REZENSION: Garine, Arcola Theatre ✭✭✭✭

Gariné

Arcola Studio 1

14/08/15

4 Sterne

Das jährliche Grimeborn Opera Festival zielt nicht nur darauf ab, zeitgenössische Oper und neue Versionen des etablierten Repertoires zu präsentieren, sondern auch Werke hervorzuheben, die einst populär waren und nun vergessen sind. Gariné ist ein solches Werk und in mehrfacher Hinsicht ein seltener Vogel. Es ist eine lange Operette in fünf Akten aus den 1870er Jahren und somit zeitgenössisch mit Carmen (auf die an einer Stelle des Abends witzig angespielt wird); aber dort enden die oberflächlichen Ähnlichkeiten. Der Komponist war ein Armenier, Dikran Tchouhadjian, Sohn des Uhrmachers des Sultans und somit Teil der kosmopolitischen Welt des Istanbuls Mitte des 19. Jahrhunderts, geschützt vor der zunehmenden Verfolgung seiner Landsleute. Er erhielt eine hervorragende musikalische Ausbildung in Mailand, bevor er eine Reihe erfolgreicher Operetten und weniger erfolgreicher historischer Opern schrieb, die ihm die Spitznamen des ‘Orientalischen Offenbach’ und des ‘Armenischen Verdi’ einbrachten. Sein größter Erfolg war mit Gariné, damals unter dem ursprünglichen, aber prosaischeren Titel Der Kichererbsenverkäufer, der mehrere Jahrzehnte lang in ganz Europa aufgeführt wurde.

Was wir im Arcola hörten, unterschied sich in wichtigen Aspekten vom Original. Dies war eine semi-szenische Aufführung, und daher wurde ein Großteil des ursprünglichen Materials gekürzt. Anstelle eines Orchesters hatten wir ein Konzertflügel, virtuos und mit bewundernswerter Finesse und Schwung von Kelvin Thomson gespielt. Es ist also unmöglich, direkt zu den großen anerkannten Fertigkeiten des Komponisten als Orchestrator Stellung zu nehmen. Ein neues Libretto und Übersetzung wurden von Gerald Papasian, dem Regisseur und treibenden Kraft hinter dem gesamten Unternehmen, bereitgestellt. Er fügte außerdem narrative Zusammenfassungen hinzu, um die Kontinuität durch die stark geänderte Handlung zu gewährleisten.

Musikalisch hat dieses Werk eine große Anziehungskraft, obwohl ich, wenn ich es blind gehört hätte, eher den Einfluss von Rossini und Gilbert und Sullivan vermutet hätte als von Offenbach und Verdi! Lange Folgen von Chören im Walzer- oder Quadrille-Tempo werden von Arien unterbrochen, die die Stimmen der Hauptdarsteller in einer Musik präsentieren, die anspruchsvoll, aber nicht nur um ihrer selbst willen virtuos ist. Die Melodien haben einen süßen und folkloristischen Einschlag, der auf eine armenische Quelle hindeutet, aber die Begleitungen erzeugen eine schwungvolle, arpeggierte Lebhaftigkeit mit gelegentlichen harmonischen Exkursen auf die wildere Seite, die suggerieren, wie attraktiv und raffiniert ein orchestraler Hintergrund für diese Musik klingen würde. Ansonsten kommt es nicht spezifisch orientalistischer Natur herüber, zumindest nicht in seinen akustischen Eigenschaften: Es handelt sich eher um eine hoch kompetente Operette im mainstream-europäischen Hausstil jener Zeit. Vielleicht äußere ich einfach meine eigene kulturelle Prägung, aber The Pirates of Penzance schien manchmal nicht weit weg (und das ist sicherlich keine schlechte Sache).

Dramatisch ist die Geschichte nicht besser und nicht schlechter als viele andere unwahrscheinliche romantische Missgeschicke aus der Welt der Operette. Die Handlung dreht sich um ein Theaterensemble, dessen Direktor Armen (Edward Saklatvala) gerade seine Hauptsängerin an eine konkurrierende Truppe verloren hat. Gariné (Danae Eleni) ist ideal geeignet, den Tag zu retten, aber leider ist ihr Vater Hor Hor, der wohlhabende Kichererbsenverkäufer (Leon Berger), dagegen, dass sie die Bühne betritt. Es gibt viele Hürden zu überwinden, bevor sowohl das Stück als auch die Beziehung weitergehen können, nicht zuletzt in einer ganzen komplizierten Reihe von Nebenhandlungen, die zu zusammenfassen zu mühsam wäre, außer zu sagen, dass sie viele Gelegenheit bieten für sinnliche Choreografie, schnelle Kostümwechsel, komische Patzer, melodramatische Drohungen und Kommentare des Schauspiel- und Tanzensembles, das das Herzstück des Werks bildet.

