KRITIK: Marsha - Ein Mädchen, das schlimme Dinge tut, Arcola Theatre ✭✭✭

Marsha - Ein Mädchen, das schlechte Dinge tut

Arcola Studios 2

13/08/15

3 Sterne

Als wir zu dieser neuesten Folge des Grimeborn Festivals ankommen, erhalten wir eine Maske mit dem Abdruck eines grob gezeichneten Mädchengesichts und werden gebeten, diese während der Aufführung zu tragen und auch 'Hallo zu Marsha' zu sagen, wenn sie uns anspricht. Im Theaterstudio sind bereits mehrere Schauspieler in Sitzplätzen verteilt, die verschiedene Masken tragen, und die Rückwand ist mit identischen naiven Porträts desselben kleinen Mädchens plakatiert. Der Schauspieler, der Marsha darstellt, ist uns den Rücken zugekehrt und beschäftigt sich mit Buntstiften, um sie auszumalen. Befinden wir uns in einer unkomplizierten Darstellung der Kindheit, in der Mädchenversion von Adrian Mole, oder in etwas ganz anderem?

Die Lichter gehen aus, wir setzen unsere Masken auf und Marsha (Tilly Gaunt) rollt einen künstlichen Rasen aus. Sie stellt sich in einem ländlichen (Devon?) Akzent vor, und was in der ersten halben Stunde folgt, ist eine Abfolge scheinbarer narrativer Begegnungen in einem idealisierten - sogar cartoonartigen - Dorfumfeld – zuerst mit Mrs. Hoare (Victoria Gray), der örtlichen Ladenbesitzerin, dann mit einem mürrischen Bauern, Mr. MadDonald (Jessica Gillingwater), als nächstes mit einer Mutter, Susan (Kerri-Lynne Dietz), die nicht möchte, dass Tilly dem Neugeborenen in ihrem Kinderwagen zu nahe kommt, und schließlich mit Susan, ihrem Ehemann Jonny (Sarah Baillie) und Mrs. Hoare, während die ersten sich vorbereiten, die Stadt zu verlassen, um in den Urlaub zu fahren, und ihr Kind in die Obhut von Mrs. Hoare geben. Während des Großteils der Handlung sitzt ein Einhorn - oder zumindest ein Schauspieler (Rachel Baynton) in einem weißen Anzug, der einen sehr gutmütig aussehenden Einhornkopf trägt - gelassen an der Seite der Bühne, als ob es über Tillys Sicherheit wacht.

Doch nichts ist so, wie es scheint, in diesem absichtlich banalen und naiven ländlichen Idyll. Eine Vielzahl von Distanzierungseffekten ist von Anfang an präsent. Nur Marsha spricht – alle ihre Gesprächspartner singen in einer Form von gesteigertem Rezitativ, das zuweilen in Arioso übergeht, ohne sich jemals zu einer vollständigen melodischen Erfindung zu entwickeln. Ein Hintergrundsoundtrack bietet eine Vielzahl geeigneter Geräusche als Begleitung zu jeder Episode, und eine Reihe von visuellen Projektionen, im selben faux-naif Stil wie der Hintergrund, bietet eine hilfreiche wörtliche Darstellung der Aktionen, die durch Sprache und Gesang im Spiel sind. Schließlich bieten die Masken eine Umkehrung der Muster des griechischen Theaters – anstatt uns über die Natur der dargestellten Charaktere zu informieren, bieten sie Marsha ein konfrontierendes Bild einer Welt, die sich ganz in ihr eigenes Bild verwandelt hat.

Risse erscheinen in dieser allzu perfekten Welt. Mr. MadDonald ist sicherlich nicht der fröhliche Archetyp Mr. MacDonald, den wir aus der Welt der Kinderreime kennen, das Einhorn könnte tot sein oder auch nicht, Susan fürchtet, dass Tilly ein obsessives Interesse an ihrem Säugling hat, und Mrs. Hoare könnte Kinder verschwinden lassen haben. Allmählich wird unser Vertrauen darin erschüttert, wem und was man glauben kann. Wo ist der verlässliche Erzähler zu finden? Verbirgt sich jeder im Stück (und folglich im Leben) einfach hinter der Art von Masken, die wir selbst tragen?

