REZENSION: Kinky Boots, Adelphi Theatre ✭✭✭✭

Kinky Boots

Adelphi Theatre

17. September 2015

4 Sterne

JETZT BUCHEN Es gibt immer noch einige, die ungläubig den Kopf schütteln, dass Kinky Boots den Tony Award für das beste Musical, die beste Choreografie und die beste Originalmusik im Jahr 2013 gewonnen hat, einem Jahr, in dem Matilda im Rennen war, eine Show, die in all diesen grundlegenden Bereichen überlegen ist. Tatsächlich geht es beim Kopfschütteln eher um die Tony Awards als Institution, als um Kinky Boots und Matilda als musikalische Theaterwerke. Der wesentliche Unterschied zwischen den beiden Werken besteht darin, dass Matilda von talentierten Kreativen wunderschön gestaltet wurde und auch mit lustlosen Darstellern überleben kann; Kinky Boots ist Musiktheater nach Formel und hängt vollständig von hervorragenden Darstellern ab, um Macht zu erreichen und Magie zu weben. Glücklicherweise bietet die Londoner Premiere von Kinky Boots, die derzeit im Adelphi Theatre läuft, Darsteller der herausragenden Art. Deshalb wird es wahrscheinlich bei den Oliviers sehr gut abschneiden, obwohl, wenn es übertragen wird, Mrs Henderson Presents es sich wie Matilda im Jahr 2013 fühlen lassen könnte. (Lesen Sie hier unsere Rezension der Broadway-Produktion)

Mit einem Buch von Harvey Fierstein, einer Partitur von Cyndi Lauper und unter der Regie und Choreografie von Jerry Mitchell muss das Kernteam hinter Kinky Boots beruhigend sein für die mentalitätsgetriebenen Investoren. Die Wahrheit jedoch ist, dass keiner der drei etwas erstellt, das seiner besten Leistung in Kinky Boots nahekommt; hätten sie als Trio völlig unbekannt gewesen, bezweifle ich, dass die Show jemals produziert worden wäre.

Zum Teil liegt das daran, dass das Musical eine Adaption eines Films ist und viel in der Übersetzung verloren gegangen ist. Mehr noch ist dies jedoch eine Adaption von Amerikanern über britische Menschen, Orte, soziale Themen und Klassensorgen, und alle sehr britischen Aspekte werden durch ein amerikanisches Filter präsentiert. Schlüsselcharaktere sprechen in Rhythmen, die eher New York sind als Northampton. Es gibt ein amerikanisches Filter über alles, das eher dämpft, als das es Geschichte und Charakter beleuchtet. Die Last auf den Darstellern ist notwendigerweise schwerer, da sie durch dieses Filter schneiden müssen, um die innere Britischheit freizusetzen und sie zum Schmelzen zu bringen. Die Bruchstückhaftigkeit und Formelhaftigkeit der Erzählung unterstützt sie nicht bei dieser Aufgabe.

Aber eine solche Herangehensweise könnte meine Aufgabe unterstützen…

Top 5 Gründe, warum Kinky Boots im West End „Everybody Say Yeah“ macht:

1. Amy Lennox

Lennox ist sensationell als Lauren, das verrückte Fabrikmädchen, das mit dem Boss flirtet und schließlich sein Herz gewinnt. Es ist eine komische Tour-de-Force von Lennox, die keinen Trick verpasst, keine Gelegenheit für Lachen lässt oder irgendetwas unter einem Dynamit-Leistungsniveau tut. Sie stiehlt komplett jede Szene, in der sie ist, und ihr urkomisches Solo, „The History of Wrong Guys“, ist der erste Moment in der Show, an dem man denkt, dass Lauper in der Lage sein könnte, eine Broadway-Partitur zu komponieren. Gravieren Sie jetzt den Olivier Award, denn wenn es Gerechtigkeit gibt, wird Lennox ein sicherer Gewinner sein.

