KRITIK: Judy!, Arts Theatre ✭✭✭

Judy!

Arts Theatre

27. Mai 2017

3 Sterne

Tickets buchen

Wenn es jemals ein Beispiel dafür gab, dass eine Show durch die Wahl des Spielortes völlig verändert wurde, dann ist es diese. Diese originale Biographie von Judy Garland, ein Herzensprojekt des Gründers und Direktors des Theaters, Ray Rackham, begann als kleinskaliges Off-Theater-Stück im alten 60-Plätze-London Theatre Workshop Raum über dem New King's Road an The Eel Brook; dort war es involvierend und überraschend, mit seiner durchkreuzenden Erzählung von drei verschiedenen Handlungssträngen, die jeweils von einer anderen Schauspielerin in der Hauptrolle übernommen wurden, und mit Schauspieler-Musikern, die sich und einander auf einem Set aus Showbiz-Utensilien und Kinkerlitzchen begleiteten. Dann, ermutigt durch seinen Erfolg, wechselte die energisch überarbeitete Produktion in den großen 240-Plätze-Raum im Southwark Playhouse, wo es in einer Schubkasten- Bühnenkonfiguration aufgeführt wurde, wobei das Publikum erneut das Gefühl hatte, involviert zu sein und emotional in Einklang mit dem zentralen Schicksal der Titelgestalt. Die Produktion zog weitreichendes Interesse und ekstatische Kritiken an. Es schien, als könnte nichts seinen Weg aufhalten.

Und jetzt, obwohl wenige Produktionen im Southwark Playhouse - sogar die sehr erfolgreichen - dies jemals tun, wechselt die Show weiter in das West End und bezieht Quartier im 350-Plätze-Arts Theatre. Rackham produziert auch zusammen mit Michelle Hutchings, und in Zusammenarbeit mit Julie Clare, die ebenfalls

General Manager ist. Die Show wurde durch Dramaturgin Carolyn Scott Jeffs weiter überarbeitet und erhielt ein neues Design von Tom Paris, das dennoch viel von der ursprünglichen Intention der Inszenierung bewahrt, um einen generischen Studiobereich zu bieten, in dem die verschiedenen durch das Drehbuch geforderten Zeitperioden und Orte schnell und flexibel herbeigezaubert werden können. Fast die gesamte Originalbesetzung wurde auf dieser langen Reise beibehalten, und hier wiederholen sie Aufführungen, die ihnen auf der Newington Causeway reichlich Anerkennung einbrachten. Die Show sollte immer noch am Laufen sein: Die Darbietungen, insbesondere die Musiknummern, ermutigen das Publikum, es so zu sehen. Helen Sheals, Belinda Wollaston und Lucy Penrose (und am Tag, an dem ich anwesend war, die Zweitbesetzung Millie Hobday, die aufgrund der Unpässlichkeit von Miss Wollaston aus ihrer Rolle als Kostümdesignerin und Betreuerin befördert wurde) liefern wunderschön beobachtete und fein gearbeitete Darbietungen von Hits aus dem Garland-Songbook. Aber es scheint, dass etwas in den Weg des alten Zaubers gekommen ist. Ich habe die Show zweimal gesehen, und ich glaube, ich weiß, was es ist.

Es ist der Guckkasten. Die Auswirkung auf die Rezeption des Spiels durch die physische Neupositionierung der Aufführung im Verhältnis zu ihrem Publikum ist dramatisch und endgültig. Aus Sicht des Publikums sitzen wir jetzt in einem abgedunkelten Raum, entfernt von der beleuchteten Aktion; wir 'beobachten' nun die Ereignisse, die auf der anderen Seite des Guckkastens gespielt werden, ohne uns so stark von ihnen mitreißen zu lassen wie damals, als wir den gleichen Raum in Chelsea teilten oder die Besetzung wie im Southwark umgeben. Warum? Es gibt vielleicht drei Hauptgründe: der Stil der Schauspielerei; die Natur der Regie; und die Struktur des Drehbuchs.

