KRITIK: Ich werde so sehr für dich beten, Atlantic Theatre Company ✭✭✭✭

Foto: Ahron R Foster Ich werde so hart für dich beten

Atlantic Theatre Company

11. Januar 2015

4 Sterne

Sie sind, gelinde gesagt, ein ungewöhnliches Vater-Tochter-Paar. Er ist ein Tony-Award-Gewinner und für den Academy Award nominierter Schriftsteller, der auf so ziemlich alles in seinem Leben wütend ist. Sie ist seine Tochter, eine Schauspielerin, die derzeit am Broadway in einer Wiederaufnahme von Die Möwe mitspielt und auf die Premierenkritiken wartet. Er ist giftig, sarkastisch und schrecklich gegenüber allem, was mit dem Theater zu tun hat - die Regisseure, die Kritiker, andere Schauspieler. Er spuckt giftige und vulgäre Schimpfwörter aus, die das Werk des Nachwuchses von Oscar Wilde und der besessenen Linda Blair aus Der Exorzist sein könnten.

Dass der Vater zu ernsthafter Gewalt fähig ist, steht außer Frage. Er lässt seine Wut auf verschiedene Weise aus - lange, trübsinnige Blicke, die Medusa locker Konkurrenz machen könnten, das hämmernde Geräusch des Aschenbechers gegen die Innenseite des Mülleimers, um Spannung abzubauen, und große Schlucke Weißwein aus Gläsern, in die Eiswürfel wie Atombomben fallen, tiefe Züge von Gras oder ungestümes Schnupfen von Kokain. Er übertrifft sich im Exzess, in Sprache, Tat und manipulativem Kalkül.

Die Tochter ist ein zerbrochenes Wrack; ein verworrenes Netz aus Hoffnung, Verzweiflung und Möglichkeiten, das unvermeidliche Ergebnis jahrzehntelangen Verhaltens wie eine Prinzessin, die erfolgreich sein muss und ein zerdrücktes Kohlblatt - die bedrückte, gefangene Eliza für den bösartigen und gestörten Higgins ihres Vaters. Das endgültige Ergebnis der entschlossenen Besessenheit eines eitlen, mächtigen Mr. Worthington.

Wenn die Kritiken für ihre Vorstellung in Die Möwe eintreffen, werden sowohl der Vater als auch die Tochter für immer verändert. Wie sich dies abspielt, ist das Rückgrat von Halley Feiffers neuem Stück, Ich werde so hart für dich beten, das nun in Vorschauen vor seiner Weltpremiere am Off-Broadway, im Atlantic Theatre Company unter der Regie von Trip Cullman gezeigt wird.

Obwohl es viele echte Lacher gibt, oft auf Kosten der Theaterkritiker (ein Thema, das immer wieder Erträge bringt), ist dies keine Komödie. Es ist tintenschwarz dunkel, intensiv, unangenehmes Theater. Auf oberflächlicher Ebene scheint es um Theater zu gehen, um das Schreiben für Theater, um die Schauspielerei und den Schmerz und die Freude, die damit verbunden sind. Es ist dann leicht zu denken, dass Feiffer eine Art theatralischer Verwandter von Harvey Fierstein oder Terrence McNally ist - aber das ist sie nicht.

Nein. Feiffer ist eine neue Stimme, die gerne an den Rändern von Form und Konvention spielt. Die erste Szene wirkt noch konventionell genug: das Innere eines Hauses, ein Küchenbereich mit Essplatz, alles realistisch dargestellt, komplett mit Tapeten und gerahmten Plakaten der vergangenen Triumphe des Vaters. Mark Wendlands Bühnenbild ist ziemlich perfekt und weckt ein Gefühl von Arthur Miller und Edward Albee.