2. Killian Donnelly

Donnelly ist hervorragend als der etwas einfache, etwas langweilige, etwas verwirrte Erbe einer kollabierenden Schuh-Dynastie. Er hat eine völlig ansprechende und erfreuliche Freundlichkeit, die ihm erlaubt, einige der unangenehmen Passagen besser funktionieren zu lassen, als sie eigentlich sollten (und auf Broadway nicht funktionierten). Zum Beispiel funktioniert die Szene, in der er plötzlich auf seinen Designer und Freund Lola vitriolisch reagiert, in Donnellys Händen irgendwie. Er hat den Hundeblick hier perfekt drauf und dieser wesentliche Alltäglichkeit, gepaart mit seiner kraftvollen, mitreißenden Stimme, erweist sich als unwiderstehlich. Es ist wirklich der Fall, aus nichts etwas zu machen; nicht eine Hacke zu sein. Seine Stimmarbeit in „Not My Father’s Son“ und „Soul Of A Man“ ist herausragend, außergewöhnlich, erstklassig. Eine großartige, erhebende Leistung.

3. Matt Henry

Ihr Name war Lola, sie war ein Showgirl…Barry Manilows Lied liefert alle Inspiration, die nötig ist für die lautstarke und lebhafte Dragqueen, Lola (auch bekannt als Simon, der trainierte Boxer und entfremdete Sohn), und Matt Henry stellt sicher, dass seine Boots zum Laufen (und Singen) gemacht sind in einer vollen, tits-and-teeth Bravouraufführung. Sizzling, schrullig und wild als Lola hat Henry eine wahre Freude daran, wo Übermaß und Exzentrizität eng in jede Nummer und kühle Beobachtung eingearbeitet sind. Seine Stimme ist phänomenal, besonders in „Hold Me In Your Heart“, der umwerfenden Nummer um elf Uhr. Henry schien nicht ganz so wohl zu sein, wenn das Make-up und der Drag ab war, etablierte aber dennoch eine schöne Chemie mit dem homophoben Arbeiter Don (ein freundlicher Jamie Baughan). Weniger erfolgreich beim Glätten der Defizite im Buch (der Moment im Altersheim mit seinem alten Vater stößt unangenehm hervor), ist Henry dennoch verdammt gute Unterhaltung in sehr hohen Absätzen.

4. Ein Begabtes Ensemble

Die gesamte Besetzung pulsiert vor Vitalität, singt mit stimmgenauer Präzision (obwohl die Aussprache oft nachlässt) und tanzt mit überschwenglicher Energie und ungebändigtem Gewinn. Die großen Nummern sind farbenfroh und voller Spektakel und intelligenter Anstrengung. Kleinere Rollen sind im Allgemeinen gut gespielt mit Michael Hobbs' George und Amy Ross' Nicola als herausragende Darsteller, ersterer wegen seines geschnürten Anstands und Humors, letztere ein Wirbelwind von Jimmy Choo Ambitionen.

Wenn alle auf der Bühne singen und tanzen, ist es fast unmöglich, nicht zu lächeln. Die Finales für beide Akte sind Mitklopf-Sensationen, egal welche Schuhe man trägt. Es ist schwierig, dem Drang zu widerstehen, mit den lebhaften Melodien mitzutanzen oder zu klatschen und die warmen, fröhlichen Aufführungen zu feiern.

5. Kostüme und Beleuchtung

Gregg Barnes bietet herrlich campige Kostüme für Lola und ihre Engel, von denen einige gesehen werden müssen, um sie zu glauben, und alle schreien Individualität und Akzeptanz (falls das Buch für irgendeinen Zuschauer zu subtil war). Kenneth Posner beleuchtet alles brillant – es lohnt sich, Kinky Boots nur wegen der Lichtshow in Lolas letztem Solo zu sehen.

Top fünf Gründe, warum Kinky Boots im West End nicht „Everybody Say Yeah“ macht:

5. Soundbalance – John Shivers

Das Gleichgewicht zwischen Sänger und Orchester ist oft nicht so, wie es sein sollte. Das Orchester ist zu laut und die Verstärkung für die Sänger nicht ausreichend, um sicherzustellen, dass die Liedtexte vermittelt werden. Es ist ärgerlich, dass dies nicht stimmt, denn besonders bei einem neuen Musical ist das Hören und Verstehen der Worte sehr wichtig.