In zwei Punkten ist dies jedoch ein unverwechselbares und individuelles Szenario. Die Frage, ob Frauen auf der Bühne auftreten sollten oder nicht, war eine echte Kontroverse im Theater zur Zeit des Komponisten, die reale Auswirkungen auf die im Zentrum Stehenden hatte. Es gibt eine Schärfe im musikalischen Schreiben und im Text, die die Handlung zu Recht aus der derben Komödie heraushebt. Zudem findet eine interessante Debatte über die Hierarchie im Theater statt – liegt der Wert bei der hohen Kunst oder beim Straßentheater, das dem populären Geschmack nahe steht, oder bei beidem? Am Ende der Handlung verlangen die Straßenkomödianten und Jongleure die gleiche Anerkennung und Rangordnung im Istanbuler Theater wie die formalen Truppen. Auch diese Thematik bedeutete den Darstellern und Zuschauern der damaligen Zeit etwas und hat unheimliche Vorwegnahmen der Debatte, die im Prolog zu Strauss’ und Hofmannsthals Ariadne auf Naxos stattfindet. Musik und Theater mögen ‘heilige Künste’ sein, aber haben wir nicht alle ein Anrecht auf eine kleine Auszeit?

Mit so viel, das in einen dennoch langen Abend gepackt wurde, gab es unvermeidlich Kompromisse und nicht alle zu Gunsten des Stücks. Papasians narrative Eingriffe waren, so notwendig sie für die Klarheit waren, überlang und mit zu viel Bühnengeplätschere verziert, das die Handlung behinderte. Ein Großteil der schlichten Schauspielkunst, abgesehen von den virtuosen konzertierten Stücken, war hölzern und unzureichend geprobt, und es gab Längen in der zweiten Hälfte, als die Handlung ihrem Ende entgegeneilte, während die Liste der Musiknummern noch eine beträchtliche Zeit in Anspruch nahm. Das gesagt, gab es viele unbestreitbare Stärken in der Kompanie und in der Produktion, die gewürdigt werden müssen. Gesanglich war sie sehr versiert über die gesamte Bandbreite der Hauptdarsteller und des Chores hinweg, und alle Chor- und Ballettnummern, zusammen mit den vielen Momenten aufwendig komischer Darbietungen, waren sauber choreografiert und manchmal wirklich lustig. Es war großartig zu sehen, wie alle solche Freude und Zuversicht in diesem seltenen Material zeigten.

Für mich stachen vier Darbietungen heraus. Elenis Darstellung der Titelrolle war sehr ansprechend und technisch viel sicherer als ihre Darbietung als Musetta letzte Woche, mit zarten Läufen, einem sehr guten sicheren oberen Register und nur einem Hauch von Druck auf langanhaltenden hohen Tönen. Sie spielte auch gut und entwickelte sich im Laufe des Abends glaubwürdig von Unbeholfenheit zu Selbstvertrauen. Als ihr Partner sang Saklatvala mit hervorragender Klangklarheit und verbaler Präzision, war jedoch im Schauspiel unterdimensioniert; wohingegen Leon Berger großen Spaß daran hatte, den entrüsteten und protzigen bevormundenden Patriarchen Hor Hor zu spielen. In gewisser Weise ist Hor Hor, sogar in dieser neuen Version, die zentrale und interessanteste Rolle, die etwas von Rigoletto, Osmin und Falstaff in seiner Person beinhaltet, und Berger brachte all diese Elemente in musikalischen Details und schauspielerischem Charakter zum Ausdruck. Eine besondere Erwähnung gebührt Katie Grosset in der Junior-Hauptsopran-Rolle der Shoushan: Sie lieferte ihre Hauptarie in der zweiten Hälfte mit echter Bravour und tanzte den ganzen Abend über mit unaufdringlicher Anmut.

Der Abend war bemerkenswert für die Wiederbelebung eines Werkes von echter melodischer Eleganz und komischem Potenzial. Das Engagement und die Fähigkeiten der Produktion insgesamt machen Lust darauf, dass dieselbe Kompanie einen vollständig inszenierten Lauf in einem größeren Veranstaltungsort anbietet - und zwar bald.

Fotos: Robert Workman Erfahren Sie mehr über Grimeborn im Arcola Theatre