KRITIK: Mütter und Söhne, Golden Theatre ✭✭✭

Bobby Steggert, Frederick Weller, Grayson Taylor und Tyne Daly. Foto: Joan Marcus Mütter und Söhne

Golden Theatre

20. April 2014

3 Sterne

Man bewundert immer ein Theatererlebnis, das sowohl unterhaltsam als auch lehrreich sein kann; eines, das ein Licht auf einen bestimmten Aspekt der menschlichen Interaktion werfen und ihn mit einer Beharrlichkeit zum Leuchten bringen kann, die Aufmerksamkeit erfordert. Dies kann auf verschiedene Arten erreicht werden - großartiges Schauspiel, großartige Regie, großartiges Schreiben, großartige Zufälle sogar.

Derzeit im Broadway's Golden Theatre zu sehen ist Terrence McNallys Mütter und Söhne (offiziell gibt es keine Großbuchstaben im Titel und die koordinierende Konjunktion ist kursiv - jegliche Vermutungen über den Grund dafür sind willkommen), eine Inszenierung, die ein Nebelscheinwerfer auf eine Nebelfreie, aber rückblickende (überwiegend) Vision von Liebe, Leben und Tod zur Zeit des ersten panikartigen und tödlichen Auftretens von Aids wirft.

Katherine war die Mutter von Andre, der mit Cal lebte und ihn liebte, bis zu Andres langsamen, schmerzhaften Tod durch Aids. Katherine traf Cal nie, bis zu Andres Gedenkfeier, und sprach dort nicht mit ihm. Nach 8 Jahren der Einsamkeit/Angst traf Cal auf Will, fünfzehn Jahre jünger, der sie liebte, sie heirateten und schließlich ein Kind, Bud, bekamen, der jetzt sechs Jahre alt ist.

Wie aus heiterem Himmel taucht Katherine unerwartet in Cals und Wills Wohnung an der Central Park Seite auf. Sie ist kürzlich verwitwet und auf dem Weg nach Europa und will Cal Andres Tagebuch zurückgeben, ein Wälzer, den sie nicht gelesen hat und den Cal, der ihn auch nicht las, ihr nach Andres Tod geschickt hatte.

Das Stück beginnt mit Katherine und Cal, die still in den Central Park (das Publikum) blicken, in Katherines Fall streng und in Cals Fall dümmlich. Es ist ein beeindruckendes Eröffnungsbild und ebnet den Weg für das Sehen-nicht-Sehen, das wie ein Wasserfall folgen soll.

Obwohl sie eigentlich mehr gemeinsam haben als die meisten Zweierbeziehungen, da sie beide kompromisslos und bedingungslos für Andre lebten und ihn liebten, versuchen beide, die Position des anderen nicht zu sehen. Der Verlauf des Stückes untersucht diese Positionen auf brutale und unerschütterliche Weise, durchbrochen von Momenten scharfen oder arglosen Humors.

Das Problem ist, dass es viel mehr zu dieser Situation und der zugrunde liegenden Psychologie dieser Charaktere gibt, als die manchmal banalen Debatten, die sie führen, vermuten lassen. Ein Großteil des Schmerzes und der Komplexität dieser beiden Charaktere bleibt im Schreiben unerforscht.

Teilweise scheint das daran zu liegen, dass McNally eine Art Ode an die Verlorenen und an das Leiden der Überlebenden dieser schrecklichen Zeit in den 1980er und 1990er Jahren schreibt. Wenn es irgendeinen Zweifel gibt, wird dieser beseitigt, wenn Will unverblümt eine seiner Ängste artikuliert, wenn er mit Katherine über diese Zeit spricht, eine Zeit, die er nicht erlebt hat:

„Zuerst wird es ein Kapitel in einem Geschichtsbuch sein, dann ein Absatz, dann eine Fußnote. ... Es hat bereits angefangen. Ich fühle, dass es geschieht. All die rohen Kanten des Schmerzes werden abgestumpft, betäubt, abgeleitet.“

Das Ergebnis ist eine Reihe von Vignetten, Auszüge aus dem Kampf zwischen Katherine und Cal darüber, wer Andre am meisten verletzt hat oder wer ihn nicht genug geliebt hat, gegenüber Wills Hass auf den allgegenwärtigen Geist von Andre und seinem im Wesentlichen mütterlichen Wunsch, die Wogen zu glätten. Und gegen all das steht die süße, offene, nicht urteilende Naivität des sechsjährigen Bud, der einfach liebt, weil er nur bedingungslose, allumfassende Liebe kennt.

