REZENSION: My Land's Shore, Ye Olde Rose And Crowne ✭✭✭✭

Die Besetzung von My Land's Shore. My Land's Shore

Ye Olde Rose And Crowne

10. Februar 2017

4 Sterne

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Es hat fünfzehn Jahre gedauert, und - endlich - hat es diese Show in ihrer Weltpremiere auf die Bühne geschafft. Es ist ein episches Meisterwerk, nicht nur für die Autoren dieses Ausschnitts der walisischen Geschichte, bestehend aus nicht weniger als 35 Musiknummern von Christopher J Orton, mit Texten und Buch von Robert Gould. Es ist auch ein wunderbares Ergebnis für das Kreativteam um Regisseur Brendan Matthew, der hier seine sechste Show in jüngster Zeit präsentiert und zeigt, dass er der komplexen Handlung dieses Skripts mehr als gewachsen ist, indem er mit der bewährten Kollaborateurin, Choreographin und Assistenzregisseurin Charlotte Tooth arbeitet - deren Fähigkeit, große, lebendige Tanznummern auf einer überfüllten Bühne zu inszenieren, geradezu wundersam ist, sowie mit den hervorragenden Arrangements für die sechsköpfige Band von dem ansässigen MD, Aaron Clingham. Weiterhin ist es ein weiterer Triumph der Logistik für den bescheidenen Raum über einem Pub in Walthamstow, der eines der führenden inoffiziellen Repertoiretheater des Landes für das Musiktheater ist. Ein Ensemble von 18 Personen (einfallsreich kostümiert von Celestine Healy) belebt ein prächtiges Holzset mit mehreren Ebenen (von der stets einfallsreichen Joana Dias), das sich schwindelerregend bis zur vollen Höhe des Raumes erstreckt und ein halbes Dutzend Austrittspunkte bietet (was oft sehr schnelle Bewegungen des Ensembles ermöglicht).

Basierend auf der wahren Geschichte von Die Penderyn, der den etwas unbequemen Titel trägt, der 'erste walisische Arbeiterklasse-Märtyrer' zu sein, ist es das Gedankenkind von Orton, und eine Workshop-Aufführung seiner Originalversion wurde 2005 in London gezeigt. Seitdem stieg Gould ein, und durch verschiedene Überarbeitungen, Showcases und Aufnahmen sind wir bei der aktuellen 'Version' des Skripts angekommen. Man muss sich wundern, ob dies ihr letztes Wort zu diesem Thema sein wird. Die Partitur ist sicherlich großartig, bietet ein wahrhaft opernhaftes Angebot an schlichtweg packenden Chören, hübschen Soli, kraftvollen Szenen und Momenten von erhabener Transzendenz. Ich weiß nicht, wie es den Schreibern erscheint, jetzt, wo sie das ganze Werk auf einer Bühne sehen, aber vielen in der Öffentlichkeit scheint die Show zur Verlobten des Helden, Angharad (die intensive Rebecca Gilliland), zu gehören. Sie ist hin- und hergerissen zwischen zwei Männern: ihrem derzeitigen Geliebten, dem Arbeiterklassehelden Richard Lewis (der bezaubernde Aidan Banyard), und dem unheilverkündenden Wiederkehrer Jenkins (der ebenso gut aussehende, aber auf böse Weise, Taite-Elliot Drew). Jenkins ist ein schwarzgekleideter, grimmig-verkniffener Sklave des Gesetzesbuchstabens, dem die Mission (sein Traumjob) erteilt wird, den goldenen Jungen seiner alten Eroberung zu jagen und zu zerstören. Es sind die 1830er Jahre, eine Revolution liegt in der Luft... mal wieder. Und wenn die französische Trikolore nicht über den Barrikaden wehen sollte, die in den Straßen der kleinen Bergbauortschaft aufgeworfen wurden, wo diese tragischen Ereignisse stattfinden, so liegt dies sicherlich nicht an den Autoren dieses modernen Operatiks, die - tatsächlich - etwas erschaffen haben, das weniger eine walisische Antwort auf 'Les Misérables' als eher ein ziemlich lauter dramaturgischer Widerhall davon ist.

Allerdings wird diesem zentralen Dilemma aktuell nicht ganz die gleiche Bedeutung beigemessen, wie es Boublil und Schönberg getan hätten. 'My Land's Shore' ist sehr viel eine Jungs-Show, in der - manchmal ziemlich lange - politische Diskussionen mit Begeisterung ausgetragen werden. Dias baut sogar zwei parallele Türme in ihr Bühnenbild ein, und Matthews platziert früh die Vertreter des Bergbaus und der Fabriken - William Crawshay (Andrew Truluck) und Josiah Guest (Hywel Dowsell) – oben auf ihnen für eine Debatte, die alle statuarische Selbstherrlichkeit eines methodistischen Kapellen-Nachmittagsgottesdienstes hat. Entweder man liebt diese Art von Dingen, oder man findet sie ein wenig anstrengend. Fairerweise muss gesagt werden, dass Victor Hugo etwas Ähnliches in seinem massiven Roman tut, wenn er über Gut und Böse und die Seele des Menschen grübelt, usw., aber seine Bearbeiter waren ihm gegenüber rücksichtsloser, als es an die Erstellung ihres Librettos ging.

Nichtsdestotrotz gibt es viele Momente, in denen dieser erhabene Hohe Mindigkeit der Show zugutekommt: Der Höhepunkt der Show ist außergewöhnlich spärlich strukturiert, und einer der Männer, Sean (der großartige Raymond Walsh), stoppt alle Herzen mit einem sensationell einfachen, aber exquisit formulierten und getimten strophischen Lied, das - in einem der vielen Glanzpunkte der Orchestrierung - von einer einzig akustischen Gitarre begleitet wird. Diese Art von dramatisch-musikalischem Gleichgewicht richtig hinzubekommen, ist ein sehr kniffliges Geschäft, und das bringt mich zu der Überlegung, dass eine weitere künstlerische Entwicklung des Skripts möglicherweise auf der Tagesordnung steht. Es gibt hier nur einen zweiwöchigen Lauf, und diese sensationelle Arbeit verdient wirklich, wirklich viel mehr Aufmerksamkeit als das.

Bis 26. Februar 2017

Fotos: David Ovenden

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