Die zweite Szene ist jedoch etwas sehr anderes. Ein realer Raum, ein Blackbox-Theater, und vielleicht das innere Fragmentieren des Geistes der Tochter. Die Zweideutigkeit dessen, was man beobachtet, steht im Gegensatz zum viszeralen Zerfall des Geistes der Schauspielerin/Autorin. Oder sehen wir, wie ihr Stück aufgeführt wird? Oder sehen wir das Nachspiel der triumphalen Premiere ihres Stückes? Letztlich, und recht merkwürdig, spielt das keine Rolle. Feiffers Schreiben in dieser Szene ist bemerkenswert - konfrontierend und erschütternd.

Mehr als alles andere ist Ich werde so hart für dich beten der ultimative theatralische Beweis für Sondheims Weisheit im Into The Woods-Hit, Children Will Listen. And learn.

Der Vater lernt aus der Ablehnung durch seinen ausländischen Vater und die Ermutigung seines adoptierten Theatermentors. Seine brutale Kindheit verlässt ihn nie, beeinflusst sein preisgekröntes Schreiben und die Art und Weise, wie er versucht, seine Tochter zu kontrollieren.

Ihrerseits kennt die Tochter die gesamte Geschichte des Vaters (sie wurde ein Leben lang belehrt) und ist verzweifelt darauf bedacht, ihm zu gefallen, ihm etwas Familiäres zu geben, auf das er stolz sein kann. Aber in ihrem verzweifelten - und letztlich vergeblichen - Versuch, ihren Elternteil zu erfreuen, zu beschwichtigen und zu beruhigen, setzt sie ihre eigene Selbstzerstörung in Gang. Es ist verheerend zu beobachten.

In der ersten Szene ist Betty Gilpin als Tochter Ella wenig beeindruckend. Es gibt eine hysterische Unglaubwürdigkeit in ihrer Darbietung, die enttäuschend ist - und unerklärlich, da ihre Arbeit in der zweiten Szene intensiv fokussiert und gleichermaßen aufregend und beängstigend ist. Es gibt gute Gründe für ihre Arbeit in der zweiten Szene - das Rampenlicht wechselt fest vom Vater zu ihr, und Gilpin nutzt jede Chance, die sich bietet.

Aber die erste Szene verlangt ebenso viel Geschick, besonders wenn es eine glaubwürdige Durchgängigkeit für den Charakter geben soll. Gilpins Darstellung beinhaltet zu viele Tränen und Schluchzen - der stählerne Charakter in der zweiten Szene muss in der ersten Szene genauer erkennbar sein, sonst verliert das Stück an Kraft. Es ist schwer zu glauben, dass ein Opfer häuslicher Gewalt wie das, das Gilpin in der ersten Szene erschafft, so viel erdulden würde wie Gilpins Ella oder, wenn sie es täte, dass sie den mutigen Schritt tun würde, den Gilpins Ella schließlich unternimmt.

Die erste Szene bietet der Schauspielerin die Chance, die Grundlagen für das zu wählen, was in der zweiten Szene kommt. Im Moment sind diese Entscheidungen nicht die weisesten und Gilpin hat nicht das Mitgefühl des Publikums, wenn die erste Szene endet. Trotzdem ist Gilpin in der zweiten Szene absolut sensationell und zeigt eine Sicherheit und Klarheit des Fokus, die ihre Ella wie Champagner mit Zyankali schimmern lässt.

Aber das Stück gehört zu Reed Birney, der als Ellas schrecklicher, bösartiger Vater David großartig ist. Es ist eine riesige Rolle, ebenso groß wie jede der großen Vaterfiguren in Williams, O'Neill oder Albee. Birney nutzt jeden Moment, den Feiffers Skript bietet, und mit Geistesgegenwart und Energie wringen aus jeder Phrase bitteren Zorn und glühende Wut. Er präsentiert ein detailliertes Porträt häuslicher Gewalt, die nicht durch körperliche Schläge oder blaue Flecken zum Ausdruck kommt.

