REZENSION: Encounter, Above The Stag ✭✭✭✭✭

Von links nach rechts: Penelope Day, Alexander Huetson, Adam Lilley. Fotokredit: Scott Rylander Encounter

Above The Stag, Vauxhall

25/10/15

5 Sterne

Tickets kaufen Above the Stag, unter den Eisenbahnbrücken von Vauxhall, ist bekannt für sein sorgfältig programmiertes, schwul-thematisiertes Repertoire, doch ebenso wichtig für seinen wachsenden Ruf und Erfolg ist die Tatsache, dass Peter Bull und sein Team alle Shows im eigenen Haus produzieren. Dies gewährleistet konsistente Produktionswerte, die eine Mischung aus bemerkenswertem neuen Schreiben, gezielten Revivals von zu Unrecht vernachlässigten Stücken und pikant-unterhaltsamen Musicals oder Pantomimen priorisieren. Platz-, Budget- und Probenzeitbeschränkungen werden regelmäßig in kreative Möglichkeiten verwandelt, die dem Publikum kontinuierlich lohnende, zum Nachdenken anregende, lustige und dennoch intime Erlebnisse bieten. All diese Qualitäten sind in der hervorragenden neuen Show Encounter sehr stark präsent, die Noel Coward und David Leans Nachkriegsfilm Brief Encounter als Inspiration nimmt und ein feines Drehbuch und einige herausragende schauspielerische Leistungen präsentiert. Es wird oft argumentiert, dass die Stücke von Coward, Rattigan und Tennessee Williams Fallstudien einer verdrängten Sexualität bieten, in denen der Dramatiker seine eigene Homosexualität in den Erfahrungen heterosexueller Paare untertaucht, um Begegnungen indirekt zu erkunden, die zu jener Zeit niemals direkt inszeniert werden konnten. Auch wenn für diese Interpretation etwas zu sagen ist (insbesondere im Fall von Rattigans The Deep Blue Sea), ist es in der Regel viel komplizierter als das.

Alexander Huetson, Adam Lilley, Christopher Hines Fotokredit: PicsByGaz.com Sicherlich waren in diesem Fall Cowards Charaktere voll ausgebildet, zuerst als Vehikel für sich selbst und Gertrude Lawrence im Kurzspiel Still Life und später in den Rollen, die im Film von Celia Johnson und Trevor Howard berühmt gemacht wurden. Aber das bedeutet nicht, dass das Umkehren der Charaktere in zwei schwule Männer in irgendeiner Weise der Ästhetik des Originals fremd ist, die hier originalgetreu wiedergegeben wird.

Denn das Drama ist genauso eine Darstellung des unerträglichen Drucks, unter dem gewöhnliche Menschen am Ende des Krieges 1947 standen, wie es eine einfache, vereitelte Liebesgeschichte ist. Rationierungen, erzwungene Sparmaßnahmen, schlechte Volksgesundheit, riesige Ungleichheiten von Klasse und Wohlstand und Bildungschancen sind alles Themen, die durch das Original liefen und hier in Phil Willmotts subtiler Überarbeitung zurückkehren. Der Sieg schien kaum besser als die Niederlage. Hinzu kommt das Korsett unglücklicher Ehen, aus denen neue Liebe eine plötzliche Hoffnung auf freudige Flucht bietet, und Sie haben genau die verlockenden Umstände, die für die Präsentation einer transgressiven, aber erlösenden schwulen Beziehung in einem plausiblen modernen Rahmen erforderlich sind.

