REZENSION: Verlorene Liebesmüh, Royal Shakespeare Company ✭✭✭✭

Love's Labour's Lost. Foto: Alastair Muir Love's Labour's Lost

Royal Shakespeare Theatre

15. November 2014

4 Sterne

Es ist, denke ich, sicher zu sagen, dass das köstliche und äußerst schöne Design von Simon Higlett für Christopher Luscombes Inszenierung von Shakespeares Love's Labour's Lost, das jetzt im Royal Shakespeare Theatre in Stratford Upon Avon gespielt wird, die ehrgeizigste, stimmungsvollste und erfolgreichste Kombination von Bühnenbild und Kostümen ist, die seit der Wiedereröffnung des renovierten Theaters zu sehen war. Es ist ein visuelles Meisterwerk und bietet die perfekte Umgebung für den Text.

Basierend auf dem realen Charlecote Park (wo sowohl Dame Judi Dench als auch Shakespeare in verschiedenen Jahrhunderten in Vorwürfe des Wilddiebstahls verwickelt waren), nutzt das Bühnenbild einen riesigen fahrenden Wagen, eine Falltür, die ein prächtiges dekoratives Dach von unten erscheinen lässt, und zwei imposante Torhaustürme; es gibt eine wunderbare Bibliothek und einen schönen englischen Rasen sowie weitere Höhepunkte. Zusammen mit den köstlichen Kostümen ist der gesamte Effekt großartig - ein verblassender englischer Sommer aus einer fernen Zeit.

Ein Teil des Tricks hier ist, dass dieses Bühnenbild auch in Luscombes Inszenierung von Viel Lärm um nichts verwendet wird, das Gregory Doran für diese RSC-Saison in Love's Labour's Won umbenannt hat, also hat es vermutlich das doppelte Budget einer Einzelproduktion. Trotzdem ist es ein absolutes Design-Meisterwerk; Können, Einfallsreichtum und Praktikabilität in perfekter Harmonie.

Love's Labour's Lost wird oft ungünstig mit Viel Lärm um nichts verglichen, aber es war nie leicht zu verstehen, warum. Beide Stücke bieten zwei zentrale Paare, die flirten und streiten, beide zeigen scharfen verbalen Austausch eines dieser Paare, beide sind voller Missverständnisse und beinhalten gebrochene Schwüre, und beide haben eine Nebenhandlung mit einem seltsamen männlichen Charakter, der seinen eigenen Zielen nachgeht. Eine endet glücklicher, im konventionellen Sinne, als die andere, aber der Hinweis steckt bereits im Titel - Love's Labour's Lost. Dennoch sind die Bemühungen nicht verloren, nur aufgeschoben, zumindest in der Theorie.

So betrachtet ergibt Dorans Entscheidung, Viel Lärm um nichts umzubenennen, Sinn. Beide Stücke haben große Ähnlichkeiten, aber unterschiedliche Ergebnisse. Es scheint eine natürliche Paarung zu sein. Und wenn das der Umfang des "Eingreifens" wäre, gäbe es wenig, worüber man sich beschweren könnte.

Aber Luscombe scheint nicht bereit, den Text die Arbeit machen zu lassen und zwingt dem Stück eine Operetten-Sensibilität auf, die anfangs seltsam, aber charmant wirkt, später jedoch im zweiten Akt übertrieben, leicht selbstzerstörerisch und völlig unpassend wird. Und dann, ungeschickt und wirklich gegen den Geist von Shakespeares eigenem Ende, erscheinen die vier werbenden Männer (der König von Navarra und seine Mitstudenten) in Uniform, salutieren ihren Damen und Freunden und ziehen in den Ersten Weltkrieg - und den wahrscheinlichen Tod. Offensichtlich dient das Einführen des Kriegsmotivs zur Unterstützung der gesamten Saison, mit einem Stück vor dem Krieg und dem anderen danach, aber es wirkte holpriger und störender als eines von Don Armados schlecht formulierten Bonmots.

Glücklicherweise ist die Inszenierung in den meisten anderen Aspekten mit guten Schauspielern, tadellosem Timing und einem Sinn für Stil, Schelmerei und Imponiergehabe gesegnet, das seine Höhepunkte akzentuiert. Viel Lärm um nichts wird oft als der Höhepunkt von Shakespeares verbalen Gefechten beschrieben, aber in Wahrheit hat Love's Labour's Lost diese Ehre. Praktisch jeder versucht, jeden anderen mit einem Arsenal aus Wortspielen, Spitzfindigkeiten und fragenden Seitenblicken zu übertrumpfen, und glücklicherweise versucht Luscombe, dies voll auszukosten.

Bei weitem die glanzvollste in diesem scharfzüngigen Wortgefecht ist Michelle Terry, deren Rosaline strahlt und schneidet wie der facettenreiche Diamant, den sie sein sollte. Terry ist talentiert und versiert, jeder verbale Angriff perfekt ausgeführt und eine Freude zu hören. Sie bewältigt die schnellen Passagen mit großer Leichtigkeit, ist die perfekte Partnerin zu ihren Schwestern im Liebesspiel und bringt Berowne, ihren eifrigen Verehrer, fehlerlos dazu, ins Stolpern zu geraten, während ihre Zunge ihn aus dem Tritt bringt. Terry ist eine absolute Freude, zuzusehen.

