KRITIK: Joking Apart, Theatre Royal Windsor ✭✭✭✭

Joking Apart- Theatre Royal Windsor. Foto: John Walmsley Joking Apart

Theatre Royal, Windsor

23 Juni 2015

4 Sterne

‘Die Tragödie eines Mannes ist oft nicht, dass er scheitert, sondern dass er fast gewinnt.’

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Direkt unter der Vorhangfassade von Windsor Castle befindet sich das wunderschöne edwardianische Theatre Royal, dessen elegante Creme-, Gold- und Plüschdekoration derzeit eine kurze Sequenz hochwertiger Stücke beherbergt, die für kurze Zeit den Geist des kollaborativen Repertoiretheaters wiederbeleben. Ein Element dieser kurzen Saison ist eine sehr willkommene Wiederaufnahme von Alan Ayckbourns Joking Apart, einem Stück, das seit einer erfolglosen Londoner Premiere in den späten 70er Jahren relativ selten inszeniert wurde.

Dies ist eine von Ayckbourns dunkleren Komödien, die sich auf die destruktive, korrosive Wirkung von Eifersucht und Neid konzentrieren. Im Mittelpunkt steht ein Paar, Richard (Chris Casey) und Anthea (Stephanie Willson), das die Verkörperung von Güte, Talent, gutem Aussehen, beruflichem Erfolg, Geselligkeit und Gemeinschaftsgeist darstellt. Um sie herum gravitiert ihre Freunde, die alle zunehmend unglücklich sind und deren Beziehungen zunehmend dysfunktional werden, während Richard und Anthea strahlend unverändert bleiben. Es gibt zwei Akte und vier Szenen, die in insgesamt zwölf Jahren im Garten hinter dem Haus von Richard und Anthea spielen und zwischen Winter- und Sommerzeiten wechseln.

Wie Ayckbourn selbst im Programm bemerkt, gibt es immer ein Problem, wie man undifferenzierte Güte dramatisch interessant machen kann. Genau wie Miltons Gott im Vergleich zu der gequälten, vielschichtigen Charakterisierung von Satan langweilig ist, ist es schwer, ein packendes Stück aus den glücklichen Ehen schöner und erfolgreicher Menschen zu machen. Seine Art, dieses Problem anzugehen, besteht darin, sich nicht auf Richard und Anthea selbst zu konzentrieren, sondern auf die Handlungen und Reaktionen und angesammelten Ressentiments ihrer Freunde. So wird der emotionale Fokus des Stückes auf faszinierende Weise zur Seite gezogen, zu den Nachbarn, dem örtlichen Pfarrer und seiner Frau, Hugh (Anton Tweedale) und Louise (Natalie Douglas), einem Geschäftspartner, Sven (Alec Fellows-Bennett) und seiner Frau Olive (Lou Lou Mason), und einem alten Freund von Anthea, Brian (Gary Roe), der mit einer Reihe von identikit-Freundinnen erscheint, die alle von Grace K. Miller gespielt werden. Wir durchlaufen die vertraute Abfolge von gesellschaftlichen Ritualen der Mittelschicht, sammeln Informationen über die vergangene Leben und gegenwärtige Anliegen der Charaktere, während die emotionalen Unterströme stärker werden und die Spannungen zwischen den Figuren zunehmend verzweifelt werden, bevor sie sich in Konfrontationen entladen, die gleichzeitig intensiv komisch und stimmungsvoll gestaltet sind.

Timing und Tempo sind entscheidend in Ayckbourns Stücken. Wenn sie richtig sind, funktioniert das Stück wie ein exquisites Uhrwerksmechanismus, aber wenn nicht, besteht die Gefahr, dass es unbedeutend und sinnlos erscheint. Die Grenze zwischen berauschendem Erfolg in diesem Repertoire und plumpem Scheitern ist gefährlich schmal. In der ersten Hälfte des Abends war ich manchmal besorgt, dass wir auf die falsche Seite der Grenze fallen würden, und begann zu denken, wie ich es oft tue, dass Presseabende besser zu einem späteren Zeitpunkt in der Aufführung stattfinden sollten, wenn sich die Dinge eingespielt haben. Am Anfang ging alles zu langsam und die Schauspieler waren nur minimal selbstzufrieden mit ihren Einsätzen und ihrem Spiel außerhalb der Rede. Offensichtlich war ich nicht allein mit diesem Gedanken, wie ich aus diesem Gespräch zwischen zwei Zuschauern während der Pause entnehmen konnte, die Ayckbourn-Charaktere hätten sein können:

Mann: ‚Wir sind seit einer Stunde hier, Liebes, und es ist nichts passiert!‘

Frau: ‚Nichts passiert jemals in seinen Stücken, bis jemand betrunken wird!‘

Dies stellte sich als wahr heraus - wie so oft bei Ayckbourn ist es tatsächlich Alkohol, der in der zweiten Hälfte destruktiv die Zungen löst und die angesammelten Ressentiments der Jahre auf verheerende Weise überlaufen lässt. Doch jetzt war das Tempo perfekt und das Stück bewegte sich mit Kraft und Intensität zu seiner klaren Darstellung der Wahrheit der Zeile, die ich am Anfang dieser Rezension zitiert habe. Unter der Oberfläche des einfachen Übergangs von Jugend zu mittlerem Alter liegt viele düstere Akzeptanz von Kompromissen und Misserfolgen, die umso dunkler sind, weil die beruflichen und persönlichen Misserfolge tatsächlich sehr knappe Niederlagen waren.

