REZENSION: McQueen, Theatre Royal Haymarket ✭✭✭✭

Tracy-Ann Oberman und Stephen Wight in McQueen McQueen

Theatre Royal Haymarket

27/08/15

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„Liebe sieht nicht mit den Augen, sondern mit dem Geist.“

Shakespeare, Ein Sommernachtstraum McQueen eröffnete dieses Jahr im St James Theatre und wechselt nun für einen begrenzten West End-Auftritt zum Theatre Royal Haymarket nach einigen Besetzungswechseln und einer gewissen Überarbeitung durch den Dramatiker James Phillips. Regie führte John Caird, mit Choreografie von Christopher Marney, und Stephen Wight spielt McQueen selbst, den wir schon beim Platznehmen sehen, wie er die Bühne durchmisst, bereits in seiner Rolle, unbeirrbar und unberechenbar, den Gürtel drehend und kontemplierend, mit dem er womöglich seinem Leben ein Ende setzen könnte…. Alexander/Lee McQueen – sein Leben, sein Werk, seine Mitarbeiter, sein tragischer Tod und sein Vermächtnis – bieten fast schon zu reichhaltigen Stoff für eine dramatische Verarbeitung. In der jüngsten außergewöhnlichen V&A-Retrospektive, Savage Beauty, gab es einen bemerkenswerten Gehrock aus vergoldeten Federn, hoch im Kragen und eng an der Taille, der in modifizierter Form hier in der zweiten Hälfte als Symbol dafür wieder auftaucht, wie Kleidung den Träger verwandeln kann. Für mich war er jedoch auch ein Symbol für die Komplexität dieses Themas – anscheinend eine von glitzernden Oberflächen und einem Übermaß an Glamour – ähnlich dem Regency-Bling des Haymarket, wo wir uns alle zur Pressevorführung versammelten; wo jedoch das Herz der Sache darin liegt, die Psyche eines Mannes zu evozieren, der laut seiner Mitarbeiter mit ebenso vielen Ideen und Stimmungen an einem Tag sprühte, wie es Federn auf diesem herrlichen Mantel gibt.

Stephen Wight, Laura Rees in McQueen Mit einem Leben und Tod, das im vollen Rampenlicht der Öffentlichkeit ausgelebt wurde, verflochten mit vielen Menschen, die McQueen gut kannten, und den meisten von uns, die meinen, heute etwas zu wissen, ist es eine sehr schwere Aufgabe, das Wesen des genialen, widersprüchlichen Mannes einzufangen und ihm neues dramatisches Leben einzuhauchen. Wir wissen von seinen City Stories, die wir vor einigen Monaten hier besprochen haben, dass James Phillips ein innovatives Auge für Struktur besitzt, einen poetisch suggestiven Umgang mit Dialogen, ein feines Verständnis für die Durchdringung von Worten und Musik, und eine bewährte Gabe für das Schreiben über das Londoner Leben, alles notwendige Teile der Gleichung. Würde er dieser neuen Herausforderung gerecht werden?

Was uns gegeben wird, ist ein Märchen, das die Handlung einer von McQueens eigenen, aufwändigen, semi-operatischen Laufstegszenarien ausarbeitet. Dahlia (Carly Bawden) beobachtet McQueen von einem Baum in seinem Garten, betritt sein Haus, um mit einem Kleid zu verschwinden, und trifft dort den Designer selbst zwischen seinen Schaufensterpuppen im Keller. Er ruft den langjährigen Mitarbeiter Philip Treacy um Rat, ob er die Polizei rufen solle, doch die hartnäckige Dahlia bezaubert ihn zu einem Handel: Sie wird am Ende der Nacht verschwinden, wenn er sie dafür in eine Prinzessin verwandelt, indem er ihr ein Kleid macht und ihr verschiedene Visionen von London zeigt. Er stimmt zu, in der Hoffnung, Inspiration zu finden, um die Frist für seine nächste Kollektion einzuhalten.