Vieles der Schauspielerei bleibt sehr ähnlich zu dem, was es in den vorherigen Spielorten war. Es 'schießt nicht heraus' auf uns, im Gegensatz zur Darbietung der großen Musiknummern, die immer noch mit Garlands Markenzeichen Energie und Lebendigkeit, ihrem angeborenen Sinn für Show und ihrem dringenden Bedürfnis, ihr Publikum zu erfreuen, dargeboten werden. Stattdessen scheinen wir Gespräche mitzuhören, anstatt in sie hineingezogen zu werden. Manche könnten argumentieren, das solle keine Rolle spielen - es sollte möglich sein, eine Produktion zu haben, bei der das Drehbuch das eine tut und die Musiknummern ein anderes: Nun, der Beweis liegt im Pudding, und im Moment sind die Dialogpassagen sehr viel zurückhaltender in ihrer Wirkung als zuvor. Das ist eine Tatsache. Witze kommen nicht so gut an wie früher, weil sie scheinbar mit den Schauspielern auf der Bühne geteilt werden und nicht mit dem Publikum, und wir finden uns nicht in der Lage, uns so direkt emotional um die Charaktere zu kümmern, wie es die Musiknummern immer noch verkünden. Mit anderen Worten, wir verlieren den Kontakt zum Kerngrund, warum wir heute immer noch das Gefühl haben, dass Judy Garland von Bedeutung ist. Der direkte emotionale Appell war ihr Daseinszweck. Es ist der Grund, warum das Spiel geschrieben und produziert wird, und es ist der Grund, warum wir ins Theater gekommen sind.

Dann gibt es die Art der Regie. Hier, wie zuvor, von Rackham selbst, ist die Regie ein weiterer Faktor, der die 'Reichweite' der Produktion möglicherweise einschränkt. Um über die Barriere eines Guckkastens hinauszukommen, muss man den Schauspielern viel helfen, indem man das Blocking, Bewegungen, Lichter und alle anderen Requisiten der Produktion mit erstaunlich sorgfältiger Auswahl und Präzision der Ausführung arrangiert. Wenn der Blick des Publikums so auf einen Perspektive fokussiert ist, das ganze 'Schluss auf', wird jeder einzelne Teil der Aufführung in einer völlig anderen Weise verstanden und wahrgenommen, als man ihn 'in der Runde' sieht. Rackham, davon bin ich sicher, fühlt, dass er alles Mögliche getan hat, um diese Anpassung vorzunehmen, aber, bei dieser Gelegenheit, muss ich gestehen, dass ich vielleicht glaube, dass die Dinge anders gewesen wären, hätte man eine vollständig frischen Blick, einer mehr erfahrenen in der Präsentation von Musicalstücken im West End engagiert, um die vollständige Neuinterpretation der Show für diese völlig anderen Umstände zu bewirken.

Schließlich, das Drehbuch. Der ganze Sinn des Buches dieser Show ist, dass es nicht linear ist. Das ist faszinierend, wenn das Publikum im gleichen Raum ist, in dem es passiert oder es umgibt. Hier, jedoch, wenn wir seine Entwicklung aus der Ferne beobachten, können wir nicht umhin, die enorme stilistische Kluft zu bemerken, die zwischen dem Drehbuch und den Musiknummern liegt, die sein Herz bilden. Diese Lieder, die berühmten Hits, die die Legende des Titels geschaffen haben, sind fast ausnahmslos hochgradig lineare Mini-Erzählungen des 'goldenen Zeitalters' der amerikanischen Musicalkomödie. In der zerschnittenen, Sammelalbum-Welt des Drehbuchs sitzen sie etwas seltsam und ziehen das Publikum eher in eine völlig entgegengesetzte Richtung, als es das Drehbuch selbst tut. Wir bekommen gelegentlich Mash-Up oder Montage-Momente, aber im Großen und Ganzen arbeiten das Drehbuch und die Partitur ästhetisch gegensätzlich zueinander, und dies wird durch den unerbittlichen Blickwinkel, den die Zuschauer einnehmen müssen, in scharfem Kontrast hervorgehoben.

Also, durch eine Kombination von Spielstil, Regie und Drehbuch ist das Publikum widerstrebend gezwungen, über dieses Stück 'zu richten', selbst wenn all seine Instinkte ihm sagen, sich emotional mit der Liebe und Menschlichkeit der zentralen Figur zu verbinden. Man kann - intellektuell - die Geschichte schätzen, die einem erzählt wird, aber es ist schwierig, sein Herz dafür zu öffnen. Leute, die zum ersten Mal in das Stück kommen, berichten von ähnlichen Reaktionen; unser Kopf wird hier angesprochen, nicht so sehr unsere Gefühle. Es stimmt, einige Menschen sind noch zu Tränen gerührt - durch die Lieder - aber ich habe nicht gehört, dass Menschen ähnliche Aussagen über den 'Charakter' oder was mit ihr passiert, machen, noch weniger über das, was sie tatsächlich für sich selbst tut. Wenn das die bewusste Absicht der Macher dieser Show ist, dann kann ich nur sagen, dass es überraschend scheint, angesichts des extrem emotionalen Gesangsstils, für den Judy Garland berühmt ist und der hier so lebendig inszeniert wird.