Es ist kein Zufall, dass McNally Buds Alter auf sechs gesetzt hat. Bud hat so lange gelebt, wie Cal und Andre zusammen waren. Für Katherine wird er zu einer lebendigen Verkörperung ihrer Liebe, auch wenn er nicht Andres Kind ist. Gegen sich selbst will sie, dass Bud etwas von Andre an sich hat. Das letzte, erschütternde, eingefrorene Bild unerträglichen Schmerzes - die Lichter dimmen und Katherine, trostlos und verzweifelt, schaut auf den seligen Bud und zu seinen liebenden Eltern, die auf dem Sofa umarmt ins Dunkel des Parks blicken, während Andres Lieblingsstück von Mozart gespielt wird - sieht Katherine erkennen, dass ihre Entscheidungen, ihre Worte, sie an einen Ort gebracht haben, an dem sie nie wieder Teil einer Familie sein wird.

Aber trotz vieler Momente echter Verzweiflung und ehrlicher emotionaler Beteiligung, gelingt es dem Stück nie wirklich, sich als Theaterstück zu verdichten. Das Schreiben lässt nicht zu, dass die Charaktere voll entwickelte Menschen sind und die Schauspielerei kann das nicht ausgleichen, auch wenn sie größtenteils erstklassig ist.

Ein kurzer Moment des Innehaltens, der Gebrauch des Wortes "Mütter" im Titel ist bedenkenswert. Zuerst erscheint es seltsam, denn Katherine ist nur Mutter von Andre. Bald wird klar, dass sie, ob sie es mag oder nicht, auch eine "Mutter" (wenn auch keine mütterliche) für Cal war und die Möglichkeit besteht, dass sie eine "Großmutter" für Bud sein könnte. Im Verlauf des Stückes zeigt sich, dass sie ein weiteres Kind hatte, das sie ebenfalls durch eine Entscheidung verlor, wenn auch eine merklich andere. Schließlich ist Will auch eine "Mutter" für Bud: Er spricht fast poetisch über den Geburts- und Mutterprozess, ist derjenige, der die primäre Pflege von Bud übernimmt und von zu Hause arbeitet. So spielt McNally interessant provokant mit dem Konzept von "Müttern".

Was dieses Stück braucht, ist mehr Verbindung, mehr Erklärung, mehr Verständnis der Charaktere, ihrer Motivationen, Ängste, Reue und Wünsche. Es ist nicht so, dass alles ausgesprochen werden muss; vielmehr gibt es in den Geschichten und verflochtenen Leben dieser vier Menschen ungenutzten Reichtum.

Zum Beispiel hat Will nur einen kurzen Austausch, um die Tiefe seiner Abneigung gegen die Erinnerung an Andre zu vermitteln. Es ist nicht genug. Besonders dann, wenn es Will ist, der schließlich Passagen aus dem Tagebuch liest, das der Grund von Katherines Kontaktaufnahme mit Cal ist. Ein weiteres Beispiel ergibt sich, wenn Cal den Umständen, unter denen Andre infiziert wurde, zwar berührt, aber nicht erkundet oder erklärt. Das Publikum erfährt nie, ob Cal verraten wurde oder ob er Andres Seitensprünge geduldet hat. In beiden Beispielen, und es gibt viele weitere, lässt McNally das Feld unbeackert und zieht es vor, den Fortschritt in der Anerkennung gleichgeschlechtlicher Paare in der Gesellschaft zu verewigen, anstatt den schmutzigen Wäscheschrank und verdeckte Motivationen und Charakterzüge der Figuren zu lüften.

Nie erforscht werden Themen wie: warum Katherine Andre nie kontaktierte, nachdem er krank wurde; warum Cal Katherine nicht kontaktierte, als Andre krank wurde; warum weder Katherine noch Cal ein Problem damit haben, dass Will das Tagebuch liest, obwohl beide es als heilig angesehen haben; warum Katherine nicht sehen kann, dass Andre ihr eigenes Leben spiegelt, indem er weglief, sobald er konnte, von dem Ort, an dem er aufwuchs.

Es ist eine verlorene Gelegenheit, wirklich, weil die zugrunde liegenden Vorstellungen und die Möglichkeiten, die die Charaktere bieten, einen elektrischen Theaterabend ausmachen könnten.

