REZENSION: Meine Nacht mit Reg, Apollo Theatre ✭✭✭✭

Mein Abend mit Reg

Apollo Theatre

20. Januar 2015

4 Sterne

Was für einen Unterschied ein Transfer macht!

Als Robert Hasties Wiederbelebung von Kevin Elyots Stück von 1994, Mein Abend mit Reg, im intimen Raum des Donmar Warehouse gespielt wurde, war es ein bemerkenswerter Abend im Theater: Lesen Sie hier unsere Bewertung. Im Apollo Theatre, wo die Produktion nun transferiert und eröffnet wurde, ist leider vieles in der Übersetzung verloren gegangen.

Kurioserweise und vielleicht am meisten verantwortlich für die Unterschiede wurde das Bühnenbild von Peter McKintosh nicht für den neuen Raum umgestaltet oder gar angepasst; zumindest scheint es so. Im Donmar hatte man das Gefühl, tatsächlich in Guys Wohnzimmer und Wintergarten zu sein - alles war real, nah, in Teilen unbequem inklusiv, aber notwendigerweise so.

Aber es scheint, als ob das Bühnenbild einfach auf den Proszeniumbogen des Apollo gesetzt wurde, wenn auch mit einigen hübschen blauen Flats umrahmt. Das Ergebnis ist doppelt: Erstens gibt es überhaupt kein Gefühl der Intimität mehr; tatsächlich wirkt es jetzt mehr voyeuristisch als intim. Zweitens scheinen die Schauspieler entschlossen (vielleicht aus Design, vielleicht aus Fehler), an den hinteren Teil des Dress Circle zu spielen, anstatt zueinander, fest in dem Moment, den ihre Charaktere erleben. Auch dies zerstört das Gefühl der Intimität.

Ganz einfach gesagt, Hastie hätte das Stück auf einem dafür gebauten oder zumindest zweckmäßig umgestellten Bühnenbild neu arrangieren sollen. Etwas, das funktioniert, indem es auf die Nähe und Komplizenschaft des Publikums setzt, kann ohne Anpassung in einem größeren Haus mit Bühne nicht funktionieren. So einfach ist das. Das Apollo ist ein anpassungsfähiger Raum, wie die Übertragungen der Produktionen des Globe von Twelfth Night und Richard III so deutlich gezeigt haben.

Das andere Problem ist heimtückischer. Einige der Darbietungen sind absichtlich größer, entschlossen mehr unverhohlen komisch und weniger konfrontativ als im Donmar. Dies verringert das dramatische Gefühl des Stücks auf unbefriedigende Weise, während es ostensibel ansprechend, vermutlich für das erwartete bürgerliche Publikum im West End, ist.

Aber warum eine Produktion übertragen, die wirklich funktioniert, nur um die Eigenschaften zu verwässern, die sie für eine Übertragung reif machen, die es wert machen, von einem größeren Publikum gesehen zu werden?

Das gesagt, gibt es hier noch viel zu schätzen und zu genießen. Einige der Schauspielkünste bleiben erstklassig und die innewohnende Kraft des Schreibens, wenn auch reduziert, ist weit davon entfernt verloren zu sein.

Lewis Reeves, Richard Cant und Matt Bardock sind noch besser als im Donmar; jeder selbstsicherer, entspannter, mehr vollständig in der Haut ihrer sehr unterschiedlichen Charaktere.

Reeves erstaunt weiterhin; die Details seiner Darbietung sind komplex und faszinierend zu beobachten. Er ist ständig aufmerksam, beobachtet die anderen, mustert sie, fragt sich, ob er dazugehören möchte und dann dazugehört; dabei zeigt er bewusst einen Wandel seiner Einstellung gegenüber der Liebe, der ihn leicht abhebt. Sein Eric mag Sex, bevorzugt aber Liebe und Engagement.

