REZENSION: Jane Eyre, National Theatre ✭✭✭✭

Jane Eyre

17/09/15

Lyttelton Theatre, National Theatre

4 Sterne

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Dieses Stück begann sein Leben als zwei vollständige Abende am Bristol Old Vic, welches das Werk erstmals 2014 aufführte. Jetzt kommt es in einer gekürzten Fassung an das National, die immer noch als ein langer Abend funktioniert – 3 Stunden und 30 Minuten einschließlich Pause. Das Stück wurde von der Company unter der Regie von Sally Cookson aus Charlotte Brontës berühmtem Roman von 1847 entwickelt: An manchen Stellen macht es interessante Abweichungen vom Original, ist jedoch textlich in vielerlei Hinsicht überraschend treu.

Was einem als erstes auffällt, wenn man seinen Platz im Lyttelton einnimmt, ist das Bühnenbild – die Arbeit von Michael Vale. Die Bühne ist offen und von weißen Vorhängen umrahmt, die bis zur vollen Höhe aufsteigen. Sie umgeben ein komplexes Set aus hölzernen Gehwegen, Rampen und Treppen, ungefähr in U-Form, die alle über verschiedene Leitern zugänglich sind. Gelegentlich werden historische Requisiten und Möbel eingeführt, aber nur flüchtig. Insgesamt ist dies ein abstraktes Bühnenbild, das darauf ausgelegt ist, einen beeindruckenden Sinn für Dynamik zu erzeugen und eine Vielzahl von Schauplätzen heraufzubeschwören.

Von Anfang an, als die erwachsene Jane (Madeleine Worrall) weint und klagt, um ihre Geburt zu simulieren, huschen und verstreuen sich die Charaktere, rennen, klettern, klammern sich fest und erklimmen diese Strukturen. Jeder Schauspieler – es gibt sieben sowie Musiker – muss im Laufe eines Abends buchstäblich Meilen zurücklegen, in dem wir die große emotionale Reise, die Jane zurücklegt, fühlen sollen – von dem Elend und der Vernachlässigung ihrer Kindheit bei ihren grausamen Verwandten über die verschiedenen Unterdrückungen und bestrafenden Disziplinen der Lowood School bis hin zu ihrer ereignisreichen und prägenden Zeit als Gouvernante in Thornfield Hall und ihrer Flucht zu St. John Rivers und seiner Schwester.

Was gibt uns die Inszenierung dann, das unsere Wahrnehmung eines vertrauten Romans im Kanon ändern könnte? Die offensichtlichste Antwort ist, dass es sich um eine stark feministische Version der Geschichte handelt, die sich genauso sehr, wenn nicht sogar mehr, auf die Kämpfe von Janes Erziehung konzentriert wie auf das Melodrama von Thornfield. Wir sehen, wie Jane ihrer abscheulichen Familie die Stirn bietet, sich gegen das Mobbing und die Gemeinheit des Wohltätigkeitsschulsystems behauptet und sich für die Rechte der Benachteiligten einsetzt. Diese Aspekte waren immer in der Geschichte vorhanden, aber der Dramaturg Mike Akers hat dem Buch hier einen Dienst erwiesen, indem er die viktorianische Zurückhaltung und die Angst vor weiblicher Selbstbehauptung abstreifte.

Wir haben die Geschichte frei von Lack und Patina und es ist insgesamt eine Verbesserung. Wir bekommen auch eine breitere und reichere Palette von Nebenfiguren – den scheinheiligen und grausamen Mr. Brocklehurst, die kränkliche und heilige Helen Burns und die Furie, Tante Mrs. Reed. Dies ist ein erfrischendes, zeitgemäßes und gut durchdachtes Konzept, das der Geschichte eine Härte verleiht und den Charakteren voll zur Blüte verhilft, was unsere Erinnerungen an die vielen sentimentalen Versionen, die bisher Bühne und Bildschirm beherrschten, verblassen lassen sollte.

Es ist wirklich hilfreich zu verstehen, dass Jane, wenn sie als Gouvernante von Mr. Rochesters Mündel in Thornfield Hall ankommt, eine erfahrene Lehrerin und eine voll entwickelte Person ist, keine schüchterne und eindrucksvolle Debütantin. Infolgedessen ist die Beziehung zu Rochester von Anfang an gleichberechtigt und spritzig, was ihre Interaktion insgesamt viel lebendiger und interessanter macht.

Abgesehen von Jane und Rochester übernimmt die Besetzung mehrere Rollen und bewährt sich hervorragend darin, diese zu unterscheiden. Craig Edwards stiehlt fast die Show als Rochesters Hund, Pilot, so unheimlich und überzeugend wie ein Stück Hundnachahmung, das ich je im Theater gesehen habe – alles basierend auf der klugen Intuition, dass ein Hund die Emotionen ausdrücken kann, die Rochester zu verschlossen mit Angst und Schuld ist, um sie zu artikulieren. Laura Elphinstone bringt eine blasse Stoik zu Helen Burns, eine kontrastierende Lebhaftigkeit und energetischen Charme zu Adele und eine selbstgefällige Strenge zu St. John Rivers – man würde wirklich nicht denken, dass dieselbe Person eine dieser Rollen bewohnt. Simone Saunders nutzt die Möglichkeiten, die in den begrenzteren Rollen von Bessie, Blanche Ingram und Diana Rivers verfügbar sind, und Maggie Tagney kontrastiert schön die häusliche Haushälterin Mrs. Fairfax mit der eifersüchtigen Tante, Mrs. Reed.

