KRITIK: Machinal, Almeida Theatre ✭✭✭

Julian Eaves rezensiert Sophie Treadwells Stück Machinal, das derzeit im Almeida Theatre aufgeführt wird.

Die Besetzung von Machinal im Almeida Theatre. Foto: Johan Persson Machinal

Almeida Theatre

11. Juni 2018

3 Sterne

Jetzt buchen 'Machinal' ist eines der aufregendsten und mitreißendsten amerikanischen expressionistischen Stücke, das die Regeln des konventionellen Dramas am laufenden Band bricht und uns mit seiner Kombination aus offener Direktheit, mutiger Klarheit und erstaunlich geschicktem Bühnenspiel tief in die geschädigten Leben seiner einfachen und oft unbeholfenen Charaktere zieht. Geschrieben von der zu Unrecht übersehenen Sophie Treadwell im Jahr 1928, verdankt es zwar offensichtlich viel Elmer Rices 'The Adding Machine' von ein paar Jahren zuvor - besonders im Bild, das es von den Leben der 'kleinen Leute' in einer anonymen, mechanisierten Großstadtwelt malt, wo Individualität so wenig zählt, dass sie tatsächlich bedeutungslos geworden ist - verstärkt dieses Drama seine Botschaft, indem es die Frage einbezieht, was es bedeutet, eine Frau in einer scheinbar von und für Männer geführten Gesellschaft zu sein.  Das Stück wird gelegentlich in diesem Land aufgeführt; ich sah es vor ein paar Jahren in London, extrem gut gemacht von der abschließenden Schauspielklasse am Kingston College. Als ich hörte, dass das Almeida es neu inszenierte, war die Erwartung hoch.

Kirsty Rider in Machinal im Almeida Theatre. Foto: Johan Persson

Und vieles in der Optik dieser Produktion belohnt die gespannte Erwartung.  Miriam Buethers Bühnendesign - von Jack Knowles mit Lichtblitzen von Intensität beleuchtet - ist eine zutiefst düstere und klaustrophobische Welt: Ihre anfängliche 1920er Jahre Büro-Landschaft aus Reihen von Tischen, die von einem in einem 45-Grad-Winkel darüber aufgehängten Spiegel reflektiert und verdoppelt wird (er bleibt den ganzen Abend über), erinnert sofort an Gibbons und Gillespies unvergessliche Designs für King Vidors krönenden Erfolg im selben Jahr wie die Entstehung dieses Stücks, 'The Crowd'; die expressionistische Geste scheint genau richtig zu sein, ebenso wie der erratische, gebrochene, überlappende Dialog der Eröffnungsszene, mit seinem leeren Schreibtisch, der darauf wartet, gefüllt zu werden von.... nun, wem?... oder was?

Kirsty Rider, Emily Berrington, Dwane Walcott und Alan Morrissey in Machinal. Foto: Johan Persson

Von Emily Berrington.  Sie spielt die Rolle der 'jungen Frau', was schon das Ausmaß der Persönlichkeit ist, die das Skript ihrem Charakter zugesteht: Uns wird klar, dass wir sie bereits in einem flüchtigen Eindruck einer überfüllten U-Bahn oder Straßenbahn gesehen haben, wo Körper aufeinandergepresst sind und eine schöne, Jean Seberg-ähnliche Blondine in ihrer Mitte leidet, das Gesicht zu einem Schmollmund verformt - oder ist es ein Ausdruck von Unmut?  Jedenfalls bringt sie ihre gleiche Qualität von saurer Antipathie zu ihrem trostlosen Bürojob, wo ihr Versagen, sich mit der Gruppe zu 'verbinden', sie unvermeidlich zum Ziel von spöttischem und feindseligem Geplauder macht.  Und das ist die erste echte Überraschung in dieser Produktion von Natalie Abrahami: Vom vorherigen Stück hatte ich den Eindruck einer schwachen oder passiven Kreatur nicht behalten, die als Protagonistin des Stücks verstanden werden soll.

Emily Berrington und Jonathan Livingston in Machinal. Foto: Johan Persson

Und doch, im Verlauf der Szene, scheint das genau die Art und Weise zu sein, wie Abrahami wünscht, dass sie gesehen wird.  Sie ist alleinstehend und sehr im Fadenkreuz ihres leicht räuberischen Chefs, der es kaum erwarten kann, sie für ein wenig zusätzliche Diktierarbeit allein in seinem Büro zu erwischen.  Zu dem Zeitpunkt, an dem das passiert, sind wir erst in der zweiten Szene des Stücks, und wir unterdrücken bereits den Impuls, auf unserem Platz zu stehen und dieser dummen Blondine zuzuschreien: 'Willst du wirklich zulassen, dass dieser Typ so mit dir redet? Wo ist dein Stolz?'

Nun, die Antwort auf die erste Frage ist: Ja, wird sie; und die Antwort auf die zweite Frage ist: Sie hat keinen.  Sie hat kein Gefühl für ihren eigenen Selbstwert, nicht so, wie Berrington sie spielt und Abrahami sie geleitet hat.  Ja, sie könnte über ihre Rolle im Leben stöhnen und klagen - wer tut das nicht? - aber sie tut es immer aus einer Position des jammernden Selbstmitleids, ohne ein Quäntchen Selbstbesitz.  Das ist unangenehm.  Und das erscheint seltsam, mir zumindest, der diesen Charakter in einer radikal anderen Weise in einer anderen Produktion gesehen hat.  Vorher war es mir - sehr - wichtig, was mit der jungen Frau passierte, weil sie einige wichtige menschliche Eigenschaften zeigte, die ihr hier in dieser Aufführung verwehrt sind: Würde, Selbstbeherrschung, Standhaftigkeit, Durchhaltevermögen, Wärme und Hoffnung.  Und echte Wut, im Gegensatz zu den Wutanfällen eines verwöhnten Kindes.