Reeves hat mehrere Schlüsselszenen, auf denen das Stück basiert, von denen eine ihn fast schweigend zeigt, nur malend, beobachtend und bewundert werdend. Während er das mühelos schafft (oder es scheint zumindest so), ist er besonders sensationell in seinen Schlüsselszenen mit Guy und John. Verführerisch und schelmisch, aber voller Hoffnung und Aspirationen, ist Reeves' Eric die Offenbarung hier.

Wie zuvor ist das Duo des streitlustigen Benny und Bernie perfekt von Cant und Bardock charakterisiert. Cant ist ein Vergnügen als der plappernde Bernie, der "langweilig neu definiert". Aber die Tränen in seinen Augen sind echt, wenn er ehrlich über die Angst spricht, in der er lebt, und die Neigungen seines Partners, Benny, die ihn bestürzen und erschüttern. Das Gefühl der frustrierten, unverständlichen Einsamkeit, die er ausstrahlt, ist kristallklar. Bardock ist der Inbegriff des "Geezers", endlos rauchend und rastlos, um sicherzustellen, dass sein beeindruckendes Glied ständig geschätzt und geteilt wird. Zusammen sind sie ganz wunderbar.

Geoffrey Streatfield ist genauso hinreißend als der extrem camp und letztendlich zerstörte Daniel wie im Donmar. Er umarmt die Extremität der Gefühle, Emotionen und Reden des Charakters mit Genuss; zeitweise lässt er Mr Humphries aus Are You Being Served zurückhaltend erscheinen. Aber das ist genau das, was die Rolle verlangt, und es hilft mit, die Abschnitte des wahren Leids umso eindrucksvoller zu machen.

Aber Streatfield hat nicht ganz die gleiche Unterstützung von Julian Ovendens Daniel und Jonathan Broadbents Guy, wie er sie im Donmar hatte, und das könnte unfairerweise seine Aufführung etwas übermächtig erscheinen lassen.

Unbegreiflicherweise scheint sich Ovenden recht unwohl zu fühlen, und das Spielen zur Circle hilft seiner Aufführung nicht. Die sicher berühmten Leichtigkeit, die seinen John zuvor charakterisierte, ist verschwunden; stattdessen ist er gereizt, geschwätzig und unsympathisch. Es ist mystifizierend. Ovenden findet immer noch viele der komischen Punkte, aber der tiefe Realitätssinn, der seine Aufführung zuvor durchdrang, ist verschwunden, ersetzt durch ein prahlerisches Auftreten, das, als Wahl vielleicht vertretbar, weder für seinen Charakter noch für die Art und Weise, wie sein Charakter mit den anderen in Beziehung tritt und interagiert, annähernd so effektiv ist.

Und Broadbents Guy hat sich fast unkenntlich in eine Art Verschmelzung zwischen Charles Hawtrey und Peter Butterworth verwandelt. Es gibt viel zu viel Schwung (das war vorher schon eine Eigenheit, jetzt scheint es eine Kunstform), Augenrollen und Grimassen, wenn der Teil wirklich eine Linie schmerzhafter Freundlichkeit erfordert. Dies scheint von einer Regieentscheidung zu kommen, den Ball härter für Comedy zu spielen – aber es ist kontraproduktiv.

Die wahre Komödie in Elyots Stück kommt aus der Wahrheit der Charaktere und der Realität ihrer Freundschaften und Geheimnisse und Lügen. Dies ist kein Carry On Gang Film.

Das ganze Geschehen scheint sich weiter in Richtung alberner Komödie bewegt zu haben und weg von dem, was es im Donmar so wichtig und fesselnd gemacht hat: seine schmerzliche Intensität und brutale Ehrlichkeit. Warum Hastie dies zugelassen hat, ist unklar.

Dennoch treten diese Bedenken nur auf, wenn man die Donmar-Version gesehen und die Höhen dort genossen hat. Im Apollo hat das Stück immer noch Charme und Kraft und in Reeves, Cant, Bardock und Streatfield ein Quartett von kraftvollen und köstlichen Aufführungen.

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