Was alles besser erscheinen lässt, als es wirklich ist, ist einfach Tyne Daly.

Sie ist überwältigend gut als die spröde, bösartige, selbstgerechte und völlig unbegreifliche letzte Überlebende ihrer Familie. Sie schäumt vor kaum verhohlener Wut, aber auch Schmerz - tief eingraviert, tief empfunden und, in ihrer Vorstellung, zutiefst unverdient. Sie sieht nie, wie sie zu ihrem eigenen schrecklichen Zustand beigetragen hat und ihre jahrzehntelange Verbitterung über Cal, nur weil er ihren Sohn liebte, legt sich wie ein Leichentuch über ihre Linien. Mit einer zu zwei Dritteln Ethel Merman und einem Teil Evangelistin Stimme dominiert Daly die Bühne.

Es sind die Stillen, die Momente, in denen sie allein auf der Bühne ist, verwirrt, verwundert, empört, entfremdet, in denen sie wirklich glänzt. Mit offenem Mund und glühenden Augen kommuniziert sie den Schrecken von Katherines Situation mit akuter Klarheit und fast dämonischer Spezifizität. Sie ist wunderbar.

Für mein Geld sind die besten Szenen im Stück ihre verschiedenen Konfrontationen mit Bobby Steggarts Will. McNally gibt Will wenig Bühnenzeit und nicht viel zu sagen, er ist reaktiv mehr als proaktiv. Aber Steggart macht aus dem wenigsten, was ihm gegeben wird, das Beste, und liefert ein Lehrbuchbeispiel dafür, wie man "aus nichts etwas machen" kann. Eine der großen Schwächen hier ist, dass es nicht mehr Erkundung der Figur von Will gibt.

Als Bud ist Grayson Taylor charmant und aufmerksam, voller Wärme und strahlt Akzeptanz aus. Klein, blond und durchsetzungsfähig, hebt er das Geschehen bei jedem Auftritt.

Seltsamerweise ist der am besten geschriebene männliche Part, der mit Schichten, verborgenen Problemen und scharfen Ecken, der hier von dem am wenigsten talentierten Schauspieler gespielt wird. Frederick Weller, dessen ganzer Körper und Gesicht ständig verkrampft zu sein scheinen (auf die gleiche Art, wie Felix' Haare in The Odd Couple steif waren), kommt nie dazu, die tiefe Komplexität von Cal zu durchdringen. Er geht aus jeder Begegnung mit Daly und Steggart schlecht hervor und das sollte nicht der Fall sein.

Cal wurde von Andre gewählt. Das Publikum, und Kathryn, müssen sehen, warum das so war, aber es gibt wenig Gewinnendes, Einladendes, Liebenswertes oder Verführerisches in Wellers Darstellung. Während Steggart dich an die Verbindung zwischen Cal und Will glauben lässt, trägt nichts, was Weller tut, zu dieser Überzeugung bei. Es gibt kein Gefühl für den täglichen Ablauf eines elfjährigen Zusammenlebens, keine Introspektion, keine Rücksichtnahme auf andere - wirklich kein Gefühl - von einer komplexen Person mit einem pulsierenden, liebenden Herzen und Bergen von ungelöster Angst, Furcht und Abneigung.

Weller verpasst Chance um Chance. Er scheint das Auge fürs Detail, mit dem Daly und Steggart ihre Charaktere bereichern, nicht zu bemerken. Es ist zutiefst enttäuschend.

Dies ist kein großartiges Stück. Aber es ist wichtiges Theater. Seine Themen, Themenbereiche, zugrunde liegende Harmonien und Resonanzen sind wichtige und lohnenswerte, die in zugänglichen, unterhaltsamen Theaterabenden diskutiert werden sollten.

Das ältere Paar neben mir war während des größten Teils der Aufführung sehr unwohl. Am Ende sagte er zu ihr: „Wer hätte gedacht, dass sie sich um Kinder kümmern?“ Sie antwortete: „Lassen Sie uns gehen: Wenigstens hat diese Produktion sie in gewisser Weise aufgeklärt.“

Und das, und die bleibende Erinnerung an jene schrecklichen Jahre, in denen Aids die Welt verwüstete, ist mehr als genug Rechtfertigung für McNallys Stück hier, so fehlerhaft es auch sein mag.

Mütter und Söhne ist es wert, gesehen zu werden, weil es Fragen und Diskussionen anregen wird; nicht weil es ein großartiges Stück ist.