BEWERTUNG: Hatched 'N' Dispatched, Park 90 ✭✭✭✭

Foto: Philip Lyons Hatched 'N' Dispatched

Park 90 Theatre, Finsbury

02/09/15

4 Sterne

Dieses neue Stück von Michael Kirk und Gemma Page stammt aus Kirks Erinnerungen an eine Kindheit in Derby an der Schwelle der 1960er Jahre. Wir sind am Rande sozialer Umbrüche, haben jedoch noch nicht Philip Larkins bekannten Ausgangspunkt 'zwischen dem Ende des Chatterley-Verbots und dem ersten LP der Beatles' erreicht. Während wir hier in vielerlei Hinsicht eine reine Komödie mit bravurösen Anklängen von Farce erleben, gibt es einen Unterton von Ernsthaftigkeit, ja Dunkelheit, der sich im Laufe des Abends verstärkt, bis man am Ende denkt, dass die Komödie zu einem großen Teil ein Abwehrmechanismus gegen die gesellschaftlich lähmende Wirkung von Geschlechterstereotypen und geerbten Vorurteilen ist.

Theatre 90 ist im Rundformat aufgebaut, oder vielmehr 'im Quadrat'. Wir befinden uns in einem unattraktiven, leicht heruntergekommenen Wohnzimmer der 1950er Jahre mit sehr gebrauchten Möbeln und zwei Brennpunkten - der Hausbar und einem neuen Plattenspieler -, beide in den Ecken, fern vom Publikum. Das Drama findet in Echtzeit statt, mit einer Pause. Wir erleben den Verlauf oder vielmehr den Verfall einer Familienfeier, organisiert, um zwei Ereignisse zu kennzeichnen - eine Beerdigung und eine Taufe.

Das Zuhause gehört der blassen und zurückhaltenden Irene (Wendy Morgan) und ihrer Tochter Susan (Diana Vickers). Es ist Irenes Ehemann Arthur, der plötzlich gestorben ist, doch er scheint das Leben auf ebenso unspektakuläre und unauffällige Weise verlassen zu haben, wie er es gelebt hat. Trotz der Tatsache, dass sein freundliches Porträt die Ereignisse überschaut, muss er das Rampenlicht mit der Feier eines neuen 'Schlüpfens' teilen. Irenes imposante Schwester, Dorothy (Wendi Peters), hat beschlossen, dass die Beerdigung und der Trauerkaffee mit dem Gottesdienst und der Feier zur Begrüßung ihres neuesten Enkels, Clifford, verbunden werden sollen. So kommen alle Erwachsenen zusammen, um angeblich Essen und Trinken für ein größeres Treffen von Freunden und Nachbarn vorzubereiten, doch während der Alkohol fließt, wird der Deckel von einem brodelnden Kessel familiärer Ressentiments und Spannungen gelüftet. Vieles von dem, was folgt, ist in der Tat sehr lustig, aber es gibt in jedem Witz fast immer einen bitteren Beigeschmack. Es ist kein unschuldiger Spaß.

Foto: Philip Lyons Es gibt viele sichtbare Einflüsse in diesem Stück, doch es gelingt ihm, sie alle mühelos zu assimilieren. Es verdankt den Fernsehsoaps aus Midlands und dem Norden Englands, mit denen wir alle vertraut sind, vieles. Es gibt hier keinen Charakter, über den wir nicht irgendeine Art von Enthüllung verweigert bekommen. Meistens ist das geschickt gemacht, obwohl ich das Gefühl hatte, dass nach der Pause das dramatische Tempo ein wenig nachließ, als wir uns ein wenig mechanisch durch die Vorgeschichte der Besetzung arbeiteten. Aber es gibt auch ältere dramatische Vorläufer. Zum Beispiel spürte ich die ferne Präsenz von J.B. Priestleys When We Are Married in den Konsequenzen, sowohl befreiend als auch destabilisiert, die darin bestehen, die Möglichkeit zu entdecken, dass Beziehungen nicht so festgelegt sind, wie sie scheinen. Und als der Ton dunkler wurde, nahm ich auch mehr als einen Hinweis auf Distant Voices, Still Lives wahr. Es gibt viel unterdrückten Schmerz und körperliche Gewalt (die später offen ausbricht), die meisten davon werden von den Männern an den Frauen verübt. Trinken und Feiern treiben und verschleiern die Probleme gleichzeitig, sodass am Ende es für die unmögliche Matriarchin Dorothy noch möglich ist zu behaupten, dass es nur ein Fall von 'jede Familie hat ihre Höhen und Tiefen' ist. Aber darunter ist es im Wesentlichen eine Geschichte von untauglichen Männern, die indirekt von hochfähigen Frauen geführt werden, denen reale öffentliche Arbeit und Führungsrollen verwehrt sind. Und es ist diese soziale Dynamik, die die monströse Gorgone Dorothy erschafft, um deren Manipulationen sich die gesamte Handlung und Besetzung dreht.

