REZENSION: König Johann, Globe Theatre ✭✭✭✭✭

König Johann

Shakespeare's Globe Theatre

10. Juni 2015

5 Sterne

William Shakespeare schrieb zehn Stücke über die turbulenten Monarchien, die über England herrschten: Richard II., Heinrich IV. (1 und 2), Heinrich V., Heinrich VI. (1, 2 und 3), Richard III., Heinrich VIII. und König Johann. Letzterer, der nach Richard II. und vor Heinrich IV. Teil 1 geschrieben worden sein soll, wird selten aufgeführt, zumindest im Vergleich zu den anderen. Dies legt nahe, dass das Stück "Probleme" hat. Aber hat es wirklich?

Basierend auf der Stärke von James Dacres Inszenierung, die derzeit im Globe gespielt wird, lautet die Antwort ein überzeugtes "Nein".

Überraschenderweise ist dies das erste Mal, dass König Johann im Globe seit seiner Eröffnung im Jahr 1997 aufgegriffen wurde. Es hat sich das 18-jährige Warten gelohnt. Dacres Inszenierung sprüht vor Energie, erzählt die komplizierte politische Geschichte mit Klarheit und Humor und erfreut sich an den Exzessen, die die Charaktere und die Plotwendungen bieten. Etwas frech sind Zeilen aus "The Troublesome Reign of King John, King of England" hinzugefügt worden, einem Stück, das möglicherweise von George Peele geschrieben wurde. Aber diese Ergänzungen sind weder störend noch überflüssig, und das Endergebnis ist ein Tummelplatz durch eine spannende Zeit für die anglo-französischen Beziehungen, erzählt durch das sehr spezifische Prisma der post-Henry VIII-Spaltung mit Rom, voll von Gift, Verrat und strategischen Gambits.

Nicholas Hytner bemerkte einmal, dass Shakespeare unverständlich sein könne: "Die ersten fünf Minuten sind immer knifflig", sagte er beim Cheltenham Literary Festival 2013. Dacres Inszenierung widerlegt Hytner, falls ein Beweis dafür nötig wäre. Die einzigartige Klarheit in der Darbietung aller Schauspieler im Ensemble macht dies zu einer der am leichtesten verständlichen Shakespeare-Inszenierungen, die im Globe zu sehen waren. Es geht nicht nur um Aussprache und Hörbarkeit; das Ensemble hier lebt und atmet die Sprache, wendet sie voll aus und zieht das Publikum in ihr Vertrauen, zu ihrer Unterstützung. Es ist Rhetorik in voller Blüte.

Im Laufe des Stücks erscheint es überraschend relevant. Der Konflikt zwischen den Klassen, das Versagen des Gouvernements, die Unterstützung des Landes zu gewinnen, die Bereitschaft dieses Körpers, sich von seinen Verbündeten für kurzfristige Gewinne abzuwenden, Drohungen von den Reichen und Mächtigen, um das Gouvernment in Schach zu halten, instabile Allianzen und unfreundliche Koalitionen; fügen Sie giftige persönliche Angriffe und unverhohlenen Ausverkauf hinzu und Sie haben nicht nur das Fleisch und die Knochen von König Johann, sondern auch einen ätzenden Überblick über die kürzlichen Wahlen im Vereinigten Königreich.

Im Programm argumentiert Professor Leon Black für eine bessere Anerkennung des Stücks:

"Nicht verbunden mit der doppelten Tetralogie über die Yorks und Lancasters, hat es wenig Ähnlichkeit mit dem, was man über Johann in der Schule lernt (die Magna Carta wird nie erwähnt), es wirkt wie ein vernachlässigtes Stiefkind. Es sollte mehr beachtet werden, denn es enthält prachtvolle Dinge - unter anderem eine bemerkenswerte Vielfalt an Tönen, darunter den patriotischen, den verschwörerischen, den erschreckenden und den lächerlichen. Es gibt Regisseuren und Schauspielern eine breite Palette an Auswahlmöglichkeiten."

Professor Black hat absolut recht.

Dacre nutzt die vielen Stimmungen und Stilwechsel des Stücks voll aus, mit dem Ergebnis, dass der Abend turbulent und durchweg packend ist: eine Art politischer Achterbahn. Dies ist ein Stück, in dem es schwer ist, herauszufinden, wer der wahre Bösewicht ist - es gibt mehrere Anwärter für diesen Titel. Doch der wirkliche Vorteil von Dacres Inszenierung ist, dass die Charaktere in vollem Maße berücksichtigt werden, und es zeigt sich, dass sie reich und lohnend sind.