Wenn man den Text auf der Seite sieht, erscheint er flach und dünn - genau wie bei Coward. Es gibt wenig oberflächlichen Witz oder Wortspiel. Aber der Text ist nur der Ausgangspunkt - ein Umriss, der von den Schauspielern vervollständigt und zum Leben erweckt werden muss. Das muss einer der Gründe sein, warum Schauspieler diese Rollen so gerne spielen - weil es so viel Raum für kreative Erfindung und Interpretation gibt. Man kann sofort sehen, dass Ayckbourn selbst als Schauspieler angefangen hat. Er gibt dem Schauspieler einen Rahmen eines Stereotyps und damit die Chance, einen einzigartigen, nuancierten individuellen Charakter zu schaffen. Das Schreiben hat das Zusammenspiel der Charaktere mit großer Präzision in Gang gesetzt und muss mit Sorgfalt und Respekt, Vertrauen und Genauigkeit behandelt werden; aber innerhalb dieser Struktur gibt es auch echte Freiheit. Die Besetzung ist zu beglückwünschen, dass sie diese Möglichkeiten voll ausnutzt.

Als Richard und Anthea haben Casey und Willson in gewisser Weise die schwierigste Aufgabe. Sie sind charmant, gut aussehend, irritierend erfolgreich in allem, was sie anpacken, die großzügigen Gastgeber aller Partys, die die Handlung rahmen. Aber sie müssen auch das ruhige Zentrum sein, um das herum die Handlung passiert. Sie vermitteln erfolgreich einen Sinn für unbeschwerte Unkenntnis der Probleme, Reaktionen und Sensibilitäten anderer, die als eine der Folgen von ununterbrochenen Siegen von einem frühen Alter an und der Fähigkeit, zu bekommen, was man will, ohne sich besonders anstrengen zu müssen, allzu erkennbar ist. In diesem Sinne sind sie nicht ganz so perfekt, wie Ayckbourn es vermutet, aber sie sind völlig glaubwürdig.

Als der tollpatschige, unbeholfene Gemeindepfarrer ist Tweedale sehr effektiv. Er nutzt das emotional gehemmte, klischeebeladene anglikanische Reden in seiner Rolle und wird sehr berührend, wenn er rohe Emotionen dadurch kanalisiert. Douglas zeigt das geistige Auseinanderfallen seiner Frau, Louise, mit einer feinen Darstellung körperlicher Unbeholfenheit, die treffend ihre zunehmende soziale Hilflosigkeit gegenüber der unaufhaltsamen effizienten Güte ihrer Nachbarn verkörpert. Fellows-Bennett entwickelt eine feine Charakterstudie in zurückgehaltener alpha-männlicher Eifersucht und führt seinen Charakter von einer standardmäßigen skandinavischen komischen Figur zu einer detaillierten Darstellung der ersten Abneigung gegen einen Rivalen, und dann zu einem heftigen Wutausbruch gegen die Niederlage, die Mark Antony würdig ist. Mason hat etwas weniger zu tun als seine Frau, vermittelt jedoch gut ihre eigene panische Eifersucht auf Anthea und ihre kläglichen Versuche, ihren Mann zu unterstützen, indem sie seine Kritik an Richard bekräftigt. Roes Rolle ist weniger gut entwickelt als die anderen, aber er macht das Beste aus einer bestimmten Rede, die berührend seine lebenslange Liebe zu Anthea offenbart: wie so oft bei Ayckbourn wurde der auf der Bühne gezeigte Schaden tatsächlich lange zuvor angerichtet, und wir sehen die verzögerten Reaktionen. Miller hat die knifflige Aufgabe, die ganze Zeit ähnliche junge naive Blondinen zu spielen; aber sie unterscheidet sie geschickt voneinander und bietet am Ende auch die Stimme einer jüngeren Generation, wo sie als die Tochter des Hauses symbolisch ablehnt, sich auf die Kämpfe und Bündnisse einzulassen, die ihre Eltern in den letzten zwölf Jahren umgeben haben.

Wie bei so vielen Theatern eines gewissen Alters ist die Bar im Theatre Royal stolz mit Fotos vergangener Produktionen aus der goldenen Ära des Repertoiretheaters geschmückt; und dort waren tatsächlich die Produktionsfotos einer Aufführung dieses Stücks im Jahr 1986, Joking Apart – alle mit Düffelmantel, Krawatten und Tweedjacken, Blumenkleidern und großen, krausen Frisuren, die Sie direkt in die 1970er Jahre zurück versetzen. Aber die Lektion dieser feinen Produktion ist, dass dies ein zeitloses Stück ist, das uns jetzt genauso einen wahren Spiegel unserer Schwächen hält wie früher. Für weitere Informationen zur Theatre Royal Rep Saison besuchen Sie deren Webseite.