KRITIK: Finding Neverland, Lunt-Fontanne Theater ✭✭✭✭✭

Finding Neverland

Lunt-Fontanne-Theater

5 Sterne

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Der gefeierte Dramatiker J.M. Barrie hat eine Schreibblockade. Unter Druck seines aufdringlichen amerikanischen Produzenten, ein neues Stück zu liefern, kämpft er darum, neue Richtungen zu finden. Er hat sich mit vier Jungen angefreundet, deren Vater im vergangenen Jahr unerwartet gestorben ist. Er erlebt mit ihnen lustige Abenteuer in den Kensington Gardens, spielt Piraten und Cowboys und Indianer und dergleichen, entkommt seinem eigenen Leben, während er ihnen hilft, ihren eigenen Weg zu finden, vor allem Peter, einem der vier, der am stärksten versucht, seine Kindheit hinter sich zu lassen, um frühzeitig in die Erwachsenenwelt einzutreten, weil er denkt, dass Erwachsene weniger Schmerz empfinden.

Eines Tages hat Barrie intensiv mit den Jungen gespielt und sie nach Hause gebracht, wo sie ins Bett gehen müssen. Sie sind sehr aufgeregt und ihre ruhelose Energie treibt sie in Hyperaktivität. In einem Augenblick, ohne Vorwarnung, sieht Barrie die Welt anders, und so auch wir. Ein Sternenfeld bedeckt die Bühne und plötzlich, unmöglich, fliegen die Jungen, während sie spielen. In bezaubernder Momente unerwarteten theatralischen Überraschungen ist dieser Moment, wenn der Samen der Abenteuer von Peter Pan und den verlorenen Jungen gesät wird, sehr hoch auf der Wunderschale. Niemand atmet, während diese Jungen fliegen, niemand macht ein Geräusch. Die Verkörperung von reiner, atemberaubender Wunder ist zu perfekt, zu bedeutsam, um auch nur einen Herzschlag davon zu verpassen.

Harvey Weinstein war ein Förderer der Adaption des erfolgreichen Films „Finding Neverland“ für die Musical-Theaterbühne. Vor einigen Spielzeiten wurde eine ziemlich schöne Version im Leicester Curve aufgeführt, aber Weinstein war damit nicht zufrieden und entschloss sich, das Projekt mit einem neuen Kreativteam von vorne zu beginnen. Das Ergebnis dieser Entscheidung ist nun in den Voraufführungen im Lunt-Fontanne-Theater zu sehen.

Es ist eine kuriose, wahre Geschichte. Bevor er „Peter Pan“ schrieb, traf J.M. Barrie Sylvia Llewellyn Davies, eine Witwe, und ihre vier Jungen und formte eine enge, manche sagen ungesunde, Beziehung. Einer dieser Jungen, Peter, war Teil der Inspiration für den Charakter des Jungen, der niemals erwachsen wird. Sylvia starb, während die Jungen noch jung waren, und Barrie sorgte für sie, als wären sie seine eigenen Söhne, eine Handlung, die für Barrie nicht ohne Konsequenzen blieb. Dieses Gerüst wird hier angereichert und erweitert, aber keine der Auswirkungen der Entscheidungen, die die zentralen Figuren treffen, wird geschwächt. Überwältigend ist dies eine Geschichte über reine Liebe, reine Vorstellungskraft und reines Genie.

Walt Disney strebte immer danach, Magie zu schaffen, zu begeistern, zu verzaubern, Emotionen zu enthüllen, wenn er Filme für Kinder, sowohl junge als auch alte, machte. Disney wäre stolz auf Weinsteins Beharrlichkeit und die Leistung der außergewöhnlichen Diane Paulus (Regie), James Graham (Buch), Gary Barlow und Eliot Kennedy (Musik und Liedtexte), David Chase (musikalische Leitung), Simon Hale (Orchestrierungen), Scott Pask (Bühnenbild), Suttirat Anne Larlarb (Kostüme), Kenneth Posner (Beleuchtung), Jonathan Deans (Sound), Paul Kieve (Illusionen) und Mary-Mitchell Campbell (Dirigent) - jeden Einzelnen von ihnen.

Denn „Finding Neverland“ ist ein wahrhaft magisches Musicalerlebnis. Wirklich. Magisch.

