Rezension: Hellscreen, Vault Festival ✭✭✭✭

Hellscreen

Vaults Festival

4. März 2015

4 Sterne

London ist eine Stadt von historischen und architektonischen Schichten, und Vaults 2015 hat in den letzten drei Wochen wieder einmal lebhaft einen der am besten versteckten Veranstaltungsorte für Theater im Stadtzentrum genutzt – das Labyrinth aus Bögen und Tunneln unter dem Bahnhof Waterloo. Es ist ein dramatischer Moment, ein ‘Alice-in-Gotham-City’-Augenblick, wenn man eine anonyme Treppe hinabsteigt und sich in einem mit Graffiti bedeckten viktorianischen Tunnel wiederfindet, in dem Banksy-Nachahmer fleißig daran arbeiten, das Werk des Vortages zu überlagern; bevor man in das eintaucht, was wie ein Loch in der Wand erscheint, sich aber tatsächlich als Eingang zu einem lebhaften Zentrum für flexible Aufführungen, Ausstellungs- und Gastfreundschaftsräume entpuppt. Für die Aufführung von Hellscreen wurden wir in ein gewölbtes Backsteinverlies geleitet, das geformt und gefärbt war wie ein dunkler Lebkuchen und mit einer Masse an technischer Ausstattung gefüllt, die mich an das unheimliche stillgelegte Lagerhaus erinnerte, das in The Ipcress File vorkommt. Jeder von uns erhielt einen Hocker aus dem Chor, der bereits in Charakter agierte, um die vierte Wand zu durchbrechen, und wir setzten uns rund um eine Traversbühne, die mit Vorhängen aus Plexiglas-Lamellen an den Enden geschmückt war. In den nächsten achtzig Minuten wurden wir in eine eindringliche Meditation über die soziale Funktion und Grenzen der Kunst, die bösartige und die wohlwollende Rolle von Mäzenen und Kritikern und das Potenzial aller Zuschauer für schleichenden Voyeurismus und passive Akzeptanz des Unerträglichen hineingezogen.

Hellscreen hat seinen Ausgangspunkt in einer klassischen japanischen Kurzgeschichte von Akutagawa, die bereits 1918 veröffentlicht wurde. Im Original wird ein großer Maler von seinem Mäzen beauftragt, einen Wandschirm zu schaffen, der die buddhistische Vision der Hölle darstellt. Er stellt fest, dass er nur das malen kann, was er nicht im Leben erlebt hat, indem er seine Lehrlinge immer grausamer foltert. Neben diesem Thema steht ein Wettbewerb zwischen Mäzen und Maler um die Zuneigung der geliebten Tochter des Malers, bevor sich die beiden Handlungsstränge fatal zusammenfinden, bei dem die Tochter in einem letzten Akt künstlerischer Überschreitung stirbt, der Maler sich das Leben nimmt und nur der vollendete Schreckensschirm bleibt.

Morgan Lloyd Malcolm und Rachel Parish übertragen die thematische und psychologische Matrix der Geschichte sehr erfolgreich in den Rahmen der modernen Kunstwelt und eine Erkundung ihres Kults des Übermaßes. Frank Holt (Jonny Woo) ist ein zeitgenössischer Künstler, der schockieren will, aber scheinbar seine Grenzen erreicht hat und sein Publikum verloren hat. Er greift auf seine Beziehung zu seiner Tochter Amy (Vanessa Schofield) zurück, dem einzigen Element seines Lebens, das vom Zynismus unberührt bleibt. Doch als er erneut an die Arbeit geht, erreicht er beispiellosen neuen Erfolg, nachdem er Sammlerin und Schirmherrin Katherine Bowker (Suzette Llewellyn) trifft, die ihn ermutigt, weitere Grenzen der künstlerischen Erkundung zu überschreiten, indem vor Publikum eine Serie von Gräueltaten mit immer eskalierendem Horror nachgestellt wird. Diese Zwischenfälle, mit improvisatorischem Flair von einem Schauspielerchor durchgeführt, durchbrechen die ‘vierte Wand’ entschieden, indem sie uns in die Ausführung der Verbrechen einbeziehen. Inzwischen entzieht Bowker auf raffinierte Weise Amy diesen Ereignissen, um zu verhindern, dass sie Zügel an ihren Vater legt, und versteckt sie auf ihrem Inselrefugium, um ihr eigenes Muster künstlerischer Kontemplation zu verfolgen. Schließlich kehrt Amy zu ihrem Vater zurück, und einer nach dem anderen wird unbarmherzig in eine abschließende symbolträchtige Selbstverbrennung hineingezogen.

