KRITIK: Farinelli And The King, Sam Wanamaker Playhouse ✭✭✭✭

Melody Grove und Sam Crane in Farinelli und der König. Foto: Marc Brenner Farinelli und der König

Sam Wanamaker Theatre

4. März 2015

4 Sterne

Der König liegt im Bett und angelt. Nicht nach Komplimenten, sondern nach Fischen. Nun, einem Fisch. In einer Goldfischschale. Träumt er? Ist er verrückt? Bipolar? Die Königin versucht, ihn zu beruhigen, seine Barrieren zu durchdringen, ihn mit Liebe, Geduld und Verständnis zu erreichen, damit er aus seiner Dunkelheit auftaucht und wieder über Spanien herrscht, wieder der Enkel des französischen Sonnenkönigs wird. Aber sie kann ihn nicht erreichen. Auch sein Rat nicht, der mit Einschüchterungen und Drohungen einer Absetzung versucht, ihn aus seiner Apathie zu holen, anstatt mit Liebe, Respekt oder Verständnis. Keine Taktik funktioniert.

In Verzweiflung geht die Königin fort. Während sie außerhalb Spaniens in Sorge ist, hört sie den berühmten Opernstar Farinelli singen. Seine himmlische, ätherische, beruhigende, unglaubliche Musikalität berührt sie auf eine Weise, die sie kaum begreift. Sie kommt auf einen Plan. Könnte Farinellis außergewöhnliche Stimme den verstörten Geist ihres Mannes, ihres Königs, entlasten?

Die Antwort gibt es im Sam Wanamaker Theatre, wo Claire van Kampens neues Stück, Farinelli und der König, seine Premierensaison hat, in einer Inszenierung unter der Regie von John Dove. Es ist ein leichtes, aber sehr schönes Stück, perfekt geeignet für die intime Pracht des Raumes und völlig berauschend, so perfekt abgestimmt ist alles daran.

Die Kerzen, die die Bühnenbeleuchtung liefern, tränken das Geschehen in ein warmes, bernsteinfarbenes Leuchten, das perfekt zum Kern der Erzählung passt. Die Musik wird prachtvoll dargeboten, mit talentierten Musikern (Robert Howarth, John Crockett, Arngeir Hauksson und Jonathan Byers) und William Purefoy mit entzückender Stimme als der titelgebende Castrati für alle Jahreszeiten, Farinelli. (Purefoy teilt sich die Rolle mit Iestyn Davies).

Ein cleverer Kunstgriff wird mit der Rolle des Farinelli angewandt. Der talentierte Sam Crane übernimmt die schauspielerische Belastung, aber wenn es Zeit zu singen ist, wird er entweder auf der Bühne begleitet oder dort durch Purefoy ersetzt, der exakt zu Crane gekleidet ist. Clever trennt dieser Kunstgriff die Stimme vom Mann und repliziert Farinellis schmerzhaftes Kastrationserlebnis als zehnjähriger Junge. Der Mann konnte diese Stimme nicht haben; die Stimme ist unnatürlich; die Stimme ist aus dieser Welt. Sowohl in Bezug auf die Themen, die das Stück berührt, als auch auf die Theatralik des Spiels ist diese Dualität in der Darstellung von Farinelli inspirierend. Sie erlaubt das beste Schauspiel und den besten Gesang.

Purefoy hat einen starken, reichen und beweglichen Countertenor. Es ist eine Freude, ihn zu hören. Der Klang seiner Stimme ist verführerisch; voller ausdrucksstarker, rauchiger Töne sowie geschickten Verzierungen und beeindruckendem Zierrat. Die gehaltenen Passagen sind ordentlich unterstützt und energetisiert, und es gibt keine der faulen Gleichgültigkeit gegenüber der Klangproduktion, die in weniger versierten Stimmen dieser Art gefunden werden kann. Was auch gut ist, denn nichts könnte dieses Werk retten, wenn der Gesang des Countertenors nicht großartig wäre.

Sam Crane ist in hervorragender Form als der zurückhaltende Opernstar. Unsicher über sich selbst, wenn er nicht im Kostüm, auf der Bühne und vor einem Orchester steht, ist Cranes Farinelli eine sanfte, freundliche und gequälte Seele. Es ist klar, dass er seine Hoden sofort zurückhaben würde. Der Glanz von Ruhm und Reichtum zieht ihn nicht so sehr an wie normal zu sein, Teil einer Familie zu sein, etwas Gutes zu tun.

Crane bringt all diesen Hintergrund durch eine gewinnende Aufführung in den Vordergrund, die ebenso viel darüber aussagt, wie er steht oder wie sein Gesicht gestaltet ist, wie über seine Beherrschung der Sprache. Es ist eine komplexe und vielschichtige Aufführung, voll von Nuancen und Charme; lustig ebenso wie bewegend. Seine Rede über sein Operndebüt in London ist der Höhepunkt des Stücks. Crane zeigt klar den Schmerz und die Einsamkeit von überwältigendem Ruhm.

Als Isabella, Philippe V.s zweite Frau, ist Melody Grove in jeder Hinsicht bezaubernd. Sie zeigt mühelos ihre Hingabe und Loyalität gegenüber ihrem Mann, und Sie würden jederzeit auf sie gegen den Rat des Königs setzen: Sie mag schön und zurückhaltend erscheinen, aber die Flammen ihrer Leidenschaft brennen tief. Ihre Rede über die Herrlichkeit von Farinellis Gesangsarbeit wird fachmännisch, aufregend dargeboten. Die delikate, komplizierte Beziehung zwischen Isabella und Farinelli wird von Grove und Crane, die perfekt aufeinander abgestimmt sind, berührend beleuchtet. Großzügige, detailreiche und elegante Darbietungen.