Jo Stone-Fewings ist in spektakulärer Form als der namensgebende König Johann; ich habe ihn nie besser gesehen als hier. Er erweckt subtil den Eindruck der Cartoon-Version des Charakters, der Peter Ustinov samtstimmige Löwe aus Disneys Robin Hood, und ist gierig, launisch, nachdenklich, majestätisch, schlagfertig, bemitleidenswert und grotesk. Er ist wunderbar anzusehen und sein Gebrauch seiner dunkeltonigen Stimme ist meisterhaft - er kann im Handumdrehen vom weinerlichen Comedy zur polternden Wut wechseln.

Insgesamt ist sein Johann eher wie Richard II 1/2 - ein Charakter, der irgendwo zwischen den Extremen von Richard II und III liegt, mit Eigenschaften und Einstellungen, die beiden oder einem von beiden gemeinsam sind. Doch Stone-Fewings' Johann ist zugleich völlig einzigartig; ein Punkt der Einzigartigkeit, der in seiner eigenen Weise leuchtet. Es ist ein kraftvolles, fesselndes und völlig überzeugendes Porträt - eines, das den Maßstab für lange Zeit setzen wird.

Ein kleiner Einwand entsteht über die Art und Weise und die Sache von Johanns Tod. Es scheint hier zu ordentlich, zu schnell und ohne Maßstab oder ein wesentliches Maß an Schrecklichkeit zu sein. Johann wurde im Stück schließlich vergiftet; im Leben raffte ihn die Ruhr dahin. So oder so, es war nicht schön. Stone-Fewings einer erniedrigenden, erschreckenden Todesart durch vergiftete verrottende Gedärme zu berauben, mindert etwas den Glanz der Aufführung. Er hat so hart gearbeitet, Johann so real gemacht, dass das letzte, entsetzliche Todesrasseln ihn nicht mit einem Wimmern verabschieden sollte. Aber es ist ein winziges Fleckchen auf Dacres Buch; es beraubt das Publikum lediglich der Möglichkeit zu sehen, wie gut Stone-Fewings hätte sein können.

Alex Waldmann gewinnt weiterhin an Format als klassischer Schauspieler. Er ist ein wundervoller Bastard hier - edel im Geist, kühn, lärmend, frech, schlagfertig, feurig und verwegen. Ein Bastard's Bastard. Alles, was der illegitime Sohn des kreuzfahrenden Richard Löwenherz zu sein erwartet wird. Ganz Mann und Mund, schnell mit dem Schwert und tödlich - auf dem Schlachtfeld und anderswo. Ein Joker und alles andere als ein Witz. Waldmann gewinnt die Gunst des Publikums spielend leicht und zeichnet den Anstieg seines Charakters im Format nach, während Stone-Fewings' Johann fällt. Es ist ein reifes, selbstbewusstes und beeindruckendes Schauspiel. Seine letzte Szene ist wunderbar berührend.

Als die Matriarchin aller Matriarchen, Eleonore von Aquitanien, zeigt Barbara Marten einen Geist und Wendigkeit von Witz und Manöver, die sicher einen fragen lässt, ob James Goldman für "Der Löwe im Winter" bei Shakespeare inspirierte. Goldmans und Shakespeares Eleonore haben vieles gemeinsam, und Marten füllt jede Happen des Banketts, das Shakespeares Feder einer Schauspielerin bietet, voll aus. Regal, hochmütig, manipulativ, aber immer elektrisierend, Marten erfreut sich an den gefährlichen Spielen, die Eleonore anzettelt und unterstützt. Ihre Augen kommunizieren Seiten voller Worte mit schnellen, durchdringenden Blicken. Vollkommen real und nachvollziehbar zeigt Martens Eleonore, was für eine hervorragende Rolle dies für eine talentierte Schauspielerin ist.

Martens Eleonore wird umso berauschender durch die kleine Szene, in der Marten einen anderen Charakter spielt - Lady Faulconbridge, die Mutter des Bastards. Hier ist Marten vollkommen anders, fast so, als ob eine andere Schauspielerin die Rolle spielen würde. Gebrochen, sorgenvoll, ärgerlich, verletzt, gedemütigt - Marten ist hervorragend. Und Lady Faulconbridge ist ein wichtiges Rad auf dem sich ständig drehenden Rad des Schicksals. Sie ist es, die den Vater des Bastards anerkennt, trotz des Rufes, und somit ist sie es, die ihren Sohn auf den Weg bringt, der ihn weit über seine Träume hinaus in Status und Rang führen wird.

