REZENSION: Wenn/Dann, Richard Rodgers Theatre ✭✭✭✭

Idina Menzel und das Ensemble von If/Then. Foto: Joan Marcus

Richard Rodgers Theatre

18. April 2014

4 Sterne

Im Großen und Ganzen ist es für neue Musicals ausgesprochen schwer, sich durchzusetzen. Schauspielstücke bekommen sowohl vom Publikum als auch von der Kritik mehr Spielraum. Ein Stück kann von allem handeln und alles sein – doch Musicals müssen seltsamerweise bestimmten Zwecken dienen und sich an gewisse Regeln halten. Aus irgendeinem Grund hält sich zum Beispiel hartnäckig die Vorstellung, ein neues Musical müsse „mitsummbare“ Melodien haben, um erfolgreich zu sein.

Häufig entscheiden sich Produzentinnen und Produzenten dafür, Stoffe zu unterstützen, die auf anderen Medien basieren – also Filmen oder Büchern oder Kurzgeschichten oder Gedichten. Der Gedanke dahinter: Das Publikum kommt eher in ein neues Musical, wenn es um Geschichten oder Figuren geht, die man kennt und mag.

Völlig originelle Musicals – solche, deren Book komplett neu ist und eine neue Geschichte erzählt – sind selten. Aber sie können kommerziell wie künstlerisch erfolgreich sein. In den letzten Jahren ging der Tony Award für das beste Musical nur einmal an ein vollständig originäres Musical: 2011 an The Book of Mormon. Next to Normal erhielt zwar keinen Tony als bestes Musical, gewann dafür aber den Pulitzer-Preis.

Oft – wenn ein Werk komplett neu ist – sichern Produzentinnen und Produzenten sich ab, indem sie auf einem „Star“ bestehen. Manchmal auch auf mehr als einen. (Das gilt übrigens auch für neue Musicals nach anderen Vorlagen: Ein Blick auf Dirty Rotten Scoundrels im West End bestätigt diese These.) Das lässt einen immer fragen, ob diese Produzentinnen und Produzenten überhaupt Vertrauen in das Material haben. Gutes Material, gut besetzt und gut umgesetzt, setzt sich am Ende durch. Und manchmal macht gutes Material erst die Stars. Wicked zum Beispiel hat Idina Menzel zum Star gemacht.

Nun läuft am Richard Rodgers Theatre am Broadway das zweite komplett originäre Musical des Kreativteams, das für Next to Normal den Pulitzer gewann: das rätselhaft betitelte If/Then, mit La Menzel in der Hauptrolle.

Es gibt keinen Vorhang, daher betritt das Publikum den Saal mit Blick auf das stimmungsvoll ausgeleuchtete Bühnenbild von Mark Wonderland (Bühnenbild) und Kenneth Posner (Licht). Es gibt zwei Ebenen: oben üppig und grün, mit Feuertreppen als Spielflächen; darunter karg, aber mit einem Hauch von Extravaganz und Reichtum – es wirkt wie ein glamouröses Resort, komplett mit Liegestühlen und Sonnenschirmen. Also zwei Welten?

Das ist aufregend, fesselt, zieht den Blick an. Ein beeindruckender Auftakt. Die Stimmung ist nachdenklich und grün.

Dann geht das Saallicht aus, Dunkelheit senkt sich herab, und nach einem kurzen Moment steht La Menzel in einem einzigen Spot. Der Saal rastet ihretwegen aus. Sie wartet, bis der Tumult abebbt.

Dann beginnt es wirklich.

Und es ist ganz anders, als es das vorab aufgebaute Bild vermuten lässt.

Die Bühne bewegt sich, verwandelt sich. Da ist eine wunderbare Spiegelfläche, die mal Hintergrund, mal Decke wird und dabei Reflexionen dessen liefert, was auf der Bühne passiert. Das ist verführerisch und betörend; und auf sehr einfache Weise liefert Wonderlands Design den Schlüssel zum Verständnis des ganzen Stücks. Später wird daraus ein Sternenfeld – eine Vorstellung von den Möglichkeiten des Universums, die die tatsächliche Konstellation der Himmelskörper spiegelt. Von möglichen Wendungen im Leben.

Das ist eine Geschichte, die von Robert Frosts „The Road Not Taken“ inspiriert sein könnte. Es geht um Entscheidungen und Konsequenzen, Möglichkeiten und Reue – um das „was hätte sein können“ und das „so ist es nun“.

Und sie ruht fest auf drei Dingen: Liebe, Vertrauen und Freundschaft.

