KRITIK: F*ck The Polar Bears, Bush Theatre ✭✭

F*ck Die Eisbären

Das Bush Theatre

14. September 2015

2 Sterne

Es besteht kein Zweifel daran, dass die Welt jetzt Theaterstücke braucht, die sich intensiv mit dem besorgniserregenden Thema unserer Umwelt auseinandersetzen und was, wenn überhaupt, jeder von uns tun kann, um irgendwie einen Unterschied zu machen, so klein er auch sein mag, für die Zukunft dieser Umwelt und dadurch helfen, diese zukünftige Umgebung für unsere Kinder und Kindeskinder zu gestalten.

Keine Zweifel.

Farben, Komödien, Sitcoms, Dramen, Allegorien, Tragödien, Geheimnisse, Liebesgeschichten, absurdes Werk, avantgardistische Ansätze – das Thema ist so wichtig, jede Form kann Fackelträger für Konversation und Veränderung sein. Je mehr das Publikum mit dem Thema konfrontiert und beschäftigt wird, desto mehr Hoffnung besteht auf ein gemeinsames Verständnis und Handeln.

In ihrem neuen Stück „F*ck Die Eisbären“ macht Tanya Ronder darauf aufmerksam, dass die Bürger von Pompeji nicht völlig unvorbereitet vom Ausbruch des Vesuvs überrascht wurden. Sie hatten tagelang Warnungen, lang genug, dass einige Älteste in die Hügel zogen, die Zivilisation, wie sie sie kannten, aufgaben, um Sicherheit und Leben zu gewährleisten. Gordon, ein Millionärsmanager eines Energieunternehmens, hat eine Art Nervenzusammenbruch und sinniert mit seiner Trophäenfrau:

„Wenn Sie diese Leichen aus Pompeji fragen würden, ob sie die Zeit noch einmal hätten, würden sie bleiben oder auf die Alarmglocken hören und weglaufen – was würden sie sagen?“

Eigentlich ist es eine clevere Frage, elegant und stimmig. Aber es reicht nicht aus, um 100 Minuten Theaterzeit zu tragen.

Ronders Stück, das jetzt im Bush Theatre aufgeführt wird, zumindest unter der Regie von Caroline Byrne, ist genauso zerrissen, zerstreut und unzusammenhängend wie seine Charaktere, von denen alle neurotisch oder von etwas besessen sind. Als Ganzes scheint es nicht zu wissen, was es sein oder darstellen möchte.

Es fühlt sich wie eine Farce an, wie es sich abspielt. Dennoch wird es als „ein ausgelassenes Familiendrama über die Kosten des Lebens unserer Träume“ beschrieben. Seltsame und unverständliche Dinge passieren den Charakteren und in ihrem Umfeld, aber hauptsächlich werden sie nicht auf Lacher gespielt. Der Schauspielstil tendiert größtenteils zum Realismus, obwohl die Situation nicht realistisch ist. Es herrscht eine solch ernsthafte Ernsthaftigkeit beim Schauspielern, dass die Lacher selten und gedämpft sind, und es ist schwierig, in die Erzählung vertieft zu sein.

Ronder wirft zu viele Themen in den Topf, sodass keines davon genügend Aufmerksamkeit bekommt. Gerade als ein Erzählfaden scheinbar irgendwo hinführt, wird er abgeschnitten. Dies gilt besonders für die Geschichte des genesenden Drogenabhängigen, aber auch für die komplexe Beziehung zwischen dem Zentralpaar, dem Ehemann und der Ehefrau, um die sich alles dreht.

Die Handlung ist dünn. Gordon und Serena wollen ein prächtiges neues Haus am Fluss kaufen, eines mit eigenem Steg. Serena befürchtet, dass Gordon nicht genug Geld verdient, um zu verhindern, dass sie überboten werden. Er verhandelt einen neuen Vertrag bei dem Energieunternehmen, für das er arbeitet; er muss den amtierenden CEO stürzen und seinen Platz einnehmen und dann ein Gehalt von £2,4 Millionen (plus Boni) genießen. Der Steg scheint sicher.

Geld und Wahrnehmung treiben das Paar an. Sie streiten unaufhörlich und scheinen sich nicht zu verstehen. Ihr Leben ist verschwenderisch, in Mode und wegwerfbar. Trotz der drängenden Bitten von Blundhilde, der Au-Pair, die bei ihnen wohnt, sich um ihr Kind Rachel kümmert und endlos versucht, sie und den Haushalt in energie- und umweltsparende Recycler umzugestalten, stolpern sie weiter: Sie sind die Pompeiische Obrigkeit, die die Zeichen des herannahenden Vulkans nicht beachten.

Fügen Sie Gordons Bruder Clarence hinzu, einen sich erholenden Heroinabhängigen, der wieder Verbindung zu seinem Bruder aufnehmen möchte, eine Eier werfende vegane Lesbe, einen wütenden kackenden Hamster, einen vermissten Plüsch-Eisbären, Lichter, die endlos ausfallen, Telefone, die sich nicht aufladen lassen, einen Trockner, der nicht trocknet, ein gestohlenes geheimes Dokument und eine unvorstellbar große Menge Pizza, und die lächerliche, aber zweifellos verrückte und zerfallende Welt von Gordon und Serena wird deutlich.

Das Potenzial für eine Farce könnte nicht klarer sein – dennoch wird das Stück nicht so präsentiert.

