REZENSION: Heinrich V., Temple Church ✭✭✭✭

Andrew Hodges und Greddie Stewart. Foto: Scott Rylander Henry V

Temple Church

24/08/15

Ich stelle mir vor, dass sich die meisten Theaterbesucher genau daran erinnern, wann sie zum ersten Mal eine Inszenierung von Henry V gesehen haben. Wann immer ich einen Schauspieler höre, der in ‚Oh for a muse of fire!‘ einstimmt, erinnere ich mich sofort an diesen bezaubernden Kindheitsmoment, als ich zum ersten Mal den Olivier-Film sah.. den Kameraschwenk über das Tudor-London, Waltons lebhafte Musik des ritterlichen Pastiche und der erste Anblick des ‚wooden O‘. Für andere mag es Kenneth Branaghs schlammigere, aber immer noch heroische Kinoversion sein oder die Antikriegsproduktion von Hytner-Lester von vor einem Jahrzehnt oder so. Wenige von uns können sich diesem Stück ohne eine ganze Reihe vorgefasster Meinungen nähern, und mutig ist der Regisseur, der sich daran macht, etwas Neues über dieses Stück zu sagen, von dem wir alle denken, dass wir es sehr gut kennen. Doch genau das haben Antic Disposition und die Regisseure Ben Horslen und John Risebero geschafft, eine der beeindruckendsten Wiederaufnahmen eines Shakespeare-Stücks, die ich in den letzten Jahren gesehen habe, auf die Bühne zu bringen. Sie tun dies vor allem, indem sie die Ambivalenzen, die im Herzen des Stücks liegen, erkennen und in ihre Vision integrieren, sodass es weder eine vereinfachte Feier noch eine Zurückweisung des Krieges ist, sondern eine Anerkennung, dass Krieg untrennbar Teil der menschlichen Natur ist. Es ist entscheidend für Shakespeares Großzügigkeit des Geistes, dass das Stück die Faszination und den Reiz der hohen Politik umfasst, während es auch die Konsequenzen dieser Entscheidungen für den einfachen Mann und die Frau genauso wie für den König zeigt – der Pomp und das Mitleid, die feine Linie der Angst zwischen Misserfolg und Triumph, Überleben oder Tod.

Andrew Hodges, Alex Hooper, Freddie Stewart und James Murfitt. Foto: Scott Rylander

Der Schauplatz in der Temple Church könnte in seinen resonanten Schichten englischer Geschichte nicht besser geeignet sein. Neben den Gräbern der Tempelritter und der Barone, die die Magna Carta durchsetzten, ist die Bühne in Queraufstellung zwischen den Kirchenbänken errichtet. Auf einer erhöhten Plattform, die an beiden Enden offen ist, sind eine verstreute Anzahl von Munitionskisten und medizinischen Vorräten platziert. Zwei Soldaten treten in Uniformen aus dem Ersten Weltkrieg auf, ein Franzose und ein Engländer. Dann eine französische Krankenschwester. Vertraute Kommunikationsprobleme folgen, endend damit, dass der englische Soldat seinem französischen Gegenüber ein Exemplar von Shakespeares Stück gibt. Wir befinden uns in einem alliierten Feldlazarett in Azincourt hinter den Linien, und beide Kontingente beschließen, zur Zeitüberbrückung eine Aufführung zu inszenieren. Aber bevor wir zum Prolog kommen, führen ein Akkordeon und ein Klavier George Butterworths Vertonung von A.E. Housmans ‚The lads in their hundreds‘ ein, und über Shakespeares inspirierter Rhetorik liegt eine weitere resonante Schicht ritterlicher Reue, die kurz vor dem Ersten Weltkrieg geschrieben wurde. Dies war in vielerlei Hinsicht so passend, sowohl dramatisch, ästhetisch als auch historisch, dass es mir den gleichen geistigen Erlebnisschub gab, den ich von dem Olivier-Film all die Jahre zuvor erinnere. Ich kann dem Umgang mit der Eröffnungssequenz kein höheres Kompliment machen.

Und so kamen wir dann ins Stück selbst, doch bevor ich die Qualitäten der Inszenierung bespreche, ist es wichtig zu betonen, dass das Szenario des Ersten Weltkrieges stets als Bezugspunkt bleibt. Weitere Vertonungen von Housman, im Musikstil der Edwardianischen Ära, dringen in die Handlung ein, um Emotionen an Schlüsselstellen zu verdichten, und die Erfahrung des jüngsten Konflikts dringt bewegend und treffend in die Aufführung bei bedeutenden Momenten ein – beispielsweise in dem Moment, als Bardolph wegen Plünderns hingerichtet wird und der Schauspieler in der Rolle in einen Anfall zusammenbricht. Es ist sehr selten, dass eine Truppe ein neues Konzept so gründlich in ein Shakespeare-Stück integriert – allzu oft bleibt es nur Gestik –, aber hier ist die Detailgenauigkeit überaus beeindruckend und fantasievoll, während sie immer noch im Einklang mit dem Geist des Originals steht.