Die Musik ist lebhaft und wirklich wunderschön. Von Balladen über wilde Jungslieder und große, großzügige Ensemblestücke, bis hin zu einem außergewöhnlichen Hymne oder zwei - Barlow und Kennedy liefern wirklich die Ware ab. Es gibt eine wunderbare Nummer im zweiten Akt, Play, die beinahe die Show stoppt - in der Tat, wenn die Orchestrierung zum Ende des Songs deutlicher und kraftvoller wäre, würde sie es definitiv tun. Die Nummern, die man immer und immer wieder hören möchte, kommen Schlag auf Schlag: Believe, We Own The Night, All That Matters, Sylvia's Lullaby, Neverland, Circus of Your Mind, Stronger, What You Mean To Me und das hervorragende When Your Feet Don't Touch The Ground. Die gesamte Partitur hat eine Form, eine Klangfarbe, die perfekt zur Epoche passt, in der die Erzählung spielt, aber dennoch frisch und lebendig wirkt.

Grahams Buch ist wunderbar theatralisch und direkt. Es gibt Theaterwitze, metareferenzen und wissende umgangssprachliche Anspielungen; aber mehr als das, erzählt er die traurige Geschichte der Llewellyn Davies Jungen knackig und klar, ohne auf rührselige Sentimentalität zurückzugreifen. Clever und mit großem Herzen beschreibt Graham, wie die Jungen Barrie heilen und seine Schreibblockade lösen, während er gleichzeitig sie heilt und ihnen hilft, ihre tragischen Verluste zu verarbeiten.

Gegen diese sehr persönliche, sehr komplizierte emotionale Geschichte stellt Graham die hochtheatralische Welt des Theaters und derer, die es bevölkern – der Produzent, die Schauspieler, die Bühnenleitung, die Crew. Auf verschiedene Weise wird dem Leben Vorstellungskraft gegeben und die parallele Darstellung, wie das vor sich geht, ist sorgfältig, humorvoll und mutig gemacht. Fein gezeichnete Charakterisierungen, kluge und schnelle Szenengestaltungen, ein langsam brennender Schmerzdocht, während sich die Tragödie entfaltet und Möglichkeiten zur Erlösung öffnen sich – Graham schreibt mit Einsicht und Bewusstsein und produziert ein Buch, das endlos überraschend und befriedigend ist. Es könnte wohl sein bestes Werk für die Bühne sein.

Paulus sorgt dafür, dass der Sinn für Staunen und Magie im Fokus bleibt, sei es bei den Flugkapriolen verschiedener Figuren, dem plötzlichen dramatischen und völlig unerwarteten Erscheinen von Captain Hook, der Art und Weise, wie Feen und Tinkerbell dargestellt werden, die bezaubernde Arbeit der Kinderdarsteller, die Schöpfung von Captain Hooks Schiff aus dem Nichts oder die absolut atemberaubende Szene, in der Sylvia die sterbliche Welt in einem Schauer glitzernder, windiger Verzauberung verlässt. Alles an der Art und Weise, wie das Stück inszeniert ist, ist schillernd, aufregend und mitreißend. Es wird ein hartes Herz brauchen, um nicht einen großen Teil des zweiten Akts in Tränen aufgelöst zu sein, so wahr und roh und völlig verständlich sind die aufrichtigen Ausdrücke von Freude und Schmerz auf der Bühne. Paulus ist ein Genie. Unbestreitbar.

Scott Pasks grundlegendes Bühnenbild ist bemerkenswert und kombiniert den Eindruck der Kensington Gardens, das Konzept des Schreibens, die Vorstellung von Theater und verschiedene Aspekte der Peter-Pan-Geschichte in einem feststehenden bunten Bühnenbild. Er fügt detaillierte Flats hinzu, die reich dekoriert sind, oder wunderschöne Rücktücher, um verschiedene Räume zu schaffen. Das Schlafzimmer der Jungen evoziert natürlich und wird dann das Schlafzimmer, in dem die Darling-Kinder wohnen. Die Szene, in der die Jungen Peter's Stück aufführen wollen, ist einfach und klug gemacht und die Hinterbühnen-Theaterszene, in der Barrie und Sylvia ihre Anziehungskraft gestehen und Schattentanz tanzen, ist einfach bezaubernd, nicht gering unterstützt durch Posners prächtige Beleuchtung. Die Show sieht so wunderschön strukturiert aus, wie die Partitur klingt.

Die jungen Männer, die die Llewellyn Davies Jungen spielten, waren einfach fabelhaft. Aidan Gemme fing die verlorene Natur von Peters Seele bewundernswert ein, ebenso wie sein Zorn und seinen Groll, die alle unter den Fürsorge von Matthew Morrisons Barrie dahin schmolzen. Er hat eine süße, wahre Stimme und eine eindrucksvolle Bühnenpräsenz. Alex Dreier war ein fabelhaft ungestümer Michael und Sawyer Nunes ein sanfter, aber bestimmter George. Seine Verlegenheit über das wunderschöne Lächeln seines Mädchens und die Art und Weise, wie er seine Großmutter in ihre Schranken wies, waren Momente der wahrhaftig erkannten Wahrheit. Lebhaft und listig war Christopher Paul Richards ein perfekter Jack.