Es folgt eine Sequenz phantasmagorischer Szenen, die Schlüsselbeziehungen, Erfahrungen und Themen in McQueens Leben erkunden – seine Ausbildung in der Savile Row, seine Freundschaft mit Isabella Blow (Tracy-Ann Oberman), eine V&A-Party, bei der die Journalistin Arabella (Laura Rees) die Authentizität seines Talents in Frage stellt, und seine enge Verbindung zu seiner Mutter und seinen Wurzeln in Stratford. In den meisten Szenen ist Dahlia entweder Beobachterin, eigenwillige Teilnehmerin oder Ausdruck von McQueens eigener ‚weiblicher‘ Seite; aber am Ende ist klar, dass sie aus diesem Treffen mehr wollte als nur ein Kleid. Jede Szene ist mit der nächsten durch eine choreografierte Episode verbunden, in der neun Tänzer die Themen durch die visuelle Bildsprache einer seiner klassischen Eröffnungen kanalisieren, wodurch dieselbe Musik gespielt wird, die bei diesen Anlässen erklang. Schließlich kehren wir in den Keller zurück, wo wir angefangen haben, als die Nacht endet, Dahlia geht und Lee ein Konzept für seine nächste Kollektion hat….

Eloise Hymas, George Hill, Rachel Louisa Maybank, Stephen Wight (sitzend), Jordan Kennedy, Amber Doyle und Sophie Apollonia in McQueen Dieses Stück ist daher keine unverfälschte Biografie-Dokumentation, was sicherlich eine richtige Entscheidung ist; denn es wäre schwer, auf der einen Seite plumpes und undramatisches faktisches Erzählen zu vermeiden oder auf der anderen Seite groben Sensationalismus der Boulevardpresse. Phillips interessiert sich viel mehr dafür, die vielschichtige Wandelbarkeit von McQueens gequälter, aber dennoch entschlossener und humorvoller Persönlichkeit einzufangen und die Natur sowie Quellen seiner Kreativität zu erkunden. Er erreicht beide Ziele, das erste unterstützt durch eine außergewöhnlich detaillierte, hypnotisierende Darbietung von Wight, die viel mehr als eine bloße Nachahmung ist. Und das zweite gelingt, weil es ihm oft gelingt, eine dramatische Formel sowohl für die Beschreibung von McQueens Talenten als auch für deren Darstellung zu finden. Ein Beispiel hierfür sind die zahlreichen bemerkenswerten Monologe, die im Verlauf des Stücks verstreut sind, in denen der Designer seine forensischen und ästhetischen Absichten analysiert. Das könnte leicht nicht funktionieren. Es könnte zu lehrhaft oder einfach zu knifflig werden – „Sechs Kostüme auf der Suche nach einem Couturier“ usw. Dass dies nicht der Fall ist, ist dem Schauspieler zu verdanken und der Art und Weise, wie das Schreiben Sie zwingt, mit dem Auge eines Designers zu schauen und zu imaginieren. Es ist ein wenig wie die Conan Doyle-Geschichte, in der Holmes Ihnen alles über das Leben einer Person nur anhand einiger Details ihrer Kleidung erzählt und direkt durch sie hindurch sieht. Die brillante, aber auch destabilisierende, unnachgiebige und isolierende Qualität dieses Maßes an Wahrnehmung wird spürbar; so sehr, dass es einen extra intensiven Hauch innerer Konzentration über das modische und Fashionista-Publikum hinweg gab. Sie wussten, dass auch sie zu diesem Zeitpunkt unter dem Mikroskop standen…. Wir bekamen ein greifbares dramatisches Gefühl dafür, warum McQueen sowohl ein so verführerischer als auch beängstigender Mann war.

Ein weiteres Beispiel für gut funktionierendes ‚Zeigen und Erzählen‘ fand sich in der Szene bei Anderson & Sheppard, wo McQueen ausgebildet wurde. Sein Schneiden des Kleides, das für Dahlia auf ihrem Körper gefertigt wurde, demonstrierte auf die direkteste Weise die traditionellen Schneiderfähigkeiten, die er dort erlernte, und der Dialog mit seinem Mentor Mr Hitchcock (Michael Bertenshaw) offenbarte das Gleichgewicht zwischen einem Sinn für Geschichte und Subversion, das er immer in seiner Arbeit zu bewahren versuchte: Wenn Sie ein Ikonoklast sein wollen, müssen Sie zuerst ein Traditionalist sein!