La Menzel spielt eine Frau, Elizabeth, die wir ganz zu Beginn kurz kennenlernen. Elizabeth ist in nachdenklicher Stimmung und fragt sich, was passiert wäre, hätte sie eine bestimmte Entscheidung nicht getroffen. Von da an werden die alternativen Entscheidungen durchgespielt. In einer Version entfacht Beth eine alte Romanze mit Lucas neu und flirtet mit ihrem neuen Chef Stephen. In der anderen folgt Liz – ermutigt von ihrer Freundin Kate – einer zufälligen Begegnung mit Josh im Central Park, lässt sich auf ihn ein; während Josh Lucas mit seinem Freund David bekannt macht, und auch die beiden beginnen eine Beziehung.

Im Verlauf des ersten Akts verflechten sich beide alternativen Realitäten, und ähnliche Situationen werden durchgespielt, während Liz und Beth den Konsequenzen ihrer Entscheidungen begegnen.

Das ist auf jede Weise berauschend. Eine lebendige, mitreißende Untersuchung von Möglichkeiten – durchzogen von Freude, Hoffnung und einem ungebremsten, offenen Herzen.

Am erstaunlichsten ist, dass Musik (Tom Kitt) und Liedtexte (Brian Yorkey) nahtlos Teil der Erzählung sind. Mehr noch als in Next to Normal erschafft hier die integrierte, vollständig verschmolzene Verbindung von Handlung und Partitur eine Schönheit, die durch den Zuschauerraum peitscht und Figuren wie Publikum umarmt. Jedes Lied vertieft das Verständnis von Situation, Figur und der Komplexität der Lage. Und weil es zwei Realitäten gibt, singen unterschiedliche Figuren dieselben Melodien mit unterschiedlichen Texten – mit jeweils anderer Wirkung.

Bis zum Ende des ersten Akts bezweifle ich, dass jemand im Publikum keine bevorzugte Realität hatte, keinen Ausgang, dem man die Daumen drückte.

Aber auf das, was im zweiten Akt passiert, kann einen eigentlich nichts vorbereiten. Es ist tragisch, erschütternd, überraschend – und dann wieder vollkommen normal; menschliche Reaktionen auf schwierige Situationen treten klar in den Vordergrund.

Und dann endet es, wie es begann: ein Kreis, der sich schließt. Und ganz am Schluss: eine völlig neue Möglichkeit. Makellos laufen die unterschiedlichen Welten zusammen, und die Aussicht auf neue Hoffnung wird ermutigt – ja, fast schon eingefordert.

Es kann gut sein, dass ich fast zwei Drittel des Abends geweint habe: weil es wahrhaftig, ehrlich und voller echter Zwickmühlen, echter Leidenschaften, echter Spannungen und schmerzlich echter Enttäuschungen und Prüfungen ist. Es ist verblüffend wahr.

So kommt es, dass If/Then das außergewöhnlichste Musical ist, das ich seit 1987 erlebt habe – als mir die Originalbesetzung aus Australien von Les Misérables in Sydney den Atem raubte.

If/Then verändert das Spiel komplett – makellos und schneidend in jeder Hinsicht, in jeder Melodie, in jedem Gedanken.

Carmel Dean leistet Außergewöhnliches, wenn es darum geht, die Musikerinnen und Musiker hier zu führen: Das Spiel ist lebendig und präzise, packend und bemerkenswert. Keine Note ist hier nicht perfekt getroffen, und insgesamt ist auch der Gesang großartig. Der musikalische Teil dieses Festmahls ist rundum zufriedenstellend.

Wenn es beim Ensemble einen Punkt gab, dann diesen: Manche Nummern waren zu geschäftig, das Ensemble „machte sein Ding“ ein bisschen zu eifrig. Am Ende geht es in der Show um die Entscheidungen der fünf Hauptrollen – und eigentlich um nichts anderes. Und doch schien das Ensemble im zweiten Akt die zentrale Geschichte mühelos und spürbar zu vertiefen. Ein sicheres Zeichen dafür, dass das Leben mehr ist als nur Momententscheidungen.

Es gibt hier einige wirklich leuchtende Leistungen.

Als Josh ist James Snyder schlicht außergewöhnlich. Er ist durch und durch männlich, ein überzeugender Soldat und Liebender/Vater, und er singt mit bemerkenswerter Leichtigkeit. Er hat eine echte, tragfähige Stimme, die den Anforderungen der Partitur treffsicher begegnet. Er singt und spielt mit großer Gewandtheit und voller Überzeugung. Ich bezweifle, dass jemand im Publikum seiner Darstellung des „perfekten“ Mannes nicht restlos erlegen ist.