Der Guckkasten erinnert uns daran, dass dies mehr als alles andere ein Theaterstück ist. Es gibt einige lange Szenen ohne Musik, und wenn sie dann kommt, wird der gesamte gesangliche Anteil ausschließlich von den drei Hauptrollen dargeboten. Nun, das ist nicht ganz wahr: Von Zeit zu Zeit wird der Rest der Besetzung aufgefordert, Harmonien zu liefern. Die Besetzung sorgt auch für Musik, aus einer Vielzahl von Instrumenten, die ständig sichtbar auf der Bühne gehalten werden; das schien bei früheren Aufführungen der Show keine Rolle zu spielen, aber hier kann es etwas seltsam aussehen, besonders zu den Zeiten, wenn sie nicht dafür benötigt werden und sie bei ihren Instrumenten sitzen oder stehen müssen, manchmal für sehr lange Zeiträume. Es ist nicht sehr klar, warum sie das tun. Die Arrangements von Simon Holt klingen immer noch wunderbar, also sollten wir dies nicht als beunruhigend empfinden.

Doch die 'Sprache' der Produktion bleibt ziemlich mysteriös, fast hermetisch: Zum Beispiel, warum gibt es drei verschiedene Judys und warum bewohnen sie manchmal den gleichen Raum und - gelegentlich - singen sogar zusammen? Vorher schien dies keine Erklärung zu erfordern, aber jetzt brauchen wir irgendwie eine Erklärung. Und dann, warum ist es so, dass ein Schauspieler - Harry Anton - sowohl den jüngeren als auch den älteren Sid Luft spielt, fast als zwei völlig verschiedene Personen, während Amanda Bailey und Joe Shefer, die Garlands Eltern Ethel und Frank Gumm spielen, in einer einzigen Zeitzone gefangen sind? Diese zeitlichen Inkonsistenzen, die zuvor so charmant wirkten, neigen jetzt dazu, zu verwirren. Warum? Die Choreographie von Chris Whittaker gibt eine sehr willkommene 'Aufwertung' zu einer Handvoll der Musiknummern, aber die überwiegende Mehrheit der Anwesenden auf der Bühne bleibt davon unberührt, steht regungslos, oder geht, während ein, zwei oder drei Schauspielerinnen den Tanz übernehmen, was für eine West End Show, die auf dem Namen eines der größten Song-and-Dance-Acts des letzten Jahrhunderts aufbaut, als leicht exzentrisch erscheinen mag. Es gibt eine große Besetzung, darunter auch Tom Elliot Reade als Roger Edens, Don Cotter als L. B. Mayer, Perry Meadowcroft als George Schlatter und Chris McGuigan als Norman Jewison sowie eine vierköpfige zusätzliche Band, die hauptsächlich in den Flügeln bleibt. Aber all diese Ressourcen scheinen untergenutzt. Wieder einmal fragen wir uns warum? Der prüfende Blick des Guckkastens zwingt fast diese Fragen, auf die die Produktion keine leicht verfügbaren Antworten bietet. Mit einem Mysterium konfrontiert, beginnt das Publikum, gefährlicher Weise, es selbst zu lösen.

So, wenn Christopher Dickens' Hunt Stromberg Jnr so dringend versucht, Judy dazu zu bringen, den Anforderungen des CBS-Netzwerks für ihre TV-Show nachzukommen, beginnt das Publikum, im Kopf eine Richtung für die Show zu spinnen: Ist dies das 'Ziel', das die Protagonistin erreichen muss? Oder, wenn Carmella Browns Judith Kramer erklärt, ein gelber Ziegelsteinweg sei außerhalb von Judys Trailer im Studio gemalt worden, erwarten wir halb, dass die Show uns entlang dieses Weges nimmt, damit wir zurück nach Oz gelangen? In gewisser Weise tut dies das Drehbuch - indem es uns schließlich in einer vollwertigen Darbietung von 'Over the Rainbow' deponiert, mit den berühmten wolkigen Wolken und dem offenen Himmel der Eröffnungssequenz von 'Der Zauberer von Oz' (die einzige 'echte' Aufnahme im ganzen Film, der ansonsten - wie dieses Stück - eine vollständig in einem Studio erstellte Konstruktion ist). Aber auf diesem Weg sind viele andere Dinge, die in der Show passieren, sehr schwer zu rationalisieren. Und es gibt so viel naturalistischen Druck in der Show (TV-Bewertungen, Meinungsumfragen, Fokusgruppenberichte, wissenschaftliche Analyse und so weiter), dass wir uns zwangsläufig gezwungen fühlen, rational zu sein.

Nun, es bleibt abzuwarten, was das für das Publikum im Arts tun oder nicht tun wird. Ich denke, es ist einen Blick wert, aber es hat aufgehört, den Zauber auszustrahlen, den es einmal hatte.

BUCHEN SIE TICKETS FÜR JUDY! IM ARTS THEATRE