REZENSION: Di und Viv und Rose, Vaudeville Theatre ✭✭✭✭

Foto: Johan Persson Di und Viv und Rose

Vaudeville Theatre

26. Januar 2015

4 Sterne

Im ersten Akt kauft die temperamentvolle Rose drei große gelbe Schalen für fast nichts. Sie kehrt in das Haus zurück, das sie mit ihren Studienfreundinnen Di und Viv teilt, und packt sie stolz aus. Erst als sie sie auf die Theke stellt, bemerkt sie, dass sie fehlerhaft sind, dass sie nicht eben stehen können. Sie wackeln leer herum. Aber die kluge Viv befestigt Blu-Tack an jedem Boden, um sie zu stabilisieren, und die tatkräftige Di füllt jede mit Cider. Mit der Hilfe der drei Freundinnen werden diese ungeeigneten, leeren Gefäße nützlich gemacht. Später, im zweiten Akt, Jahre nachdem das Trio aufgehört hat, Mitbewohnerinnen zu sein, werden die albernen, schwankenden Schalen zu einem bewegenden Symbol jener längst vergangenen Zeit, in der die drei Freundinnen zusammenlebten und das Leben einfacher war.

Tatsächlich repräsentieren die gelben Schalen die Frauen. Als wir jedem der drei Charaktere zum ersten Mal begegnen, ist keiner ganz richtig, keiner funktioniert als funktionierendes menschliches Wesen und ist, wenn nicht ganz, dann doch irgendwie leer. Aber mit der Hilfe der beiden anderen Frauen wird jede stärker, stabiler, zweckmäßig. Sie konfrontieren ihre Makel, lassen sie von ihren Freundinnen beheben und machen weiter, produktiv und größtenteils hoffnungsvoll, ein erfülltes, auch wenn unerwartet oder chaotisches, Leben lebend.

Di und Viv und Rose, ein von einer Frau (Amelia Bullimore) geschriebenes, von einer Frau (Anna Mackmin) gekonnt und mit Schwung inszeniertes, von einer Frau (Scarlett Mackmin) choreografiertes und mit drei Frauen (Samantha Spiro, Tamsin Outhwaite und Jenna Russell) besetztes Stück, wird jetzt im Vaudeville Theatre aufgeführt. Die Präsenz so vieler kreativer Frauen in einer West End-Produktion ist Grund genug zur Feier, aber Di und Viv und Rose verdient in vielerlei Hinsicht Beachtung. Bullimore beobachtet ihre Figuren scharf und, wie jede gute Dramatikerin, die sich mit häuslichen und persönlichen Angelegenheiten befasst, enthüllt sie die Schichten jedes der drei Freundinnen Stück für Stück, nicht unbedingt linear, und legt das rohe Zentrum jeder Figur frei. Dies ist kein Stück für Frauen, aber ein Stück über Frauen. Vor allem aber ist es ein Stück über Freundschaft; lange, beständige Freundschaft.

Es ist lustig und teilweise sogar albern, voller Herz und durchzogen von Herzschmerz, Tragödie und der Art von konfrontativen Auseinandersetzungen, die nur echte Freunde haben können. Bullimores Dialoge sind spritzig und scharf; Welten und Klassen kollidieren in der Schlachtzone, die höheres Bildungswesen sein kann, während Unterschiede aufgedeckt, debattiert und akzeptiert werden. Jede der drei Figuren ist frisch, scharfkantig und sehr real. Der sich entwickelnde Freundschaftssinn über Jahrzehnte hinweg spiegelt sich in funkelnden Details wider.

Es ist unwahrscheinlich, dass es eine bessere Inszenierung dieses Stücks geben wird; die drei Hauptdarstellerinnen sind perfekt besetzt und jede lässt ihre Figur in einer Weise aufsteigen, die den Text übersteigt.

Russell ist der Schlüssel des Trios, die temperamentvolle, männergierige, lebenshungrige und beiläufig irritierende Rose. Sie porträtiert perfekt die unerbittlichen Aspekte von Rose, die ihrer verrückten Kochleidenschaft, Neugier und Promiskuität als Studentin, die ihrer Familie entkommen will, zugrunde liegen. Es ist unmöglich, sie nicht als die Alltagsfreundin zu sehen, vornehm, loyal und außergewöhnlich offen. Trotz ihrer Mängel ist sie unwiderstehlich. Russell strahlt Freude aus – das Bild von ihr, wie sie auf einer Couch auf dem Rücken liegt und ihre überanstrengte "va" mit einem Standventilator kühlt, wird mir lange in Erinnerung bleiben.