Khali Best, Andrew Lewis, Emily Berrington und Nathalie Armin. Foto: Johan Persson

Im Gegensatz dazu scheinen Abrahami und Berrington in dieser Produktion darauf zu setzen, uns zu zeigen, dass ihr diese Dimensionen fehlen.  Nun, wenn das so ist, warum sollten wir uns darum kümmern, was mit ihr geschieht? Warum sollte sie von Bedeutung sein?  Und wenn sie keine Bedeutung hat, was machen wir dann im Theater und sehen zu, wie sie ihr Leben so ruiniert?  Wird damit eine feministische Sichtweise artikuliert?  Wirklich?  Verhält sich keiner der Männer um sie herum so schrecklich zu allen Frauen?  Wir sehen keine anderen, die in solche Schlamassel geraten.  Das Geschlecht scheint hier also kaum das Schlüsselthema zu sein.  Die träge Selbstverliebtheit und der kaltherzige Umgang mit anderen Menschen, die nur dazu da sind, ihren eigenen Zwecken zu dienen, scheinen die dominierenden Eigenschaften der jungen Frau zu sein, und das ist alles andere als ansprechend.  Wenn es für sie schiefgeht, sind wir eher zu der Schlussfolgerung geneigt, dass sie es sich so ziemlich selbst eingebrockt hat und eine entsprechende Lektion verdient.  Das absolute Limit wird erreicht, als sie ihren Mann (Jonathan Livingston) umbringt, weil er ihr im Weg steht, bei ihrem Geliebten (Dwane Walcott) zu sein - beide, interessanterweise, als schwarze Schauspieler besetzt - ein Mord, für den sie nie einmal das geringste Bedauern ausdrückt.  Doch, angesichts des elektrischen Stuhls, steigert sie ihre Wehklage und Selbstbedeutung, bettelt um Verschonung, als ob wir uns kümmern könnten.  Das tun wir keineswegs.

Wenn das das Beste ist, was Treadwell zu bieten hat, dann ist es kein Wunder, dass sie ignoriert wird, werden viele im Publikum schließen.  Aber sie liegen falsch.  Es ist die eigentümliche Tendenz dieser Produktion, uns zu zwingen, die Dramatikerin in diesem Licht zu sehen, die ein solches falsches Urteil hervorbringt.  Und das sollte deutlich werden, wenn wir sehen, wie sanft und freundlich die meisten anderen Charaktere ihre Rollen spielen.  Die nörgelnde Mutter, Denise Black, ist in der Tat ein selbstloses Arbeitstier, das sich schuftet, um für ihr einziges Kind so viel Freizeit und Komfort wie möglich zu erarbeiten; die Büro-Schläger tun nur das Beste, was sie unter den gleichen einschränkenden Bedingungen können, und können völlig dafür verziehen werden, dass sie die erbärmliche Unfähigkeit der jungen Frau nicht schätzen, irgendeinen anderen Standpunkt im Leben außer ihrem eigenen zu erfassen.  Wir selbst würden es hassen, neben jemand so egozentrischem und oberflächlichem arbeiten zu müssen.

Je länger das Stück dauert - und seine bloßen 90 Minuten enden als eine Ewigkeit - desto mehr gehen unsere Herzen zu Nathalie Armin, Khali Best, Demetri Goritsas, Andrew Lewis, John Mackay, Alan Morrissey, Kirsty Rider und Augustina Seymour, die sich mit dieser schwierigen Aufgabe abquälen müssen.  So naturalistisch von Alex Lowde gekleidet, wirken sie wie Fische ohne Wasser im expressionistischen Bereich, besonders wenn - aus Gründen, die modisch aber nicht verständlich erscheinen - die Einrichtung plötzlich ein Jahrzehnt oder zwei oder drei oder vier oder mehr überspringt (sagen Sie mir, ob Sie denken, dass dies das Erzählen unterstützt).  Ben und Max Ringham fügen ein beeindruckendes Sounddesign hinzu, und Arthur Pita fügt Bewegung hinzu.

Und wie lässt es uns am Ende zurück?  Nun, einigen Leuten gefällt es, aber ich denke, sie würden eine andere Produktion noch mehr lieben: Es ist ein großartiges, ein wunderbares, ein unvergessliches Stück.  Leider denken andere nicht, dass dieses Experiment, trotz seiner herrlichen Pracht, ins Schwarze trifft.  Ob die Produktion diejenigen zufriedenstellt, die dafür verantwortlich sind, ist eine Sache für sie und ihr persönliches Gewissen: Ich habe noch nichts anderes von dieser Regisseurin gesehen und kann ihre Fähigkeiten nicht weiter kommentieren, außer die Feststellung, dass ihr Lebenslauf beeindruckend ist. Jeder scheint hier eine sehr gründliche, eine vollkommen gute Arbeit geleistet zu haben, aber die Gesamtheit der Bemühungen fügt sich hier nicht ganz zu einem erfolgreichen Ganzen zusammen.  Oh, gut.  Macht nichts.  Es ist nicht das Ende der Welt.  Es wird hoffentlich andere Produktionen dieses Stücks geben.  In der Zwischenzeit reicht diese hier gerade so aus, um damit weiterzumachen.

Bis zum 21. Juli 2018

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