Wie bei dieser Truppe üblich gibt es einen durchgehend hohen Standard an individuellen Darbietungen und Ensemblespiel. Die Übergänge zwischen den Szenen sind sehr gut gemanagt, und obwohl der Raum begrenzt ist, haben die Regisseure ihn sehr flexibel und mit minimalem, aber fantasievollem Einsatz von Requisiten genutzt (z. B. eine Kiste mit Verbänden für Tennisbälle, Kuchenbleche für Kronen usw.). Ich fragte mich, wie sie die große Schlachtszene selbst bewältigen würden, aber erneut bot das Klammernszenario die Lösung in Form eines plötzlichen Artilleriebeschusses außerhalb der Bühne, eines weiteren Housman-Liedes und eines Hornsignals.. der Moment wurde erfasst und registriert, ohne dass er gezeigt werden musste.

Freddie Stewart und Louise Templeton. Foto: Scott Rylander

Die Beschränkungen einer Rezension hindern mich daran, der Bandbreite an großartigen Darbietungen hier gerecht zu werden, wobei mehrere Schauspieler mehrere Rollen übernehmen. Es genügt zu sagen, dass sowohl die politischen als auch die komödiantischen Szenen gleichermaßen gut ankamen, was in diesem Stück keineswegs immer der Fall ist. Auch der nationale Gschaftelhuberei unter den Soldaten ließ nicht nach, wie es manchmal passiert. Der Text wurde gut projiziert und mit viel flüssiger Bühnenbewegung verstärkt, insbesondere in den Szenen in der Nacht vor der Schlacht, als die männliche Kameradschaft und nervöse Frotzeleien des Originals und der modernen Umgebung besonders gut zusammenpassten.

Es war ein echtes Vergnügen, echte französische Sprecher ausnahmsweise die französischen Königsrollen spielen zu sehen: Es gab ein echtes, plausibles politisches Gegenwicht zu den englischen Streitkräften, und die Rivalität zwischen dem Dauphin und dem Constable wurde auf eine Weise projiziert, die normalerweise nicht passiert. Floriane Andersens Katherine spielte reizvoll mit den Sprachspielen, die Shakespeare für sie vorgesehen hat, und war mehr als ebenbürtig für Freddie Stewarts Henry V in ihrer Werbeszene.

Stewarts Darstellung besaß viele der Qualitäten, die für Erfolg in dieser Rolle benötigt werden. Er war von Natur aus autoritär in den politischen und öffentlichen Szenen und kombinierte in der Werbeszene Flirterei, Humor und Unbeholfenheit in gleichen und reizvollen Maßen – er hat den ‚sugar touch‘ mit Sicherheit. Im inkognito Streit mit Williams (Alex Hooper), entscheidend für jede Inszenierung dieses Stücks, kontrollierte er den Ton sicher und verteilte plausibel vor den Truppen mehr als ‚a little touch of Harry in the night‘.

Allerdings habe ich eine Vorbehalt ob seines Umgangs mit den berühmten Monologen, ein Vorbehalt, der sich breiter auf die Art und Weise erstreckt, wie Shakespeare'sche Set-Pieces derzeit im Allgemeinen vorgetragen werden. Während Naturalismus auf der Bühne einen langen Weg gehen kann, funktioniert er in diesen hochstilisierten Stücken der Rhetorik nicht, die eine explizite Kristallisierung spezifischer Emotionen sind, keine Beschreibungen von ihnen. Ein naturalistischer Ansatz endet schreiend und monoton und ist in keiner bedeutungsvollen Weise fesselnd. Der Schauspieler muss diese stilisierten Reden wirklich interpretieren und gestalten, als wären sie Musikstücke, bei denen man das Publikum in sein Vertrauen zieht. Während ich das Zögern jüngerer Schauspieler verstehen kann, das selbstbewusste ‚voice beautiful‘ im Stile von Olivier und Gielgud zu umarmen, kann es dennoch getan werden, ohne mit dem Rest der eigenen Charakterisierung falsch zu spielen. Die älteren Schauspieler in der Truppe – zum Beispiel Geoffrey Towers (Exeter) und Louise Templeton (Mistress Quickly) – zeigten den Weg, und insbesondere Templetons Evokation von Falstaffs Tod wurde geschickt und bewegend erreicht, einfach durch das Folgen und nicht Erzwingen des natürlichen Tempos des Textes. Manchmal, wie Jonathan Bate gesagt hat, ‚Das Geheimnis der dramatischen Kunst ist die Unaufrichtigkeit.‘ Kunstfertigkeit kann in Kunst umgewandelt werden, und das Publikum wird diesen besonderen Raum im Moment gerne mit Ihnen bewohnen....

Dies ist nur ein kleiner Kritikpunkt in einem völlig fesselnden Theaterabend, der so viele von uns im Publikum dazu brachte, dieses scheinbar vertrauteste aller Stücke noch einmal zu überdenken. Ich hoffe wirklich, dass sie hier oder anderswo die Gelegenheit haben, diese feine Neubearbeitung eines der größten Leistungen Shakespeares wiederzubeleben. Als die Besetzung in Formation in die dunklen Ecken der Temple Church zu den liegenden Rittern marschierte, konnte man sie nicht mehr von der langen Tradition der Ritterschaft trennen, die sich vom Chaucer’s Knight’s Tale über Shakespeares Historienspiele bis zu Housmans zum Scheitern verurteilten Infanterie erstreckt:

„Sie tragen hell zum Präger zurück die Münzprägung des Menschen.

Die Burschen, die in ihrem Ruhm sterben und nie alt werden.“

Henry V läuft bis 5. September in der Temple Church