Outhwaite ist in hervorragender Form als archetypische sportliche Lesbe, deren Mutter Kuchen und Trostpakete schickt, aber nicht weiß, dass ihre Tochter lesbisch ist. Sie ist direkt und beruhigend und als ihre Welt zusammenbricht, ist der Schmerz klar, verletzend und einfühlsam vermittelt. Ihre Trauerrede im zweiten Akt ist besonders gut, der Höhepunkt des Abends. Unbeschreiblich traurig, aber nicht sentimental, zeigt Outhwaite hier clever und überzeugend, was es bedeutet, einen lebenslangen Freund verloren zu haben.

Spiro ist ätzend, stachelig, intellektuell und zurückhaltend; die zielstrebige, verzweifelt einsame Seele, die Trost, Zuflucht und Unterstützung bei ihren unwahrscheinlichen Freunden in der Gemeinschaftswohnung findet. Ihre Haare und Outfits sind wunderbar (clever gemacht von Paul Wicks) und sie verleiht der schwierigsten der drei Figuren Einsicht und Verständnis. Ihre letzte Szene mit Outhwaite ist in der Tat kraftvoll.

Zweimal, vielleicht dreimal, ändert sich der Ton des Stücks schlagartig, aber nie wirkt dies störend, und Autorin und Besetzung nutzen jede Wendung voll aus. Diese drei begabten Schauspielerinnen bewältigen mühelos die gewichtigen Themen im zweiten Akt. Der erste Akt konzentriert sich mehr auf Chancen und Möglichkeiten – der zweite Akt befasst sich mit Konsequenzen und Verfall.

Der erste Akt beginnt bewusst lustiger und gelingt das größtenteils. Der zweite Akt, obwohl deutlich düsterer, bleibt dennoch lustig – aber er ist auch konfrontativ. Und erschütternd. Es gibt eine Menge unzusammenhängender Tragödien, besonders im zweiten Akt, und einiges, was dort passiert, erscheint inkonsistent mit den verschiedenen Sichtweisen und Eigenschaften, die im ersten Akt so sorgfältig aufgebaut wurden. Aber dann, Leben ist inkonsistent und unfair und Bullimores Stück und ihre Charaktere spiegeln diese Wahrheit wider.

Es gibt einen außergewöhnlichen Abschnitt im zweiten Akt, in dem Spiro übermäßig lange unkontrolliert lacht. Schließlich bringt sie Outhwaite auch zum Lachen – weil die Charaktere völlig etabliert sind, ist das atemraubende, unüberwindbare, lächerliche Lachen ansteckend und nachvollziehbar. In weniger erfahrenen Händen hätte diese Szene scheitern können, eine fast unerträgliche Tortur sein können. Aber so erfolgreich haben uns die drei Schauspielerinnen diese drei völlig unterschiedlichen, aber miteinander verwobenen Leben verstehen lassen, dass es mit Ehrlichkeit resoniert. Wenige Menschen waren nicht in solch einer Situation; noch weniger könnten vollbringen, was Spiro hier erreicht.

Das Bühnenbild von Paul Wills zeigt seine besten Seiten bei der Darstellung des Hauses, das das Trio geteilt hat; die New York- und Bahnhofsszenen sind weniger gelungen. Und es geht ein gewisses Maß an Intimität verloren beim Transfer von der Bühne des Hampstead Theatre, wo eine frühere Inszenierung dieses Stücks 2013 ein erfolgreiches Leben hatte.

Es ist ein seltenes Vergnügen, drei Schauspielerinnen so schön zusammenarbeiten zu sehen, und ihre Menschlichkeit und ihr Humor sorgen dafür, dass die Aufmerksamkeit nie nachlässt und das Lächeln (freudig oder schwermütig) nie fern ist. Dass Schauspielerinnen offensichtlich älter als die im ersten Akt auftretenden Charaktere besetzt werden, erscheint zunächst merkwürdig, aber die Entscheidung ist richtig – und es ist interessant zu sehen, welchen Effekt dies auf das Stück im Verlauf hat. Irgendwie ist der Gedanke an die „damaligen“ Charaktere immer präsent, selbst in den „jetzt“-Szenen, und wir werden ständig daran erinnert, dass unsere gegenwärtigen Ichs ein Produkt unserer vergangenen Ichs sind. Wir sind, was wir werden werden.

Und unsere wahren Freunde werden immer bei uns sein. Egal was passiert.

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