Er spuckt und knurrt seine Tochter an, erniedrigt sie und ermutigt sie abwechselnd. Er lacht mit ihr und dann über sie, treibt sie an den Rand des Nervenzusammenbruchs und gibt ihr dann eine Hand aus der Grube der Dunkelheit, die er geschaffen hat. Seine Augen sind ständig lebendig, forschend, rollend oder schmalen, wie es der Moment erfordert. Birney setzt auch seinen Körper bemerkenswert ein - und zeigt einen Mann, der über seine besten Jahre hinaus ist und im Selbstgenuss schwelgt.

Er ist ein Meister seiner Stimme. Er kann komische Zeilen mit großem Effekt loslassen und, auf einen Punkt gebracht, einen ruhigen Ton in einen tosenden Strom unforgiven Giftes verwandeln. Ohne Schwierigkeiten macht Birney das durchdringende Leid und Elend deutlich, welches ihn definiert hat und das Streben nach Erfolg, das ihn getragen hat, jedoch auch verbraucht hat.

Er vermittelt mühelos die komplette Fehlinformation von David. Er entlässt die Rolle seiner Tochter als Mascha in Die Möwe als nichts, und besteht darauf, dass sie die Ingenie, Nina, die "Star"-Rolle, hätte sein sollen. Mascha ist natürlich eine großartige Rolle im Tschechow-Stück, und viele großartige Schauspielerinnen haben sie gespielt. Und Mascha ist geliebt von der Person, die sie nicht liebt, und abgelehnt von der Person, die sie liebt: angesichts dessen, was in Feiffers Stück passiert, kein Zufall.

Aber während es so viel Bewundernswertes an dem schrecklichen Bull von einem Mann gibt, den Birney so klar in der ersten Szene erschafft, ist es sein Auftritt in der zweiten Szene, der seine Vielseitigkeit und sein Spektrum als Schauspieler demonstriert. 5 Jahre sind vergangen und diese Jahre waren nicht freundlich zu David. Birney ist in dieser letzten, zerbrechlichen Konfrontation mit seiner Tochter hervorragend.

Das Erstaunlichste jedoch ist, was Birney tut, als die erste Szene endet. Trotz der hervorragenden Darstellung eines monströsen, hasserfüllten und herzlosen Mannes, der jeden auf einen Laune oder einen vermeintlichen Riss hin verlassen kann, enthüllt Birney Davids rohes Zentrum in den letzten einsamen Augenblicken, und damit das verloren gegangene, einsame und nicht liebenswerte Wesen. Es hätte unmöglich sein sollen, nach all den Gräueltaten, die er Ella in der vorhergehenden Sequenz angetan hat, noch irgendwie Sympathie für David zu empfinden.

Und doch, auf wundersame Weise, lässt Birney das geschehen. Es ist eine so triumphale und berauschende Darbietung wie jede andere, die ich je auf einer Bühne irgendwo in der Welt gesehen habe.

Die Regie von Trip Cullman ist besonnen und klar. Die Intimität, die der kleine Raum im Black Box Theatre der Atlantic Theatre Company beiträgt, steigert das Gefühl des greifbaren Horrors, der das Publikum umhüllt, während sich die Geschichte entfaltet. Die körperliche Gewalt und Intimität ist sowohl beunruhigend als auch erschreckend, aber es ist ein Zeugnis von Cullmans guten Instinkten, dass die meisten Zuschauer erstaunt in entsetzten Stille versanken, anstatt über unrealistische Szenarien zu lachen.

Dies ist ein ausgezeichnetes neues Stück, das weltweit Erfolg haben sollte. Nicht viele Dramatiker haben sich mit dem Thema von Vater-Tochter-Beziehungen befasst, die korrosiv und wechselseitig abhängig sind. Feiffer hat etwas Neues, Herausforderndes und Lebendiges geschaffen - genau die Art von Stück, zu dem David Ella in Ich werde so hart für dich beten ermutigt zu schreiben.

Was den Titel betrifft... nun, das müssen Sie selbst sehen.

Ich werde so hart für dich beten spielt im Atlantic Theatre Company bis zum 15. Februar 2015.