REZENSION: Kill Me Now, Park Theatre ✭✭✭✭

Jack McMullen, Greg Wise und Charlotte Harwood in Kill Me Now. Foto: Marilyn Kingwill Kill Me Now

Park Street Theatre

27. Februar 2015

4 Sterne

Der Vater ist groß, muskulös, Amerikaner. Fähig. Der Sohn ist nicht klein, mager, und sein Körper ist verkrüppelt. Seine Hände, beide, sind verkrüppelt und effektiv nutzlos für feine Arbeit. Seine Beine sind verdreht und tragen sein Gewicht nicht; er kann nicht laufen. Sein Gesicht ist in ungeschickten Winkeln verzerrt, sein Mund eine seltsame Form in seinem ansonsten schönen Gesicht.

Der Vater wäscht den Sohn. Beide fühlen sich unbehaglich, aber aus unterschiedlichen Gründen. Der Sohn fühlt sich unbehaglich, weil die Pubertät ihn überkommt und er keine Kontrolle über seinen Penis hat; der Vater, weil der Sohn sich unbehaglich fühlt. Er hat seinen Sohn fast sein ganzes Leben lang gebadet, aber plötzlich ist es unangenehm. Der Sohn klagt über einen wunden Po. Der Vater verspricht, dass er die beruhigende Salbe auftragen wird, sobald das Baden abgeschlossen ist. Papa reinigt die Genitalien. Plötzlich eine neue Präsenz. Eine Erektion.

Später erzählt der Vater diesen Moment der qualvollen elterlichen Agonie seiner Geliebten, einer verheirateten Frau, die einen unaufmerksamen Ehemann und zwei gesunde Söhne hat. Mit alarmierender Ruhe schlägt sie vor, dass der Vater seinem Sohn Erleichterung bietet. Vielleicht nicht überraschend, ist der Vater verblüfft. Aber sie ist entschlossen. Der Junge braucht Erleichterung. Wenn es ihr Sohn in ähnlichen Umständen mit einer Erektion wäre und wenn er schwul wäre, würde sie ihm Erleichterung geben; wenn er hetero wäre, würde sie seinen Vater dazu bringen, es zu tun. Auf diese Weise könnte keine Spur von Leidenschaft beteiligt sein. Die Augen des Vaters weiten sich.

So tun es auch die Augen jeder Person im Publikum.

Dies ist Braham Murrays Inszenierung von Brad Frasers Stück, Kill Me Now, das seine Europapremiere im Park Theatre hat. Es ist ein Familiendrama, so erschütternd und intensiv persönlich wie eh und je. Es behandelt gewichtige Themen, die von Fragen der Normalität, Ehebruch, elterlicher Verantwortung, kindlicher Pflicht, den Grenzen der häuslichen Pflege für behinderte Personen, Prostitution und Sterbehilfe reichen, aber dabei ist es in den Schmerz und die Freude einer erweiterten Familienkonstellation verankert.

Kein Zweifel: Es ist ein Augenöffner. Es greift schwierige, sogar tabuisierte Themen mit unfehlbarer Offenheit auf. Während die unpassend benannte Familie Sturdy den überwältigenden Wechselfällen des Lebens gegenübersteht, mit der größten Anmut, Spannung, Sympathie und Wut, die man von einer kleinen Familie erwarten kann, scheint jeder Schlag erschreckend, aber unvermeidlich, und eine praktikable Lösung für gemeinsame Leiden kaum zu schaffen. Aber die Liebe und der Humor, die sie zusammenreißen und verbinden, ermöglichen eine Lösung, die sowohl zärtlich als auch verheerend ist.

Fraser schreibt prägnante, realistische Dialoge, die sowohl den Kern des Charakters als auch der Situation erreichen. Sie sind in Teilen brutal, in anderen furchtbar ehrlich und durchweg wirklich lustig. Einige Abschnitte ziehen sich etwas hin, und es könnte ein Thema zu viel im Mix sein, aber insgesamt ist es ein beeindruckendes Werk, das sich wagt, ungewöhnliche Wege zu gehen.

Und die Charaktere, die er schafft, sind überraschend und fesselnd.

Greg Wise, der nach langer Abwesenheit auf die Bühne zurückkehrt, beeindruckt als alleiniger Elternteil, der sein Bestes gibt, um seinen schwerbehinderten Sohn zu schützen und zu pflegen. Er ist am besten in den Momenten tiefster Intimität, des stillen Schmerzes. Die Szenen mit seiner heimlichen Geliebten sind voller Zurückhaltung und Aufrichtigkeit und kontrastieren hervorragend mit den Szenen des Antagonismus und der gereizten Irritation (aber echte, dauerhafte Zuneigung) mit seiner Schwester aus der Unternehmenswelt.

Aber es sind die Szenen mit seinem Sohn Joey, in denen Wise seine feinen Schauspielkünste zeigt. Vom Eröffnungsszene, wo die erste Bade-Sequenz stattfindet, etabliert Wise seine klare Verbindung mit Oliver Grooms Joey. Das Gefühl lebenslanger Hingabe ist spürbar. Von dieser Basis aus schaffen die beiden Momente der pochenden, beinahe unvorstellbaren Rohheit. Der Moment, in dem Joey wütend verlangt, dass sein Vater und seine Tante Sterbehilfe diskutieren, ist überwältigend, größtenteils weil Wise den Vater völlig real, fehlbar menschlich gemacht hat.