Und was ist mit Jane und Mr. Rochester? Worrall liefert eine Vorstellung von großer Vitalität, Härte und Vielfalt, ohne viel von einer verletzlicheren Seite preiszugeben. Sie glänzt mehr als energische Problemlöserin denn als Enthüllerin ihrer eigenen Emotionen. Felix Hayes ist überraschend humorvoll als Rochester... ironisch bewusst seiner eigenen Widersprüche und ungleichen Lage, während er sie gleichzeitig bewohnt. Und er hat sicherlich das richtige freche, bärige Gehaben, um die physischen Erwartungen der Rolle zu erfüllen.

So beeindruckend das Schauspiel meist ist, gebührt ebenso viel Anerkennung dem großen Kreativteam, dessen Namen im Programm mehr Platz einnehmen als das Bühnenteam. Cookson verdient großes Lob für das Entwickeln eines feinen Konzepts und dessen Anwendung mit rigoroser Detailgenauigkeit während des gesamten Abends. Immer wieder verwandelt Aideen Malones Beleuchtungsmappe einen banalen Moment in etwas Besonderes, und Katie Sykes' Kostüme machen die Epoche deutlich, während sie Flexibilität für schnelle Wechsel und Anpassungen lässt.

Ich habe bisher nichts über die Musik in dieser Produktion gesagt, welche in mancher Hinsicht der bemerkenswerteste Aspekt des Werkes ist. In der Mitte des Sets steht ein Klavier, ein Schlagzeug und Platz für eine Violinistin und Akkordeonspielerin. Benji Bower und ein paar andere Musiker bieten eine subtile Mischung aus Jazz, Folk und süßem minimalistischen Untermalung, die gekonnt zur Atmosphäre und dem Tempo des Ganzen beiträgt. Genauer gesagt begleiten sie Melanie Marshall, die in einem auffälligen scharlachroten Kleid gekleidet ist und sich durch die Handlung bewegt. Ihre üppige Stimme führt uns durch mehrere Lieder, bekannte und unbekannte, bis sie sich allmählich als Bertha Mason selbst offenbart.

Es ist ein echter Coup, Bertha eine eigene Stimme zu geben, wo sie oft einfach als die unartikulierte verrückte Frau auf dem Dachboden dargestellt wird. Während dies nicht der Charakter ist, wie er in Jean Rhys' berühmtem Prequel „Wide Sargasso Sea“ envisagiert ist, ist es trotzdem eine sehr überzeugende Interpolation im Drama, und ihr Vortrag von „Mad about the Boy“ erwies sich als ein echter Showstopper.

Was beraubt dieser feinen Produktion dann des Lobes eines letzten Sterns? Die Antwort ist einfach, dass die technische Brillanz manchmal den vollständigen imaginativen Besitz des Charakters behindert. Die Schauspieler sind so darauf fokussiert, eine Tour de Force zu bieten, dass einige der Momente der Ruhe, besonders für die Schaffung der romantischen Chemie zwischen Jane und Rochester, zu schnell übergangen werden. Wir spüren die Animation und Feurigkeit der Verbindung zwischen den beiden, und auch die sexuelle Anziehungskraft; aber selbst am Ende vermisste ich die vollblütige Romantik und Zärtlichkeit, die dieser Roman wirklich verlangt.

Es scheint heutzutage im National recht häufig vorzukommen, dass, wenn die Company so darauf fokussiert ist, die volle Bandbreite technischer Fähigkeiten zu demonstrieren, sie in jenen traditionelleren Aspekten der Charakterisierung, die nicht als gegeben hingenommen werden sollten, zu kurz kommen können. Wir müssen nicht nur Janes volles Ausmaß an unabhängigem Charakter und Rochesters mürrische Launenhaftigkeit sehen, sondern auch zwei Charaktere, die trotz ihrer besten Bemühungen unvermeidlich voneinander angezogen werden. Manchmal denken Schauspieler, es sei einfach zu offensichtlich, romantische Szenen in einer vollherzigen und offenen Art auszuspielen. Es reicht nicht, es nur anzudeuten oder Ironie hinzu zu fügen oder es als gegeben zu betrachten – Sentiment muss manchmal noch in der großen Art und Weise bei den klimatischen Momenten ausgespielt werden. Wenn der originale Text im Detail verwendet wurde, wurden die Bremsen natürlich angelegt und der Rhythmus des Autors wiederhergestellt – das musste öfter passieren.

Dies ist eine vollends fesselnde Nacht im Theater. Man hat nicht das Gefühl, dass die Zeit schleppend verläuft und kann nur beeindruckt sein, wie die Besetzung neue Bedeutungen in Material findet, das wir alle rückwärts und vorwärts zu kennen glauben. Dies ist eine wahre Ensemble-Produktion mit Raum für Einzelpersonen zu glänzen und dem gesamten Ensemble, mit etwas Größerem als den individuellen Beiträgen widerzuhallen. Es hat mich stark beeindruckt, mich oft zum Lachen gebracht, aber in der zweiten Hälfte selten so berührt, wie es sollte.

Jane Eyre läuft bis zum 10. Januar 2016 im National Theatre.