Zusammen waren die vier als Brüder sehr glaubwürdig, ihre Kameradschaft und Rivalität exzellent dargestellt. Es gab keinen falschen Übermut bei ihnen; vier begabte, natürliche und aufrichtige Talente.

Carolee Carmello ist glorreich eindrucksvoll als Matriarchin des Llewellyn-Davies-Haushalts. Sie singt wie gewohnt hervorragend, ihr Ton ist reich und schwelgerisch, ihre Noten sind klangvoll und rein. Sie beginnt als sehr harte Nuss, aber das Plutonium-Äußere löst sich im Laufe des Stücks auf und sie wird die Mutter ihrer Tochter und die Großmutter ihrer Enkel – eine wunderschön durchdachte Darbietung.

Als die tragische Sylvia ist Laura Michelle Kelly wunderschön und voller Anmut. Mütterlich und liebevoll ist ihre Sylvia völlig hinreißend. Sie singt mit einem strahlenden und klaren Klang, ihre puren, ausdrucksvollen hohen Töne sind mitreißend. Ihre Beziehung zu Morrison ist außergewöhnlich und sorgfältig aufgebaut bis zur atemberaubenden Schattentanz-Sequenz. Sie ist auch hervorragend mit den Jungen und ihre Wärme beginnt den Prozess, der Carmellos inneren gnädigen Granny entfesselt. Kelly ist ein kompletter Genuss.

So auch Kelsey Grammar, der den temperamentvollen, anspruchsvollen Charles Frohman spielt, den Produzenten, der verzweifelt ein neues Stück von Barrie will. Er ist urkomisch - "Kinder sind wie Soufflés: nutzlos, bis sie aufgegangen sind" - und nimmt die Rolle mit beiden Händen und schüttelt jeden Hinweis und jedes Kichern daraus. Etwa zwei Drittel des Weges durch den ersten Akt fragt man sich kurz, warum er die Rolle angenommen hat, aber dann gibt es eine Wendung, die alles perfekt verständlich macht. Als Barries Konzeptualisierung von Captain Hook ist Grammar herausragend gut. Er singt ebenso gut wie er spielt, mit Begeisterung, Schwung und echtem Stil.

Das Ensemble ist durchweg fabelhaft, mit herausragenden Leistungen von Chris Dwan, Josh Lamon, Paul Slade Smith und Jack als der Publikumslieblings-Hund, Porthos.

Ohne Frage ist jedoch der Star hier Matthew Morrison, der eine überaus energiegeladene Darbietung als der gequälte Dramatiker J.M. Barrie gibt. Kurioserweise verwendet er einen guten schottischen Akzent für den Dialog, lässt ihn aber beim Singen fallen, Morrison bringt Ernsthaftigkeit und Intensität in jede Szene. Es ist eine völlig engagierte Performance, voller Charme und dieser unaussprechlichen väterlichen Süße, die gute Väter benötigen. Seine Arbeit mit den Jungen ist wunderbar zu beobachten (diese Glee-Jahre zahlen sich aus) ebenso wie seine Chemie mit Grammar, Kelly und Caremllo. Er ist witzig und scharfsinnig, tanzt mit Elan und Geschicklichkeit und singt mit einem dröhenden, sicheren, weitreichenden Bariton, der volltönend und unerschütterlich ist. Diese Rolle ist ein Übergang für Morrison, vom talentierten Nebendarsteller zum echten Broadway-Star. Als J.M. Barrie ist er besser als je zuvor.

Diese Saison bietet eine breite Auswahl an Stilrichtungen bei neuen Musicals auf Broadway. „Something Rotten“ ist das ansteckend lustige; „An American In Paris“ ist das üppig tanzgetriebene, romantische; „Hamilton“, das genrerevolutionierende, spannende; „Fun Home“, das intellektuell befriedigende; „It Shoulda Been You“, das charmante, süße; „Dr Zhivago“, die exotische Romanze; und „The Visit“, ein Beispiel dafür, wie Inhalt die Form herausfordert.

„Finding Neverland“ ist das magische; dasjenige, das Ihr inneres Kind nährt und freisetzt. Lassen Sie Ihr inneres Kind nicht eingesperrt - fliegen Sie, um ein Ticket zu bekommen. Verkaufen Sie Ihren Schatten, wenn nötig.

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