Keiner der Charaktere ist sympathisch oder warm, außer Clarence. Brunhilde ist doppelzüngig und bombastisch, und Gordon und Serena sind moralisch und emotional bankrott. Die Punkte, die Ronder machen möchte, wären vielleicht mit sympathischeren und nachvollziehbareren Charakteren besser bedient; sie hätten definitiv von mehr Lachen profitiert.

Wenn die Rhetorik kommt, wie Lava aus dem Vesuv, ist sie unvermeidlich, erstickend und erschöpfend. Dies dämpft die Wichtigkeit ihrer Botschaft und die Chancen, dass die Botschaft wirklich ankommt. Es ist eine vertane Chance.

Ein Schlüsselmoment veranschaulicht die Mängel. Blundhilde verliert die Fassung und schreit ihre Arbeitgeber an, belehrend über den Kontrast in ihrem Leben:

„Scheiße. Ich spare alles, das kleinste Plastikstück, ich spare, ich habe Stapel von Minzverpackungen in meinem Zimmer, die darauf warten, heruntergebracht zu werden, ich hole Toilettenpapierrollen aus dem oberen Mülleimer. Ich zerbreche mir den Kopf darüber, wo ich die Brotdose hinstellen soll, wenn Essensreste an den Seiten haften, gehören Kaffeetassen in Plastik oder Papier, was mache ich mit Notizbüchern, wenn der Karton diese Kunststoffschicht hat. Quittungen mit Heftklammern, lange Filme mit klebenden Etiketten, Küchenrollen, gepolsterte Umschläge ... Ich wette, das ist voll von Zeug, das ihr nicht getrennt habt.“

Es ist ein spezieller Ausbruch, mit dem Potenzial, entweder urkomisch oder verheerend (ein Weckruf) zu sein. Aber so, wie es hier dargeboten wird, ist es nur ein schrecklicher Schwall von verwirrten und verwirrenden Geräuschen, die Worte gehen in einer unkontrollierten Explosion verloren. Wenn man nicht versteht, was gesagt wird, wie soll man da hoffen, den Punkt zu verstehen, was gesagt wird?

Und das ist hier Byrnes Kennzeichen – unkontrollierte Verwirrung. Emotionen und Charaktere ebben und fließen in einem Strom von Inkonsistenz. Mehr Kontrolle, ein klareres Paradigma für die Aufführungen, Subtilität und Ausschweifung (aber koordiniert, aus einem klaren Grund) und, am kritischsten von allem, ein definiertes Ziel. Wahrscheinlich gibt es eine ziemlich gute absurde Farce im Verborgenen in Byrnes „Familiendrama“. Aber sie ist gut versteckt.

Jon Foster ist ziemlich berührend als der erholsame Heroinabhängige, der kommt, um umsonst für seinen unermesslich reichen und abscheulichen Bruder zu malen. Sein Schamgefühl und seine Reue sind gut beurteilt, ebenso wie der kleine Unfug, der immer noch in seinen Augen funkelt, wenn ein hübsches Mädchen um einen Gefallen bittet. Es ist ein sehr realistisches Porträt eines Charakters im Übergang. Trotzdem passt die Rolle wirklich nur in die Gesamtthemen, wenn Clarence als eine Art mäßigende Kraft zwischen der gleichmütigen Gleichgültigkeit von Gordon und Serena und der wohlmeinenden Anarchie von Brunhilde eingesetzt wird, was nicht oft der Fall ist. Andernfalls ist Clarence wie ein Sklave aus Pompeji – selbst wenn er etwas über das drohende Desaster tun könnte, ist er machtlos zu handeln.

Die anderen Erwachsenen in der Besetzung, Andrew Whipp, Susan Stanley und Salóme R Gunnarsdóttir, können sich nicht über das schwermütige Schreiben oder die abschweifende Regie erheben. Ihre Charaktere haben viel gemeinsam mit den mittleren Ayckbourn-Charakteren – an einem Punkt (unter Einbeziehung von Hamsterkot und Gestalt wandelnden Eisbären) war es fast unmöglich, die Erinnerungen an Absurd Person Singular und die dort erreichten Höhen zu verscheuchen. Aber hier, anders als dort, unzureichende Absurdität des Charakters und Individualität des Geistes, sogar innerhalb klarer Typen, bedeutete mehr Verblasen als Explodieren. Eine Schande.

Chiara Stephenson bietet ein interessantes, wenn auch etwas veraltetes Konzept eines übermäßigen häuslichen Lebens mit einem Set, das funktional, aber vielleicht etwas zu clever ist. Ein- und Ausgänge schienen gekünstelt und, als der Moment kam, war es wirklich traurig, dass wir nicht die Ergebnisse des Eierwerfens der wütenden veganen Lesbe (oder im Übrigen Clarences Neugestaltungsarbeiten) sahen. Tim Deiling schafft es, einen ständigen apokalyptischen Effekt mit der Beleuchtung zu erzeugen, selbst wenn die Bühne mit Licht überflutet ist – eine clevere und sehr effektive Leistung.

Diese Inszenierung von F*ck Die Eisbären tut dem Text keine besonderen Gefallen und wird wahrscheinlich keine Diskussion oder Reflexion hervorrufen. Der aufsehenerregende Titel deutet auf ein Niveau von tumultuarischer Unterhaltung hin, das nie in Sichtweite, geschweige denn erreicht wird. In Byrnes Händen ist es eher lächerlich als ausgelassen.

Aber Ronders Hinweis auf Pompeji wird Sie danach mit Sicherheit heimsuchen.

F*ck Die Eisbären läuft im Bush Theatre bis zum 24. Oktober 2015