Stephen Wight, Laura Rees und Carly Bawden in McQueen

Nicht alles gelingt. Die Szene mit Isabella Blow ist ein elaboriertes barockes Duett zwischen zwei natürlichen Diven, aber das dramatische Biss fehlt dadurch, vor allem, wenn es eine gute Menge uncharakteristisch ungelenker ‚Fakten, die man zuerst wissen muss‘ gibt. Wenn dies eine Oper wäre, könnte man mit diesem Verpacken der Hintergrundgeschichte durchkommen, aber hier nicht. Ernster ist die Unschärfe um den Charakter von Dahlia, die nicht immer hilfreich ist und manchmal die dramatische Kohärenz untergräbt. Was genau ist Dahlias Beitrag? Als Muse, bloßes theatrales Mittel oder Projektion eines Teils von Lees eigener Persönlichkeit? Dies ist besonders wichtig in der zweiten Hälfte der Show, wo sie viel prominenter ist, und es ist nicht ausreichend, diese Frage ungelöst schweben zu lassen. Wir kümmern uns zu diesem Zeitpunkt nicht genug um sie als eigenständigen Charakter, damit die dramatische Struktur das Gewicht tragen kann, und dies wird nur teilweise durch die denkwürdige Zusammenfassung, die Lee in den letzten Minuten liefern darf, ausgeglichen.

Ich bin nicht sicher, ob das Einfügen einer Pause für die West-End-Aufführung dem Stück wirklich geholfen hat. Es würde besser in kontinuierlicher Abfolge funktionieren, ohne gleiches Gewicht auf das dünnere Material zu legen, das nun die zweite Hälfte bildet, während die zarte Fantasieatmosphäre ungebrochen bleibt.

Die Produktionswerte sind ausgezeichnet. Die Regie ist fließend und mit einem malerischen Auge für visuelle Tableaus ebenso wie kinetische Energie. Die Choreografie ist außergewöhnlich vielfältig und einfallsreich: Die Tänzer räumen das Set, posieren als Schaufensterpuppen und agieren in der Tat mehr als ein stummer Chor, der einen visuellen Kommentar zur Handlung bietet und integraler Bestandteil davon ist. Das Garderobenteam hat die knifflige Aufgabe gemeistert, das Werk des Designers zu referenzieren, ohne es sklavisch zu kopieren, und Video-Projektionen geben ein lebendiges Gefühl von Londoner Orten, wenn nötig.

Stephen Wight als Lee in McQueen

Wights Verkörperung von McQueen ist unerreicht. Die Manierismen, die Mischung aus Dreistigkeit und Verletzlichkeit in Sprache und Bewegung, die Extreme von Sensibilität und Vulgarität, Rücksicht und rücksichtsloser Selbstsucht, all dies war vorhanden, zusammen mit einem Selbstbewusstsein über Depressionen, Todesfurcht und die erschreckende Natur seines eigenen Talents, das fein beobachtet wurde. Bawden macht ihre Sache sehr gut mit Dahlia und stellt sicher, dass sie Wights Charakter entgegensteht, wenn nötig, ohne ihren kauzigen Charme zu verlieren, aber die Rolle selbst ist wirklich noch unvollendet. Oberman und Rees nutzen ihre Gelegenheiten in vollem Umfang, und Bertenshaws zurückhaltender Herrenschneider bietet einen willkommenen Punkt der Ruhe und sorgfältig kontrastierten Zurückhaltung.

Der Abend ist kontinuierlich nachdenklich stimmend, visuell spektakulär und höchst einfallsreich in der Integration von Design, Musik, Tanz und Charakterisierung, um so detailliert ein Porträt der Quellen von McQueens Kreativität zu geben, wie wir es wahrscheinlich erhalten werden. Teile sind sowohl unerwartet lustig als auch wirklich bewegend. Den kreativen Prozess eines Künstlers auf die Bühne zu bringen, ist eine knifflige Sache – in jüngerer Zeit ist vielleicht Sunday in the Park with George das einzige vollends erfolgreiche Beispiel. Kurz vor einer musikalischen oder operatischen Behandlung von McQueens Leben – etwas, das es sich angesichts des Umfangs, den das Thema allen theatralischen Künsten bietet, immer noch lohnen könnte zu tun – steht dieses Stück als kühnes und weithin erfolgreiches künstlerisches Porträt.

Das Stück erobert und behauptet triumphierend McQueens Credo, dass Design im besten Fall ein Akt der Liebe zur Person ist – eine Zusammenfassung dessen, wer dieser Mann oder diese Frau war, ist und werden könnte – und dass es daher paradoxerweise ebenso im Geist wie im rein visuellen Sinn liegt. Aus diesem Grund wählte Alexander McQueen die Shakespeare-Zeile, die diesen Bericht eröffnet hat, um sie als Tattoo zu tragen – ein Wappen für seine Zeit und – sicherlich – für unsere Zeiten.

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