Sam Alexander ist großartig als der leicht aufgeblasene, leicht dumme, aber völlig charmante König von Navarra. Er hat einen sympathischen Hundeblick-verloren-im-Nebel-Ausdruck, der bezaubernd ist und gleichzeitig in einem Augenblick entschlossene Entschlossenheit hervorrufen kann. Es ist ein überzeugender königlicher Part und eine Freude zuzusehen und zu hören, so voller Freude und Esprit ist seine Darbietung. Mitreißend stürzt er sich in die Moskauer Tanzroutine (wenn er und seine Mitstreiter versuchen, ihren Geliebten einen Streich zu spielen). Wirklich beeindruckend.

Als die Prinzessin von Frankreich ist Leah Whitaker Eleganz und Majestät in Person. Eine gewisse Hochnäsigkeit, leicht und flüchtig, durchdringt jede ihrer Gesten und Sätze, und man spürt, dass sie sowohl verwöhnt als auch präzise ist. Sie geht mit einer Art von Hockey-Mädchen-Enthusiasmus in den girly Geist der Intrigen ein, aber behält ständig eine Distanz zu ihren Untertanen, genau wie Alexanders König. Sie scheinen ein perfektes Paar zu sein. Als die Nachricht vom Tod ihres Vaters eintrifft, ist Whitaker makellos - sie vermittelt perfekt das Gefühl ihres persönlichen Verlustes, ihrer Pflicht gegenüber ihrem Land und ihrem verstorbenen Vater und lehnt Alexanders Hand sanft, aber bestimmt ab, bis die 12-monatige Trauerzeit verstrichen ist. Es ist ein verheerender Moment, wunderschön beurteilt.

Berowne ist die Rolle, von der man vermutet, dass Shakespeare sie für sich selbst schrieb, und sie ist ein Geschenk; eine wunderbare Kombination aus schnellen, witzigen Austauschen, etwas offener Clownerie, prächtigen Einzeilern, bezaubernden und poetischen Monologen und Momenten atemberaubender Klarheit über den menschlichen Zustand. Edward Bennett macht einen guten Berowne - seine Klarheit und Sicherheit lassen die schnellen Passagen vor Vergnügen schwirren und seine Sprachbeherrschung und Technik sorgen dafür, dass seine Ansprachen, insbesondere die, mit denen er am Ende des ersten Aktes seine Mitstreiter inspirieren möchte, berauschend, inspirierend und ganz schön sind. Aber er könnte schelmischer, selbstbewusster, entschlossener in Bezug auf seine eigenen Fähigkeiten und Talente sein, denn aus diesem Selbstbewusstsein kann viel Witz extrahiert werden.

Don Armado kann eine lästige Rolle sein; er erfordert einen rechtmäßigen Komödianten mit präziser Technik und einem fesselnden Selbstironie. Es gibt viele alberne Zeilen und pseudowitzige Witze, die zum Laufen gebracht werden müssen, und John Hodgkinson macht als dieser albern-akzentuierte Clown einen hervorragenden Job. Er hat besonders hervorragende Unterstützung von Peter McGoverns Moth, einem hellen wie ein Knopf Pagen, mit schnellem Witz, guter Laune und schöner Gesangsstimme. McGovern belebt jede Szene, in die er eintritt, und sein Moth ist perfekt, der um die Flamme des verpeilten Don Armado schwirrt.

David Horovitch ist wunderbar als der knappe, geschwätzige und prätentiöse Schulmeister Holofernes; Jamie Newall macht Boyet zu einem Champagner-süchtigen Botschafter von enormer Anmut und Stil; Tunji Kasim ist eine Freude als der Teddybär-obsessive Dumaine (in einem humorvollen Nicken zu Brideshead Revisited), der genauso quietschen kann, wie er werben kann; und Roderick Smith überbringt die schlechten Nachrichten über den Vater der Prinzessin mit ernsthafter Präzision.

Nick Haverson (Costard) und Emma Manton (Jacquenetta) bemühten sich ein wenig zu sehr mit ihren rustikalen Standardcharakteren; keiner von beiden wurde durch die falsche Gilbert und Sullivan-Beschwingtheit, die Luscombe an die Ereignisse geklebt hat, unterstützt. Ansonsten sind der Rest der hier versammelten Besetzung in guter Form und helfen mit, eine rundum konsistente Freude zu erreichen.

Nigel Hess liefert einige nette Hintergrundmusik, aber keiner der Settings der von Shakespeare in das Stück eingebauten Lieder ist mehr als vorübergehender Genuss. Oliver Fenwick beleuchtet alles fachmännisch und lässt Bühnenbild und Kostüme funkeln, und es gibt ganz faszinierende Tableaus, die die vier Liebespaare einbeziehen. Es gibt einen Überschuss an Talent, das daran beteiligt ist, diese Produktion so aussehen zu lassen, wie sie es tut.

Es gibt so viel, das man hier mögen und genießen kann. Luscombe hat eine vorzügliche Besetzung und Crew für dieses Projekt zusammengestellt. Konzentration auf den Text hätte jedoch bessere Ergebnisse gebracht als die Ablenkung in die Operette. Aber, ohne Frage, wenn der letzte Applaus hier endet, möchte man diese Truppe im Gegenstück sehen, Love's Labour's Won.