Es ist sehr viel die gleiche Welt und der gleiche Satz von Problemen, die J.B. Priestley in An Inspector Calls erkundet, und die Regie (auch von Phil Willmott) weckt in gewisser Hinsicht den Stil von Stephen Daldrys berühmter Produktion. Wenn es nicht das war, was Coward schrieb, war es sicherlich dem Takt der gelebten und erfahrenen Realität an mehr als wenigen Nachkriegsstationen, Parks und Sakristeien treu … und jetzt kann es evoziert und dokumentiert werden…

Willmott markiert die Tatsache, dass dies ein Tribut an die Periode ist, indem er ein modernes Klammermotiv um die Hauptgeschichte setzt, sodass wir sehen, wie ein zeitgenössisches schwules Paar auf das in einem Tagebuch erhaltene Material reagiert, das plötzlich auf einem Kiosk verlassen erschienen ist. Von dort werden wir in den Dampf zurück zu Vauxhall Station im Jahr 1947 versetzt, mit markant expressionistischer Beleuchtung und einem hervorragend evokaten Set, das in Sepiatönen verläuft, die den Film heraufbeschwören. Designer David Shields (der im Programm interviewt wird) hat einen großen Hintergrund in diesem Theater, in dem die Herausforderung darin besteht, die ganze Breite der Bühne voll zu nutzen und gleichzeitig eine Illusion von Tiefe zu schaffen.

Alexander Huetson und Adam Lilley Fotokredit: PicsByGaz.com

Dieses Set ist eines seiner besten – viel ist in einem kleinen Raum untergebracht – ein Verkaufsstand, das Eisenwerk und der Rüschenarchitrav eines viktorianischen Bahnhofs, Hinweisschilder der Zeit, ein gotischer Warteraum, der auch als Kirchensakristei dient, und ein Kamin einer Familie zu Hause in Surbiton. Dennoch sind die Sichtlinien klar, und die Schauspieler wirken darin sehr wohl. Das Publikum hat sowohl reale Nähe als auch die Illusion von Distanz zur Handlung, und das Gefühl der Periode ist punktgenau. Dasselbe gilt auch für die Kostüme.

Es gibt vier Darsteller, von denen zwei Rollen doppelt spielen. Adam Lilley spielt Dr. Lawrence Marsh, der einen Tag in der Woche als Aushilfe in einer Klinik in Vauxhall tätig ist. Alexander Huetson ist Arthur Hollis, der Bahnhofsvorsteher, der Dr. Marsh zuerst als Patient trifft. Penelope Day spielt sowohl Marshs Frau Sarah als auch die Zeitungshändlerin Mavis Madden. Das Ensemble wird durch Chris Hines ergänzt, der sowohl einen Polizisten als auch den örtlichen Pfarrer darstellt und als Hilfsregisseur aufgeführt ist.

Während es hier einige Momente des Melodramas gibt, genau wie im Original, sind sie auf die Handlung beschränkt, nicht auf das Spiel, das in seiner Subtilität und Zurückhaltung bemerkenswert ist. Was nicht gesagt wird oder was in Körpersprache statt Worten ausgedrückt wird, schafft eine eloquente Demonstration, dass weniger in der Regel mehr ist, besonders bei den super-sentimentalen und gezügelten britischen Charakteren dieser Periode. Die beiden schwulen Männer sind besonders wie unter Spannung stehende Federn aufgezogen, und wenn man das Gefühl nicht hat, kann das Stück nicht funktionieren.

Die Beziehung zwischen Marsh und Hollis ist sehr sorgfältig entwickelt. Sie bezieht sich auf den Film – ein Kinonachmittag, wiederkehrende melancholische und sehnsuchtsvolle Musik – dieses Mal Schubert anstelle von Rachmaninoff, störende Unterbrechungen durch andere an wichtigen Stellen – aber sie schlägt ihren eigenen Weg in völlig glaubwürdigen Begriffen ein. Marsh ist sowohl der Ausdrucksstärkere als auch der Konflichthaftere der beiden und derjenige, der weit mehr ein Gefangener konventioneller Klassen- und Moralängste ist. Diese gequälte Gegensätzlichkeit porträtiert Lilley sehr gut, schwankend zwischen Angst und aufbrausender Überschätzung, ohne den starken Einfluss von Liebe und sexueller Anziehung zuzugeben. Letztendlich ist dies eine Studie der Selbstbezogenheit und wie unter Druck das zu ungewollter Grausamkeit und zum Opfer der Selbstverwirklichung führen kann. Marsh hat mehr zu verlieren, wie die Gesellschaft urteilt, aber im Prozess gibt er die beste Chance auf, die er jemals haben wird, um zu sich selbst zu stehen. Lilley gibt uns sowohl den unterschwelligen Kummer und Verlust als auch den selbstbewussten Oberflächenstolz.