Edward Peel ist als der überhebliche und irritierende Granden Spaniens, De la Cuarda, der Funktionär, der seinem verwirrten Monarchen misstraut, angemessen. Als Doktor Cervi und Metastasio haben Huss Garbiya und Colin Hurley wenig zu arbeiten, aber beide machen sich gut, als idiosynkratische Insider im handlungsarmen Narrativ etwas zusätzliche Interesse hinzuzufügen.

Van Kampens Stück ist eine wunderschöne Konfektion und es berührt interessante Themen: die heilende Kraft der Musik; die Frage der „Hohen Kunst“ und des Zugangs der Gemeinschaft dazu; Schönheit in unnatürlicher Form; die Beziehung zwischen Schmerz und Größe. Dies sind alles interessante Facetten des zentralen Juwels in van Kampens Krone: die einzigartige, besondere Beziehung zwischen Farinelli und Philippe. Beide Männer betrachten sich als an ihren Positionen aus unnatürlichen Gründen: Farinelli aufgrund seiner Kastration, Philippe, weil Großvater Sonnenkönig ihn für seinen Posten ausgewählt hat. Beide Männer leiden unter der unnatürlichen Bürde, die sie tragen.

Ebenfalls kommen beide dazu, die Tugenden, Errungenschaften und Fähigkeiten des anderen zu schätzen und sich durch sie zu heilen. Es gibt eine reizvolle Szene im zweiten Akt, in der Philippe Farinelli dazu bringt, für die lokalen Gemeinschaften des Waldes, in dem sie gelebt haben, zu singen, sich mit der Natur und der Musikalität der Sphären im Himmel zu verbinden. Es ist ein wichtiger Moment für beide Männer: Philippe signalisiert, dass er das Interesse seiner Frau an der Oper unterstützt und es der Masse zugänglich macht; Philippe schlägt vor, dass Farinelli wieder öffentlich auftreten sollte und versteht, warum sein Geschenk von vielen genossen werden sollte; und Farinelli erkennt, dass seine Arbeit in der Heilung des Königs so weit gegangen ist, wie sie wahrscheinlich gehen wird.

Im Programm sagt van Kampen: „Die Rolle des Königs ist eine sehr spezielle, da der Schauspieler den Geist und Körper eines schwer gestörten Mannes bewohnen muss, der aber sehr geliebt wird. Ich muss sagen, dass der Gedanke, Mark 1988 und 2000 Hamlet spielen zu sehen, für mich entscheidend war, diese Rolle zu kreieren; Hamlet benimmt sich gegenüber allen in dem Stück (außer Horatio) appalierend, aber das Publikum kümmert sich die ganze Zeit um ihn. Das ist natürlich Shakespeares Genie, aber Marks Fähigkeit, solche Rollen (wie Johnny ’Rooster‘ Byron in Jerusalem 2011) zu spielen, hat ihn fest in meinem Kopf im Zentrum dieses Stücks platziert.”

Kein Zweifel. Rylance ist mit van Kampen verheiratet und sie hatte viele Jahre, um über seine vielen großartigen Attribute als Schauspieler nachzudenken und zu reflektieren. All dies spiegelt sich klar im Schreiben wider: die Rolle des Philippe ist für einen wankelmütigen, anmutigen Schauspieler, der wie ein Zweijähriger schmeicheln und wie ein einfallender Tyrann brüllen kann, alles in einem vollständigen, komplexen und ständig wechselnden Porträt der Dysfunktion.

Rylance ist auf jede Weise exzellent, besonders im Sinne der demütigen Toleranz, die den rationaleren Aspekten seines Philippes zugrunde liegt. Er ist sehr witzig, aber auch der Schmerz und die Schwierigkeit der Depression werden scharf vermittelt. Es gibt Momente, in denen Philippe sich gegen Isabella wendet und sie verletzt, fast ihr Handgelenk bricht oder ihre Lippe beißt; diese sind rein wilde Momente, getrieben von glühendstem Zorn aus Wahnsinn geboren, und Rylance führt sie großartig aus.

Mit leichtem Touch und offenem Auge für komische Möglichkeiten zeigt Rylance deutlich den Kampf des Königs mit dem Verstand und der Pflicht. Er durchbricht oft die vierte Wand, immer mit guter Wirkung, und seine ekstatische Reaktion auf die Musik, die Farinelli macht, ist wirklich inspirierend. Es ist gut, ihn endlich die Bretter der Sam Wanamaker-Bühne betreten zu sehen.

Jonathan Fensom liefert ein cleveres und ziemlich prächtiges Design für die Produktion. Seine Lösung für die Waldszenen im zweiten Akt war besonders gut. Die Kostüme sind wunderbar detailliert und farbenfroh – Isabellas Kleid in den Waldszenen ist atemberaubend schön.

Doves Produktion ist zart und herrlich. Das Stück wird die Welt nicht verändern und es repräsentiert auch nicht unbedingt das wahre historische Bild treu, aber es ist liebenswert und strahlt Wärme und Freude aus. Gutes Geschichtenerzählen, hervorragendes Schauspiel und enorme Musikalität – ein kraftvoller Cocktail und eine sehr glückliche Zeit im Theater.

Farinelli und der König wird am 14. September 2015 ins Duke Of York's Theatre wechseln