynn

Globe Theatre

24/09/15

3 Sterne

Wenn Sie sich in der Long Gallery eines englischen Landhauses befinden, werden Sie oft an einer Reihe von Restaurationsschönheiten von Lely oder Kneller vorbeigehen. Es ist eine betäubende und deprimierende Erfahrung, diese Frauen ohne Persönlichkeit und Lebhaftigkeit zu sehen, alle reduziert auf identische Versionen dessen, was das wandernde männliche Auge von König Charles II. zu sehen wünschte. Bis man plötzlich auf ein Porträt von Nell Gwynn stößt. So sehr sich die Maler auch bemühten, konnten sie ihre Individualität nicht unterdrücken. Der Kopf schräg geneigt, das Dékolleté entschlossen entblößt, frech und offensichtlich streitlustig hebt sie sich aus der Menge hervor und ist bereit, mit einer geistreichen Antwort auf jede Kritik oder jeden Spott zu reagieren.

Im letzten Stück der meist ernsten Saison „Justice and Mercy“ bietet das Globe nun das, was in griechischen Begriffen als Satyr-Spiel bezeichnet werden könnte, das versucht, den verschmitzten Geist von Nell wieder einzufangen, während es mehr als nur eine hüpfende Feier der „Goldenen Tage des Guten Königs Charles“ bietet. Es gibt auch einen ernsthaften Zweck: nämlich einen Bericht über die Geburt und die frühe Entwicklung der Restaurationskomödie zu liefern, indem Nell als ihre geistreiche und teils wissende Geburtshelferin vorgestellt wird.

Im wahrsten Sinne des Wortes ist „Austerität“ verbannt – tatsächlich löst König Charles (David Sturzaker) als er sie ausdrücklich für beendet erklärt, den größten (wenn auch vorhersehbaren) Jubel des Abends aus. Opulenz ist die Devise des Tages, und das sieht man gleich zu Beginn, wie die Globe-Bühne in prächtige geschwungene Vorhänge und seidenes Taumzeug gehüllt ist, alles auf eine königliche Loge im Balkonbereich ausgerichtet, die voll von den königlichen Wappen ist. Kostüme und Perücken sind ebenfalls aus der Zeit, bis zum letzten Tournüre, Kringel und unverschämt überdimensionalen Hut, eine feine Präsentation der Kostümabteilung des Globe, beaufsichtigt von Binnie Bowerman.

Das Stück stammt von der preisgekrönten Jessica Swale und verfolgt im Wesentlichen zwei Themen auf beiden Seiten der Pause. Die erste Hälfte beschäftigt sich vor allem mit Gwynns Aufstieg aus einer düsteren Kindheit in einem Bordell in Covent Garden und der Arbeit am Rande des Theaters als Orangin-Verkäuferin in Drury Lane. Von dort zieht ihre reine Lebhaftigkeit der Persönlichkeit die Aufmerksamkeit von Charles Hart, einem der führenden Schauspieler der Zeit, auf sich und erlangt den Eintritt in eine der beiden rivalisierenden Theatergesellschaften, die nach der Restauration und dem Ende der puritanischen Theatervorschriften beim Publikum die Gewässer testeten.

Gwynns große Chance – und die anderer aufstrebender Frauen aus unteren Schichten – resultierte aus der Tatsache, dass Charles das Theater nicht nur wiederherstellte, sondern Frauen erlaubte, auf der Bühne aufzutreten, genau wie im Paris seiner Exiljahre. Sie nutzte die Vorliebe für luftige, schaumige, mythologisierte Komödien aus, insbesondere die von Dryden, die Frauen privilegierten, die gut singen, sich bewegen und tanzen konnten, anstatt nur stilisierte „Attitüden“ zu zeigen, um die Stimmungen des Textes zu verkörpern.

Natürlich suchten zeitgenössische Zuschauer auch nach Frauen, die in engen „Breeches“-Rollen als Männer verkleidet waren, bevor sie unterwegs mit mehr als nur ein wenig fleischlicher Offenbarung enthüllt wurden. Gemäß diesem Bericht (ähnlich wie Gypsy Rose Lee, die derzeit anderswo spielt) war Gwynn geschickt darin, dem Publikum etwas von dem zu geben, was es wollte, aber nicht zu viel oder zu früh. Sie nutzte dieselbe Strategie bei Charles II., nachdem er eines Abends auf sie aufmerksam wurde.

Die zweite Hälfte des Stücks versucht zu erkunden, wie diese Strategie inmitten der Untiefen und Täuschungen der Hofpolitik funktionierte. Sobald Nell von der Bühne zurücktritt, wie bewältigt sie die Berühmtheit, die Eifersucht anderer Geliebter, die Schliche von Charles' Politikern, insbesondere Arlington – eine kombinierte Figur für die Zwecke des Dramas? Vor allem, wie gelingt es ihr, die Aufmerksamkeit von Charles selbst zu halten, wenn der Neuheitswert und der erste Rausch ihrer Beziehung nachlassen? Das Stück schlägt vor, dass sie besser als viele ihrer Rivalen abschnitt, indem sie seine wesentliche Einsamkeit hinter der manierierten und geistreichen Fassade erkannte und ihn durch ihren natürlichen Witz intellektuell stimulierte und ihn emotional unterstützte, anstatt wie andere nur durch Sex.