Von links nach rechts: Christopher Hines, Adam Lilley, Alexander Huetson Fotokredit: Scott Rylander

Arthur Hollis ist technisch eine anspruchsvolle Rolle, denn er ist weit weniger ausdrucksstark als Marsh. Doch Huetson macht einen meisterhaften und berührenden Job darin, ihn zum emotionalen Barometer des Stücks zu machen, von fröhlichem Optimismus zu bleichem Stoizismus wechselnd. Teilweise durch Körpersprache und teilweise durch detailliertes Agieren abseits der Rede findet Huetson für seinen Charakter eine Eloquenz, Zärtlichkeit und Würde, die sehr bewegend ist. Und wenn er seine Stimme findet – in einem Monolog über die Realität von Vorurteilen und Verfolgung sowie in einer kraftvollen Erklärung der transformativen Kraft der Liebe – sind die Ergebnisse wahrhaft fesselnd.

Penelope Days Rollen sind eine wichtige Stütze der strukturellen und emotionalen Verankerung des Stücks. Der stubenhockerische Ehegatte, wie im Film, ist eine recht undankbare Rolle, die jedoch eine tonkorrekte Darstellung von bodenständiger, gewöhnlicher Güte erfordert, um zu funktionieren, und das ist schwer umzusetzen. Sie muss eine feine Person in ihrer eigenen Rechten sein, um die Handlung schmerzlicher zu machen – Marsh sollte keinen anderen guten Grund außer der Liebe haben, seine Frau zu verlassen. Mavis Madden ist eine eher grob gestaltete Kreation, teils Mrs. Pike aus Dad’s Army, teils Mrs. Malaprop aus The Rivals. Sie dient dazu, den Ton aufzuheitern und abzusenken, während sie zugleich dezentes, wissendes Verständnis für die Liebesaffäre und eine Art von Chor bietet.

Ähnlich ist der Charakter des Polizisten mehr eine komische Stereotype als eine Hauptrolle, aber Chris Hines' Darstellung zeigte gut die Widersprüche und Paradoxien zwischen seinem Privatleben als wandernde Lothario und seiner offiziellen Rolle als moralischer Wächter. Der Pfarrer auf der anderen Seite ist eine viel unangenehmere und unheimlichere Kreation: eine Demonstration der bösartigen Macht von schwulem Selbsthass und sexueller Eifersucht, überzogen mit spekulativem, öligem, falschem Mitgefühl.

Evokationen berühmter Filme können sehr leicht ins Parodie- oder ungeplante Komische übergehen, aber dank der Kunstfertigkeit des Schreibens und des sorgfältig abgestimmten, vollständig bewohnbaren Schauspiels ist diese Produktion ein Triumph auf allen Ebenen und verdient eine sehr erfolgreiche Laufzeit. Encounter gräbt tief in die Schäden der Klassenschranken und entlarvt die Auswirkungen der Entbehrung, ob sie nun sexuell, emotional oder sozial ist, in einem berührenden, undogmatischen Drama, das zu jedem sprechen kann, der in der Lücke zwischen kompromittierter Realität und erhofftem Streben gefangen ist. Es gibt auch eine Menge Humor, sowohl breit als auch trocken.

Es ist eines der zwei oder drei Stücke, die mich in diesem Jahr am meisten beeindruckt haben. Nicht zu verpassen.

Encounter läuft im Above The Stag Theatre, Vauxhall bis zum 15. November 2015