Oliver Groom ist ein begabter und detaillierter Darsteller, wie seine Rolle hier als der verkrüppelte, körperlich hilflose, aber geistig scharfsinnige Joey eindrucksvoll beweist. Er gibt seinen gesamten Körper der Aufgabe hin, mutig und kühn; er schafft eine unverblendete, greifbare körperliche Charakterisierung und überlappt diese mit intelligenten ausdrucksstarken Augen, die ständig kommunizieren, und klugen stimmlichen Gymnastiken, die trotz der Einschränkungen, welche Joeys Sprachbehinderung mit sich bringt, Farbe, Bedeutung und Tiefe vermitteln. Auch ist er unverschämt lustig.

Groom bietet ein intensives, tief fühlendes und vollständig realisiertes Porträt einer Behinderung. Von Freude bis zu Wut, sein Joey ist zu allem fähig und bereit, alles zu tun. Er ist jederzeit vollständig engagiert und vollkommen überzeugend - er ist besonders gut darin, Joeys Übergang vom von der Pubertät geplagten Jugendlichen zum jungen Mann zu zeichnen. Was auch immer Sie über das Leben mit einer Behinderung glauben zu wissen, Grooms Darbietung hier wird Ihnen neue Einsichten geben.

Als Rowdy Akers, Joeys geistig unvollkommener Freund, dessen Lebensfreude, Spaß und Sex unübertroffen sind, ist Jack McMullen ein Wirbelwind frischer, ungekünstelter Freude. Er baut eine ungezwungene Beziehung zu Grooms Joey auf, die vollkommen überzeugend ist, und er zeigt, wie die Liebe und Fürsorge, die er von Joeys Vater und Tante erhält, sein Leben bereichert und ihm beim Verstehen hilft. McMullen ist ständiger Gewinner und lustig, aber er skizziert auch Rowdys verzweifelte Suche nach Familie. Eine weitere reichhaltige und sorgfältige Darbietung großer Fähigkeit.

Charlotte Harwood hat eine schwierige Aufgabe als Tante Twyla, eine Frau, die so viel von ihrem Leben und ihrer Energie Joey und ihrem Bruder widmet, dass wenig für ihre eigenen Freuden und Unternehmungen übrig bleibt. Das Gefühl eines Lebens, das in Arbeit und familiärer Pflicht aufgebraucht wird, ist in Harwoods Darbietung kraftvoll, aber es gibt keine Spur von Bitterkeit. Ihre Streifzüge in Alkoholismus und sexuelle Abenteuer sind schön abgestimmt und sie bringt echte Balance in die Dynamik des Sturdy-Haushalts, wo sie eine ständige Besucherin ist.

Als die geheime Geliebte von Joeys Vater bringt Anna Wilson-Jones praktische und sinnliche Wärme zu den Sturdy-Männern. Ihre Szenen mit Vater Jake sind wunderschön abgestimmt, die Scham des Ehebruchs gemischt mit dem Vergnügen der wahren Verbindung und dem gemeinsamen, romantischen Bedürfnis. Später, als sie beginnt, eine Beziehung zu Joey aufzubauen, ist Wilson-Jones völlig bezaubernd: Wir sehen sie durch Joeys Augen, kennen sie durch Jakes. Es ist eine sanfte Darbietung von großer Zärtlichkeit und Mitgefühl.

Kein Zweifel, das Stück könnte in rührseligen Sentimentalität versinken, aber Regisseur Braham Murray stellt sicher, dass Integrität das Maß ist, nicht Sentimentalität. Das soll nicht heißen, dass die Produktion nicht bewegend ist - das ist sie absolut. Aber sie ist auch erschütternd und enthält zwei der konfrontativsten Szenen, die ich je auf der Bühne gesehen habe. Die geschickte Klarheit, die Murray jeder Beziehung und jedem narrativen Schlagloch verleiht, sorgt für totale Bindung. Das Publikum ist ständig gebannt, fasziniert und staunend.

Das Park Theatre ist ein wunderbar anpassbarer Raum und Juliet Shillingfords Design nutzt das voll aus. Cleverweise wird das Stück in der Runde (nun ja, eigentlich ein Quadrat) gegeben, mit dem Ergebnis, dass das Publikum fast Teil des Lebens der Sturdy-Männer ist. Die nackten Betonwände suggerieren Schmutz und eine Art Gefängnis, und die verschiedenen Möbelstücke schaffen leicht die verschiedenen Orte, an denen die Handlung spielt. Chris Daveys Beleuchtung ist sorgfältig, zart suggeriert sie Stimmung und unterstreicht geschickt die Arbeit der Schauspieler. Tayo Akinbodes Musik, ebenso, ist mühelos integriert, resonant und ideal.

Dies ist eine wunderbare, sensible Produktion eines wichtigen Stücks, das mutig dorthin geht, wo wenige Stücke vor ihm gegangen sind. Sein wesentlicher Fokus auf Kommunikation und die Bedürfnisse der Menschheit macht schwieriges, konfrontierendes Theater. Aber letztlich sorgt die Wärme und der Geist der begabten Darsteller dafür, dass die Erfahrung lebensbejahend und unglaublich lohnenswert ist.

Kill Me Now läuft bis zum 29. März im Park Theatre