Tanya Moodie ist eine herausragende Constance, die Mutter von Arthur, der Sohn von Johanns verstorbenem älteren Bruder, Geoffrey. Arthurs Anspruch auf den englischen Thron ist vielleicht so haltbar wie Johanns, und Constance will ihn gekrönt sehen. Moodie kann mit den Besten Beleidigungen austauschen und hat keine Schwierigkeiten dabei, Marten oder Stone-Fewings Schlag für Schlag gleichzukommen. Sie spielt Constance als zunächst Mutter, Mutter der Krone an zweiter Stelle. Hierbei ist sie das Spiegelbild von Eleonore, für die Macht das Allerwichtigste ist. Der Blick auf Moodies Gesicht, wenn Arthur weggenommen wird, ist außerordentlich, ein Renaissancegemälde von ehrlich empfundener Verwüstung, und sie bewältigt das Klagelied über das Schicksal ihres Sohnes mit bristender, brutaler Intensität.

Als der hinterhältige, doppeldeutige und entschlossene Kardinal Pandulph glänzt Joseph Marcell wie ein Juwel an der Hand des Papstes. Unerschütterlich angesichts des Unbeherrschten, führt sein raffinierter Kardinal ohne Zögern Macht aus; eine Exkommunizierung hier, eine dort - alles, um die Vorherrschaft Roms zu sichern und den Willen des Papstes zu verwirklichen. Es ist urkomisch, dass der kämpferischste Charakter hier der Kardinal ist, aber das spiegelt die Ansichten der Shakespeares Zeit vollständig wider und bringt sowohl damals als auch heute Lacher. In einer modernen Lesart könnte man den Kardinal fast als Verkörperung der Europäischen Union oder der Bankenwelt sehen: Er ist ein Feind für manchen, ein Freund für andere, und unterstützt von enormer, gut finanzierter Macht.

Eine der schwierigsten Szenen des Stücks kommt, als Hubert (Mark Meadows) Arthur (Laurence Belcher) mit rotglühenden Spießen blenden und töten soll, doch der Junge redet ihm gut zu. Es ist eine harte Szene, zum Funktionieren zu bringen, es sei denn, es wird ein verstörender pädophiler Unterton gegeben. Aber hier gelingt es beiden ausgezeichneten Schauspielern, die Szene vollständig real zu spielen, mit Gewissen und Konsequenz als Keulen des Debatten, es funktioniert spektakulär. Man ist sicher, der Junge wird geblendet; dann versteht man, warum Hubert sich weigert, die dunkle Tat zu tun - und das setzt das endgültige Schicksal von Arthur auf erschreckend traurig, anstatt lächerlich lausig.

Es gibt keine schwachen Glieder in der Besetzung und Simon Coates, Ciarán Owens und Daniel Rabin leisten besonders feine, nachdenkliche Arbeit. Ebenso wie Aruhan Galieva in zwei sehr unterschiedlichen Rollen: Sie ist eine überraschte Braut, wenn sich die Verhandlungsspotlights auf ihre Blanche von Kastilien richten, eine spanische Prinzessin; und später als bizarrer und leicht wilder Peter von Pomfret bringt sie den Sinn von einer von Macbeth Hexen oder Caesars Wahrsager zu den Aktionen.

Orlando Goughs originale Musik funktioniert besonders gut und trägt bedeutend zu Stimmung und Ton bei. Scott Ambler sorgt für geschickte Bewegung und die stilisierten Kampfsequenzen (Rachel Bown-Williams und Ruth Cooper-Brown) sind sehr beeindruckend - tatsächlich beeindruckender als jede vollständig inszenierte Sequenz wahrscheinlich wäre. Jonathan Fensoms Bühnenbild nutzt die Bühne hervorragend, und die Plattformen, die er zwischen den Groundlings setzt, und die zentrale Rampe, auf der Arthur schließlich zu Gott geht, funktionieren alle gut.

Dies ist eine wahrhaft spannende, faszinierende und mitreißende Inszenierung eines von Shakespeares hässlichen Entlein. James Dacre und sein vorbildliches Ensemble, angeführt von Stone-Fewings, Marten, Waldmann und Moodie, machen das Argument für König Johann, als wahre Schwäne angesehen zu werden.

König Johann läuft bis zum 27. Juni 2015 im Shakespeare's Globe