REZENSION: Fings Aint What They Used T'Be, Theatre Royal Stratford East ✭✭✭✭

Fings Aint What They Used T'Be. Foto: Tristram Kenton Fings Aint What They Used T’Be

Theatre Royal, Stratford

21. Mai 2014

4 Sterne

Fings Ain't Wot They Used T'Be von Lionel Bart (Musik und Liedtexte) und Frank Norman (Buch) wird nun an seinem Geburtsort, dem Theatre Royal Stratford East, in einer neuen Inszenierung unter der Regie von Terry Johnson wiederaufgenommen – und stellt das gewöhnliche britische Theaterpublikum vor eine Reihe kniffliger, teils verstörender Rätsel.

Was macht Ryan Molloy hier und verschwendet seine Zeit? Jessie Wallace – wie bitte? Hat Bart diesen Song wirklich für so etwas geschrieben? Warum dieses Stück wiederaufnehmen – so etwas würdest du am National doch nie sehen? Wo ist die ordentliche Chorus Line? Darf man diese Sprache auf der Bühne benutzen? Was habe ich mir da gerade angesehen?

Es ist wichtig, diese schwierigen Fragen ordentlich zu durchdenken.

Zunächst Ryan Molloy. Bekannt durch seine Rolle als Frankie Valli im phänomenal erfolgreichen Jersey Boys, verbringt Molloy einen Großteil des ersten Aktes damit, scheinbar nicht viel zu tun: als Ensemblemitglied singt und tanzt er mit allen anderen – nur einer aus der bunt zusammengewürfelten Truppe von Möchtegern-Ganoven, die in Freds Bar herumhängen, sich mit Kleinkriminalität und schurkischen Scherereien die Zeit vertreiben und nebenbei noch ein bisschen der Prostitution nachgehen.

Molloy ist darin hervorragend. Keine Frage. Aber warum sollte er sich das antun?

Weil er mitten in Akt eins seinen großen Auftritt als Horace hat, der gut gelaunte Innenausstatter, den Fred kommen lässt, um seiner Bar einen frischen Look zu verpassen. Horace ist eine Traumrolle: schillernd, dynamisch, mit einer umwerfenden Showstopper-Nummer, „Contempery“, herrlich überdrehtem Camp und in Akt zwei sogar im Kleid. Molloy ist als Horace in jeder Hinsicht großartig – stilvoll, sprudelnd, ein toller Tänzer, ein wunderbarer Sänger, perfekte Diktion, und sein komisches Timing sitzt auf den Punkt. Das ist echtes Charakterspiel im Musical, und Molloy zeigt eine Tiefe und Bandbreite, die man bei einem Leading Man nicht allzu oft sieht. Eine Bravourleistung in jeder Beziehung.

Jessie Wallace kennt man als Kat Slater aus EastEnders, und auch wenn es ein paar oberflächliche Parallelen zwischen dieser Figur und Lil gibt, ist das Überraschendste doch: Lil ist wirklich eine völlig andere Darstellung. Die Härte, die ständige Unruhe, das Knurren, die brodelnde Aggression von Kat – all das ist verschwunden. Lil ist hart, aber warmherzig, gerecht und im Herzen eine Romantikerin. In ihren stillen Momenten glänzt Wallace – und auch beim Singen und Tanzen lässt sie keineswegs nach. „Do You Mind“ und „Polka Dots“ sind in ihren Händen ein Genuss, und den Titelsong liefert sie mit echtem Schwung und Diva-Attitüde.

Sie ist in jeder Hinsicht schlicht wunderbar. Erstaunlich, jemanden zu sehen, der als Kat mal trifft und mal danebenliegt, hier aber so treffsicher und stimmig zu erleben. Oft erinnert sie an Barbara Windsor – und ehrlich gesagt ist das ideal.

Das Team hat in das überarbeitete Buch einige Songs eingefügt, die Bart geschrieben hat, die aber in der Originalfassung nicht vorkamen. „Do You Mind“ und „Living Doll“, beide zu ihrer Zeit Pop-Hits, fügen sich mühelos in diese Partitur ein; und auch wenn manche überrascht sein mögen, dass Bart diese Melodien schrieb – Tatsache ist: Er tat es, und sie passen perfekt zum Stil der Show. „Where Do Little Birds Go?“ und „Big Time“ gehören zu den weiteren Ergänzungen, und auch sie funktionieren bestens, vertiefen Figuren und Mitgefühl. Die erweiterte Partitur ist ein köstlicher Musical-Leckerbissen.

Unter Hands’ kluger, sicherer Regie und mit zusätzlicher Arbeit am Buch von Elliot Davis erweist sich das Stück als dieses seltene Wesen: eine Wiederaufnahme, ein Period Piece und zugleich eine Allegorie auf Fragen, die die Gesellschaft noch immer umtreiben – die Distanz zwischen Klassen, die Verlockung des Verbrechens, die erschreckende Art, wie Männer Frauen behandeln, die wahre Bedeutung von Freundschaft, das Erkennen von echtem Gut und echtem Böse. Überarbeitet, erweitert und neu zugeschnitten hat dieses Musical von 1959 dem heutigen Großbritannien viel zu sagen: einen Blick auf Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft – alles zugleich.