Der Ton verdunkelt sich plötzlich merklich, wenn wir die letzten zwanzig Minuten des Stücks betreten. In einem Blackout wechseln die anderen Charaktere plötzlich ihren Gang und offenbaren ihre Ängste vor Marsha als bösartige Figur, nicht als Verkörperung argloser Unschuld. Wenn die Lichter wieder angehen, ist Marsha physisch nicht mehr so, wie sie vorher war, und für den Rest der Show werden wir eingeladen, alles, was wir zuvor gesehen haben, neu zu überdenken. War der erste Teil ein Stück Projektion oder Fantasie oder wirrer Erinnerung? Ist Marsha als Folge eines Verbrechens in Freiheit oder in Haft? Sind alle Geschichtsmuster, die wir benötigen, um uns in einer Erzählung zu orientieren, das, was sie zu sein schienen? Und wenn nicht, steht alles, was wir wissen, in Frage, ohne dass eine endgültige Lösung in Sicht ist? Welche 'Botschaft' oder welchen Inhalt sollen wir aus der Show als Ganzes mitnehmen?

Dies sind tiefe Gewässer, durch die man watet, und genau wie Marsha eine Episode erzählt, in der sie friedlich in einem See schwimmt, bevor das Wetter und die Fische um sie herum hässlich werden, findet sich auch das Publikum am Ende in einem Zustand der Verwirrung wieder. Wir applaudierten einer prachtvollen zentralen Darbietung, ohne genau zu wissen, was wir sonst noch applaudierten. Tatsächlich implizierte das Feedback-Formular, mit dem wir weggeschickt wurden, dass dies immer noch sehr viel 'work in progress' ist, das noch nicht seine endgültige Form gefunden hat und möglicherweise noch mehr Zeit im Workshop benötigt, bevor es einem Publikum präsentiert wird.

Es gibt jedoch keinen Zweifel, dass diese einstündige Show uns alle hart über Themen nachdenken ließ, die in der zeitgenössischen Oper wichtig sind, sowohl technisch als auch philosophisch. Zunächst einmal ist die Frage, ob dies überhaupt eine Oper ist und was Oper jetzt bedeutet. Die Charaktere, die für Marsha singen, klingen eher, als wären sie aus Brittens Peter Grimes oder Turn of the Screw entkommen. Die hieratische, melismatische und unbegleitete Gestaltung deutet auf einen Unterton von Unheimlichkeit und unbestimmtem Laster hinter einer offen gutmütigen ländlichen Idylle hin, aber wir sprechen hier viel mehr von einer Untermalung als von einer Partitur, einer Stimmungssteigerung, wie sie in Filmmusik vorkommt, anstatt einer unvermeidlichen, notwendigen Bewegung von Worten zu Musik, die meiner Meinung nach in jeder Definition von Oper unerlässlich ist, genauso wie sie in jeder Form von Musiktheater wichtig ist. Derzeit sprechen wir immer noch von einer 'Geschichte mit Musik'. Als nächstes steht die Frage der Bedeutung. Regisseur Martin Constantine und Autor Alan Harris präsentieren diesen Abend als Meditation über die Bedeutung von Schönheit und Unschuld mit dem Vorschlag, dass wir allzu leicht in Vorurteile gegenüber denen verfallen, die die Gesellschaft konventionell als hässlich oder schuldig definiert; während Schönheit und Wahrheit an vielen unerwarteten Orten gefunden werden können – und manchmal genauso viel - in den verworrenen Perspektiven der Geisteskranken oder körperlich Behinderten. Dies ist wichtig und herausfordernd gegen-die-Intuition-Gerichtet-Arbeit – tatsächlich genau die Art von Terrain, das die zeitgenössische Oper erkunden sollte. Aber es ist mir nicht klar, ob Marsha in ihrer aktuellen Form ausreichend dreidimensional ist, um uns weit auf diesem Weg der (Selbst-)Entdeckung zu führen. Die Distanzierungseffekte, so klug und anregend sie auch sind, lassen das Endprodukt zu zweidimensional bleiben, buchstäblich ein Spiel der Masken. Um über diese schwierigen Themen nachzudenken, müssen wir sie fühlen: dieser dynamische, transformierende Moment ist der einzigartige Beitrag des Theaters und die Rechtfertigung dafür, alle Kunstformen im Verbund in der Oper zusammenzubringen – das, was Wagner sein 'Gesamtkunstwerk' nannte. Letztendlich hatten wir nicht genug Komplexität in Charakter und Detail, um uns genug für Marsha und ihre Geschichte als Geschichte zu interessieren, anstatt als Konzept.

Soweit also dies eine herausfordernde Nacht im Theater im besten Sinne ist, so bleibt sie unvollständig und unfertig und lädt zu weiterer Überarbeitung und Reflexion seitens der sehr fähigen Darsteller und der hoch nachdenklichen Schöpfer ein.

Erfahren Sie mehr über das Grimeborn Opera Festival im Arcola Theatre