Es ist ein großes Verdienst des Produktionsteams, das mehrere Jahre an dieser Adaption gearbeitet hat, dass sie es geschafft haben, so viele wichtige und ebenso beunruhigende Fragen zu berühren. Einige davon beziehen sich auf die Kunst selbst: Gibt es noch Grenzen dafür, was als Kunst gilt? Ist der Mäzen eine edle und befähigende Figur oder eine egoistische und manipulative? Opfern Künstler unvermeidlich ihre Lieben für ihre Kunst? Erkennt die Kunstkritik jetzt noch irgendeinen Wert außer Sensationsgier an? Aber die beunruhigendsten Fragen beziehen sich auf die zunehmend ästhetisierte Darstellung von Gewalt in den Medien und unsere Aussetzung ihr gegenüber. Hat dies einen voyeuristischen passiven Betäubungseffekt gefördert, der unsere Fähigkeit untergräbt, als Bürger im realen Leben zu reagieren? Was sollte die richtige Reaktion auf die immer weiter reichende Darstellung von Gewalt sein? Mit den täglichen manipulativen Erinnerungen von ISIS, dass die Grenzen des Schreckens tatsächlich immer weiter ausgedehnt werden können und einem Rekord, der in kürzester Zeit weltweit verbreitet wird, könnten dies nicht relevantere Fragen sein.

So war es keine Überraschung, dass es die auf Gerichtsprotokollen realer Verbrechen basierenden Szenen waren, die dem Publikum am härtesten trafen und einige dieser Momente völliger stiller Konzentration erzeugten, wenn man weiß, dass jeder im Moment und im Herzen der Angelegenheit vertieft ist. Aber das sollte keinesfalls die Qualität der Schauspielkunst und Produktionswerte anderswo schmälern. Woo ist sehr effektiv darin, eine gefährliche, unvorhersehbare Intensität als der angeschlagene Künstler zu projizieren, und Schofield schafft ein ruhiges Zentrum alternativer Werte und Schönheit, häufig durch Gesang mit starkem emotionalem Effekt. Aber vielleicht kam das faszinierendste Schauspiel von Llewellyn, deren Motivationen als künstlerische Schirmherrin hinter einer betörenden Bandbreite an Charme und Großzügigkeit des Geistes verborgen bleiben, die auch in opportunistische Manipulation und einen Wunsch nach reflektiertem Ruhm übergeht. Um und innerhalb jeder kurzen Szene ist eine erfinderische Bandbreite an Musik, Videoprojektion (auf den Plexiglasvorhängen), Soundeffekten und energetischen, fließenden Interventionen durch den Chor gewickelt, von denen einer auch ein nett gestaltetes, lustiges Cameo als Kunstkritiker hat, der als inhaltsloser Relativist ohne Kernüberzeugungen enthüllt wird.

Mein einziger negativer Kommentar zu dieser hervorragenden Show ist, dass sie zu viel Material für die verfügbare Zeit bietet. In nur achtzig Minuten muss eine Wahl getroffen werden zwischen der Entwicklung von Charakteren in einem erzählerischen Fluss und Dialogen über wichtige abstrakte Themen, und es gibt wirklich nicht genug Zeit, um beiden gerecht zu werden. Man wünschte sich mehr Zeit für die detaillierte Diskussion der Themen und um den Beziehungen zwischen den Charakteren, insbesondere denen, die Amy betreffen, eine weitere Dimension zu geben. Manchmal gab es nicht genügend Informationen, um das vollständige Bild zu bekommen, und besonders gegen Ende wurde das Teleskopieren von Handlung und Vorfall verwirrend. Ein erfolgreiches Stück über Ideen muss nicht so lang oder weitschweifig wie Man and Superman sein, das derzeit am National läuft, aber wenn es eine Gelegenheit für eine weitere Produktion anderswo gibt, würde ich einen weiteren Blick auf das Skript empfehlen. Die Qualität und Bedeutung der aufgeworfenen Fragen verdient nichts weniger, und das gewählte Vehikel ist sehr geeignet für eine längere, mehr entwickelte Version.

Eine Traverseinstellung ermöglicht es Ihnen, Ihre Mit-Zuschauer im Detail zu beobachten, und es ist ein Zeugnis für die durchgehend zum Nachdenken anregende Qualität dieser neu erfundenen Geschichte, dass das unbeschwerte kosmopolitische Geplauder am Anfang am Ende in eine lebhafte, aber ernste Diskussion darüber, was wir erlebt hatten, übergegangen war, und vor allem in ein gewisses unbehagliches Hin- und Hersitzens angesichts der unangenehmen Wahrheiten, die im Spiegel, der uns vorgehalten wurde, zu sehen waren. Wir waren beunruhigt und das mit Recht.