4. Regie – Jerry Mitchell

Mitchells größter Beitrag hier ist es, einige elegante und fesselnde Tanzsequenzen zu bieten. Die Routine, die die Förderbänder der Schuhfabrik einbezieht, sind besonders gut. Aber als Regisseur ist sein Blick zu fest auf die Pailletten und das Sternenlicht gerichtet und nicht ausreichend darauf konzentriert, sicherzustellen, dass die Erzählung weniger übermäßig süß und offensichtlich wird.

Die Show hat viel Herz und Wert über alles gespritzt; was sie braucht, ist Nuance und Charme und einen Regisseur, der in der Lage ist, mit Spucke und Politur Kinky Boots bezaubernd zu machen, statt überwältigend. Feinheit muss gelegentlich wieder im Raum sein, mit kniehohen Glamourstiefeln, freiliegenden Sixpacks und wirbelnden Divas.

3. Bühnenbild – David Rockwell

Das Bühnenbild ist matt. Es ist effizient und kompakt und wird zweifellos günstig für eine Tour sein. Aber es vermittelt nicht den Geist der sehr unterschiedlichen Orte, an denen bedeutende Handlung passiert. Und es sollte absolut.

2. Die Musik – Cyndi Lauper

Laupers Partitur ist eine gemischte Tüte. Sie hat nicht wirklich ein insgesamt zusammenhängendes Gefühl; zu keinem Zeitpunkt hat man den Eindruck, dass man ein Lied von Kinky Boots hört. Das meiste Material ist sofort vergessen, obwohl es in überlegener Weise geliefert wurde. Die herausragenden Songs wurden bereits erwähnt; „Sex Is In The Heel“ ist die andere Nummer, die hier Aufmerksamkeit verdient, fast ausschließlich wegen der Darbietungen.

Das Klügste, was Lauper getan hat, ist sicherzustellen, dass jeder Akt mit einem tollen Tune des gesamten Ensembles endet. Das funktioniert wirklich und stellt sicher, dass Diskussionen in der Pause und nach der Show mit Lob für diese Nummern übersprudeln; irgendwie wird die Enttäuschung über viel der Musik durch diese bemerkenswerten Hymnen abgewaschen, und durch die unauslöschliche Erinnerung an Lennox' „The History Of Wrong Guys“ und Henrys „Hold Me In Your Heart“ (beide Showstopper).

Es ist schwierig, nicht darüber nachzudenken, welche Art von Partitur Jerry Herman für Kinky Boots liefern könnte und unmöglich, sich nicht zu wünschen, dass er es getan hätte.

1. Das Buch – Harvey Fierstein

Wie auch immer man es betrachtet, das Buch hier ist weit von Fiersteins bester Arbeit entfernt. Es ist ein Puzzle von standardmäßigen Fierstein-Charakteren, Situationen und Sticheleien, mit über alles versprühter Sentimentalität, die von Erkenntnissen ablenkt. Es ist offensichtlich und extrem; Feingefühl ist hier knapp.

Es gibt viel zu lachen und zu schmunzeln, aber nicht genug, um das Interesse über den Abend hinweg zu halten. Die Hauptcharaktere sind nicht ausreichend ausgearbeitet und nicht konsistent; wenn sie funktionieren, liegt es an den individuellen Charakteren und Persönlichkeiten der Schauspieler.

Damit dieses Werk zu den großen amerikanischen Broadway-Musicals gehört, braucht es Überarbeitung – Buch, Score und Regie benötigen alle mehr Arbeit.

Aber…

Diese Endakt-Finales sind ziemlich bemerkenswert und wenn man an Kinky Boots denkt, sind es diese beiden Nummern („Everybody Says Yeah“ und „Raise You Up/Just Be“), die sicherstellen, dass Freude auf den Lippen ist. Fügen Sie die bedeutenden Beiträge von Lennox, Murphy und Henry hinzu und Sie haben einen West End-Hit, der besser ist als sein Broadway-Vorgänger.

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