In der Rolle der lesbischen besten Freundin Kate ist La Chanze schlicht grandios. Sie singt mit einer Virtuosität, die ihresgleichen sucht: Sie kann glühende Spitzentöne herausfeuern und zugleich – mit voller Kraft – durch das gesamte Spektrum gehen, vom sanften Ton bis zum wilden, vulkanischen Belt. Das ist eine fantastische, mitreißende Leistung.

Als Anne, Kates Partnerin und später Ehefrau, ist Jenn Colella sprühend und sicher. Sie singt gut, ja brillant, und ihre perfekt austarierte Charakterzeichnung ist eine Freude.

Jason Tam glänzt als Lucas’ Geliebter. Er spielt die Rolle äußerst behutsam, verzichtet auf jede Idee von „Schwulheit“ als Attitüde und spielt schlicht die Wahrheit: Sein David liebt Lucas und möchte die Beziehung ohne jede Scham zum Funktionieren bringen. Das ist eine vollkommen ausgearbeitete Figur – und er singt herrlich, ganz im Geist der Partitur.

Anthony Rapp ist als Lucas gut, aber nicht umwerfend. Er scheint die Höhen, zu denen die Partitur aufsteigt, nicht wirklich zu erreichen. An seiner Leistung ist nichts Schlechtes, doch im Vergleich zu den anderen wirkt sie etwas blass. Sein Gesang ist in Ordnung, aber nicht elektrisierend – keine außergewöhnliche Ausschöpfung der Möglichkeiten, die die Partitur bietet. Tam überstrahlt ihn auf ganzer Linie.

La Menzel ist hervorragend darin, die Doppelrolle von Liz und Beth zu spielen und beide Frauen vollständig real und verständlich zu machen. Sie ist im Grunde Jedermann – nun gut: jede Frau, die sich für eine Karriere in der Stadtplanung und ein Leben als Geliebte, Partnerin und Mutter interessiert – oder eben nicht. Je nachdem, ob sie Liz oder Beth ist.

Ihr komisches Timing, ihr Gespür für die Wahrheit jeder dieser Frauen, ist beispielhaft. Sie spielt alle Szenen klar und wahrhaftig. Sie zeichnet und erschafft jede Frau wunderbar, präzise und mit enormem Herzen. Ihre „What The Fuck“-Nummer ist wirklich köstlich.

Aber … ihr Gesang wirkte – wie bei Rapp – ein wenig neben der Spur. Sie sang praktisch nie ganz im Zentrum des Tons, traf nie den Hotspot der Gesangslinie. Stattdessen schwankte sie um den Ton jeder Phrase herum: ein breiter Klangstrahl, statt eines direkten Impulses in den Ton hinein. Sie erzeugt Klangwellen, die um den Ton herum einschlagen – nah, daneben, angrenzend –, aber sie scheint ihn nie mit unfehlbarer Genauigkeit zu treffen. Nie.

Nicht, dass sie furchtbar singen würde; sie ist nur weniger zentriert in den Tönen, als sie sein könnte. Die Partitur verlangt wirklich präzises, exaktes Singen, aber La Menzel liefert eine Streuung in der Tongebung: Ihre Stimme wirkt blass und schlaff, wo sie vollblütig und stark sein sollte. Würde sie die Musik so singen wie La Chanze oder Snyder, wäre die Wirkung überwältigend und würde in ihrer Intensität nachhallen.

So, wie es ist, ist es netter Gesang. Er erfüllt seinen Zweck, aber er setzt das Rad nicht in Bewegung.

Und das ist wirklich schade.

Mit anderen Hauptdarstellerinnen und -darstellern – Menschen mit außergewöhnlichem Feuer in der Stimme statt Rapp und Menzel – wäre das ein staunenswertes Stück Musiktheater. Es toppt Rent sogar: Das ist eine bescheidene Geschichte über echte Menschen, die in New York leben und sich dort einrichten. Sie ist voller komischer, tragischer und wahrhaftiger Resonanzen über New York und das Leben dort.

Wenn die Produzentinnen und Produzenten nur den Mut gehabt hätten, alle allein nach tatsächlichem Können und Fähigkeiten zu besetzen: Dann wären weder Rapp noch Menzel im Ensemble. Stattdessen stünden dort Menschen, die die Partitur brillant und strahlend zum Leuchten bringen könnten.

Wäre das passiert, wäre dies bislang die Show des Jahrtausends.

So, wie es ist, bleibt es wirklich bemerkenswert. Nicht verpassen. Ein neues, originelles Musical, besser als viele andere der letzten zehn Jahre.