Die Lehre der Geschichte und dieses Stücks ist, dass sie weitgehend erfolgreich war. Sie war die einzige langjährige Geliebte, die ohne unabhängige Ressourcen und Patronage überlebte. Keine andere Geliebte schaffte es so hoch im Rang zu springen aus so niedrigen Anfängen, und das tat sie hauptsächlich, indem sie erkannte, dass wenn sie keinen Titel für sich selbst, sondern nur für ihre Söhne beanspruchte, sie Eifersucht vermindern würde. Es war ein Triumph von både schlauem Scharfsinn und echter persönlicher Wärme, eine gewinnende Kombination auf der Bühne und im Leben.

Im Ganzen ist die erste Hälfte erfolgreicher als die zweite – es gibt eine Geschichte zu erzählen und einen Verlauf zu beschreiben, und Swale hält sowohl die persönliche Erzählung als auch die Geschichte des Theaters in elegantem Einklang. Nach der Pause ist die Handlung notwendigerweise ruhiger und statischer und hängt von ziemlich konstruierten Streitigkeiten und inszenierten Argumenten ab, deren Ergebnisse ziemlich vorhersehbar und unbedeutend erscheinen.

Die Steuerung des Tons funktioniert im Großen und Ganzen gut. Dies ist keine Parodie der Restaurationskomödie, aber dennoch ist der Dialog scharf und manchmal witzig und wird von wirklich ausgezeichneten, von Nigel Hess komponierten Liedern unterstützt, die wieder den richtigen zeitgemäßen Ton treffen, ohne gekünstelt, zierlich oder schamlos obszön zu wirken. Das gesagt, die wissende und gekünstelte Welt von Blackadder ist manchmal nicht weit entfernt, und die Schauspieler spielen sporadisch – oder nicht – damit recht schamlos. Das Publikum liebte es, und vielleicht muss das so sein, da diese Serie jetzt der populäre Kulturbezugs- und Einstiegspunkt für die meisten von uns in diesem Genre sein muss.

Angesichts des allgemeinen Tons von großstrichiger Komödie und der Notwendigkeit der großflächigen Projektion von der Globe-Bühne aus, waren die Aufführungen notwendigerweise verallgemeinert, aber dennoch sehr effektiv. Regisseur Christopher Luscombe hielt die Dinge sehr flott in Bewegung, und die Szenen nahtlos mit reichlich lebhafter Choreographie ineinander.

In der Titelrolle hat Gugu Mbatha-Raw die richtige glaubhafte Mischung aus Frechheit und kämpferischem Charme und singt und tanzt gut, aber nicht zu gut. Die frühe Szene, in der der gemütliche Hart (Jay Taylor) ihr beibringt, wie man Dialoge liefert, ist eine sehr gute Übung, um sowohl zu zeigen, wie das Restaurationsheater funktioniert hat, und dass lebhaftes Publikumsengagement mehr als nuancierte Interpretation zählte. Unter den Schauspielern der 'King's Company' waren Greg Haiste als empörter und outrageöser Frauenimitator, Edward Kynaston, und die Garderobiere und allgemeine Faktotum, Nancy, die die Show immer wieder so ziemlich stahl, was man als 'Baldrick'-Rolle bezeichnen könnte. Graham Butler wuselte und schimpfte auch als junger John Dryden, eine etwas unterentwickelte Rolle.

Am Hof bewahrte Sturzakers Charles gerade die richtige Gefahr und Reserve, um seine Würde und Autorität über dem Geschehen zu wahren, und David Rintoul demonstrierte fünfzig Schattierungen der Missbilligung gegenüber den Ereignissen um ihn herum, während er seine eigene Marke der politischen Niederträchtigkeit verfolgte. Es gab lebhafte Darbietungen von Sasha Waddell als zwei kontrastierende Geliebte von Charles – die giftige Castlemaine und die erhaben überlegene und leicht zu verspottende Louise de Keroualle; und Sarah Woodward schaffte es, als die unkenntlich verschiedene gallige Königin Catherine und Nells Bordellmutter Ma Gwynn unkenntlich unterschiedlich zu sein. Anneika Rose spielte Nells Schwester und fungierte an wichtigen Stellen als Gewissen und Gegenpol.

Während es ernstere Momente in diesem Stück gibt, die sich insbesondere auf die Möglichkeiten für Frauen im neuen Theater der 1660er-Jahre konzentrieren, macht es keinen Sinn, zu sehr nach Schichten tiefer Bedeutung in diesem schaumigen Gebilde zu suchen. Nell Gwynn’s Mystik bleibt genauso rätselhaft wie das Lächeln in diesen zeitgenössischen Porträts. Aber es bietet sicherlich einen charmanten Abschluss für eine vorwiegend sehr ernste und zum Nachdenken anregende Saison im Globe und stellt eine unterhaltsame Art und Weise dar, einen unserer derzeit goldenen Herbstabende zu verbringen.

Nell Gwynn läuft im Globe Theatre bis zum 17. Oktober 2015