Es ist selten, eine Inszenierung zu finden, die in einem so frühen Stadium so 'scharf' ist. Die Schreibe ist prägnant und präzise, die Bühnenbilder, Requisiten, Beleuchtung und Kostüme sind alle so synchron, wie sie sein sollten, und die Darbietungen haben einen Fokus, ein komisches Timing und ein leichtes Tempo, das man normalerweise nicht erwarten würde, wenn eine Show gerade erst aus der Vorschau kommt. Aber wenn man sich die Erfahrung dieser Besetzung in TV und Theater anschaut, dann gibt es vielleicht weniger Überraschung. Es gibt mehrere angesehene Veteranen von TV-Soaps, und die meisten anderen haben eine Vielzahl von Londoner und Repertoire-Theateraufführungen auf ihrem Konto. Ebenso wie das Stück gut gemacht ist, sind es auch die Produktionswerte. Jeder Rezensent würde diese Produktion sicherlich als einen enorm unterhaltsamen und zuverlässig guten Abend im Theater bewerten. Sicherlich lachten die abgebrühten Kritiker bei der Pressevorstellung deutlich mehr als üblich.

Aber das Herz dieses Abends liegt im gestalterischen Detail der Darbietungen, und vielleicht ist die größte Belohnung dieser Show nicht der lärmende Humor oder die Traurigkeit und Verschwendung hinter den meisten der dargestellten Leben, sondern das einfache Vergnügen, eine feine Ensembleleistung zu sehen, die gemeinsam agiert und große komische Energie erzeugt, ohne die Chancen zu verlieren, individuelles Pathos und Charakterdetails zu entwickeln.

Foto: Philip Lyons

Wendi Peters fegt in der Hauptrolle alles vor sich weg. Es gab mehr als eine Spur von Hyacinth Bouquet in ihren absurden häuslichen Anmaßungen und sozialem Aufstieg, aber man spürte auch, wie viel heller und durchsetzungsfähiger sie als jeder in ihrer Familie war, und wie deshalb ihr gesamter sozialer Aufstieg ihr zu verdanken war, trotz der menschlichen Kosten. Kevin McGowan als ihr Ehemann Teddy hat eine ziemlich undankbare Rolle, aber er nimmt die ihm gegebenen Momente sehr gut wahr. Ebenso hat James Wrighton als ihr Sohn Kenneth die schwierige Aufgabe, einen inneren Konflikt zwischen seinem Wunsch, ein Alphamännchen zu sein, und der Tatsache, dass er immer noch im Grunde ein Muttersöhnchen ist, zu vereinen. Er deutete ein sensibles Gleichgewicht zwischen elegantem Charme und einer knapp unter der Oberfläche liegenden Wut an. Aber für mich war Matthew Fraser Holland, als der vielgeplagte und gemobbte Schwiegersohn Ollie, die beste Wahl unter den Männern. Wann immer er auf der Bühne war, erzeugte er viel feine komische Aktion und vermittelte die Anständigkeit und Verletzlichkeit seiner Figur authentisch. Es war ein schöner Zug im Schreiben und schön gespielt in der Aufführung, als die Gelegenheit, Dorothy endlich für das Mobbing zu strafen, ihm zufiel.

Eines der Vergnügen des Abends war das Spiel zwischen den Frauen in der Besetzung: ob in Solidarität oder Konflikt, es gab eine Flexibilität und Natürlichkeit, die in den vielen Szenen, in denen die Frauen zusammen auftraten, am meisten ansprechend war. Danielle Flett als Corinne, Kenneths in London geborene Frau, zeigte sowohl Stärke im Widerstand gegen Peters, Brüchigkeit und Mangel an Selbstvertrauen in ihrer zweideutigen Position in der Familie, als auch eine Süße mit den jüngeren Frauen, die liebenswert war. Als Dorothys Tochter Madeleine sorgt Vicky Binns für einen der denkwürdigsten Anfänge des Abends und macht danach das Beste aus einer zurückhaltenden aber allgegenwärtigen Rolle. Einige der zartesten Schauspielerleistungen kommen von Wendy Morgan, die den größten Teil des Abends im Schatten ihrer Schwester stehen muss, aber sie gibt genau dann, wenn sie muss, ebenso gut zurück, wie es ihre temperamentvolle Tochter tut, die am Ende des Stücks am ehesten bereit scheint, sich endgültiger gegen ererbte Vorurteile zu wehren als jeder andere.

Dieses Stück kann als freche Scharade oder als etwas eher unerwartet Melancholisches gesehen werden; aber wie auch immer, es ist ein durchweg fesselnder Abend, bei dem man das Verstreichen der Zeit gar nicht spürt.

Hatched 'N' Dispatched läuft bis zum 26. September 2016