Diese Inszenierung zeigt, wie wichtig Barts Beitrag zum britischen Musicaltheater war und ist. Sie wirft zugleich ein Schlaglicht auf die Unzulänglichkeiten des Ansatzes des National Theatre. Barts Werk ist wichtig fürs Repertoire: Es sollte mit den vollen Ressourcen des National Theatre gezeigt werden. Es ist genauso bedeutend wie Hare, Bennett, O’Casey, Stoppard oder zahllose andere Dramatiker; in mancher Hinsicht sogar mehr, weil Bart stets das Leben ganz normaler Menschen spiegelte.

Eines der besten Dinge an dieser Produktion ist, dass sie gängige Weisheiten und falsche Gewissheiten über Musicaltheater konsequent verweigert. Es gibt hier keine „Glamour“-Chorus-Line – weder männlich noch weiblich. Stattdessen stehen da sehr, sehr gute, sehr, sehr sexy Frauen in allen Formen und Größen (von der knisternd schlanken Vivien Carter bis zur üppigen und herrlich vollbusigen Suzie Chard – deren magnificent breasts scheinbar Einsteins Gravitationstheorien trotzen) und füllen jeden Moment mit sinnlicher Freude, träger Glückseligkeit sowie einer schrägen, lustlosen, leicht verblassten Erwartung. Jede ist eine Triple Threat. Sie sind schlicht überwältigend.

Genauso entzückend ist Sarah Middleton als Rosie, die Ingénue, die in Toshers Welt stolpert, für ihn leidet und dann ihren Moment im Rampenlicht bekommt. Sie ist zerbrechlich und sanft; Seide, die über Stahl schimmert.

Ein weiterer großer Pluspunkt ist, dass die Sprache des Stücks sehr konsequent im Jahr 1959 verankert bleibt. All die Farbe, der Glanz, die Frechheit und der Charme der damaligen East-End-Sprache sind intakt – unberührt von den lästigen Tentakeln politischer Korrektheit. Wo sonst würdest du ein Lied mit dem Titel „The Student Ponce“ hören? Der Reichtum, den diese Sprache der gesamten Show verleiht, ist unermesslich befriedigend.

Und nicht nur die gesprochene Sprache ist reich. William Dudleys Bühnenbild und Kostüme verorten Zeit, Klasse und Stil des Stücks wunderschön. Es ist eine glückliche Ehe aus Text und künstlerischer Vision. Ben Omerod leuchtet alles hervorragend aus, und die kluge Nutzung riesiger Videowände sorgt für Atmosphäre und verstärkt die Stimmung – ob angespannt oder heiter.

Doch das Sahnehäubchen, der unerwartete Kick, die wahrhaftigste Dosis göttlichen Feuers kommt mit Nathan M Wrights kraftvoller, sexy, charmant-umwerfender Choreografie. Es ist wirklich selten, dass Tanzschritte zum Verständnis einer Figur beitragen – aber genau das passiert hier. Das Publikum erfährt über Wallace’ Lil durch die Art, wie sie die Schritte tanzt, mehr als in mancher Szene. Dasselbe gilt für Molloys Horace und Stefan Booths reifen, überraschenden Tosher. Eigentlich für das gesamte Ensemble. Durchgehend liefern Gary Watson und Stevie Hutchinson großartige Fußarbeit, technisch beeindruckend und als Hintergrunddetail wunderbar.

Wrights cleverste Arbeit zeigt sich in seiner Behandlung von „Where It's Hot“, die Christopher Ryan – der durchgehend in bester komischer Form ist – die Chance gibt, als Red Hot die Bühne zu stehlen. Doch auch die großen Nummern sind ebenso beeindruckend, und obwohl die Bühne klein ist, wirken die Choreografien nie überladen oder beengt: Sie funkeln unablässig.

Es stimmt, dass Gary Kemp und Mark Arden nicht so umwerfend sind wie einige andere aus dem Ensemble, aber das fällt kaum ins Gewicht. Mit so vielen köstlichen komischen Einfällen – Carter und Will Bartons Myrtle und Percy sind schlicht genial – fällt das etwas zurückhaltendere Spiel der beiden männlichen Hauptdarsteller kaum auf.

Hands ist eine wunderbare, beglückende und ziemlich triumphale Wiederaufnahme eines Stücks gelungen, das oft übersehen und als „altmodisch“ abgetan wird. Das Leben, die Schönheit und das pure Vergnügen, das von der Bühne pulsiert, verdient eine sehr, sehr lange Laufzeit.

Wenn doch nur mehr Fings so wären – wie früher.