KRITIK: Dara, Lyttelton Theatre ✭✭✭

Zubin Varla als Dara und Prasanna Puwanarajah als Talib. Foto: Ellie Kurtz Dara

Lyttelton Theatre

1. März 2015

3 Sterne

Er ist ein sehr großer, sehr breiter Eunuch. Er ist königlicher Diener seit er mit 11 Jahren aus seinem Elternhaus gerissen, mit Opium gefüttert, kastriert und im Sand zur Heilung zurückgelassen wurde. Er überlebte, einer von nur zwei (aus einem Dutzend), die es schafften. Als Eunuch des Kaisers des Mogulreiches hat er den Harem bewacht und eine große Rolle im Kinderzimmer gespielt. Er kennt die königliche Familie intim; er liebt sie wie seine eigene Familie.

Es gibt überraschende Besucher im Palast. Sie wollen den Eunuch sehen. Er ist verwirrt; er hat keine Freunde außerhalb des Palastes. Der Kaiser ist misstrauisch und befürchtet, dass Verrat in der Luft liegen könnte. Der Kaiser ist der ungläubige Typ, möglicherweise weil er selbst unzuverlässig ist. Die Besucher treten ein. Eine alte Frau und ein alter Mann. Die Eltern des Eunuchen. Sie sind gekommen, um ihn um Geld zu bitten.

Der Eunuch wird vulkanisch vor Wut, ein Leben voller Bedauern, Schmerz und Qualen bricht in einem bissigen Schimpfwort aus ihm hervor. Er erzählt seinen Eltern, wie die Kastration für ihn war, wie er weder wie ein Mann noch wie eine Frau urinieren kann. Er erinnert sie daran, dass die letzten Worte, die er damals von ihnen hörte, waren: "Nehmt ihn." Er befiehlt, sie wegzubringen und jedem 20 Peitschenhiebe zu geben.

Was Szenen häuslicher Brutalität angeht, gehört dies zu den außergewöhnlichsten, die auf einer Bühne des National Theatre seit vielen Jahren gesehen wurden. Die körperliche Verwundung ist greifbar, schwer zu ertragen. Atemberaubend.

Das ist Dara, Tanya Ronders Adaption von Shahid Nadeems Stück, ursprünglich inszeniert vom Ajoka Theater aus Pakistan, jetzt im Lyttelton Theatre in einer Produktion unter der Regie von Nadia Fall mit Bewegung von dem talentierten Liam Steel und Kampfsequenzen von Kate Waters. Es ist ein nichtlineares Geschichtsdrama, das ein bestimmtes Kapitel der Geschichte Indiens beleuchtet und sich auf die Familie des Mannes konzentriert, der den Bau des Taj Mahal beauftragte.

Im Programm sagt Fall: "...es ist eine Gelegenheit, ein episches und robustes Stück für südasiatische Schauspieler anzubieten. Und da die Moguln selbst aus verschiedenen Ländern kamen - aus so weit entfernten Gebieten wie Usbekistan, Afghanistan, Persien - spiegelt unsere Besetzung die Vielfalt dieses Reichs und auch das heutige Indien wider. Was Tanya geschrieben hat, ist filmisch - Weitwinkelaufnahmen und Nahaufnahmen. Die Szenen bewegen sich so schnell, dass es keinen Sinn macht, beispielsweise eine Szene mit Möbeln einzurichten. Also hat Katrina Lindsay im Design entschieden, es ziemlich spärlich und griechisch zu halten. Der Raum kann ein Palast, ein Kriegslager sein, was auch immer der Moment erfordert. Aber wir haben uns bemüht, eine Art Authentizität in den Kostümen zu verwurzeln - wir haben einen Berater in Indien, der sich spezifische Mogul-Silhouetten ansieht. Auch die Klanggestaltung und Musik sind inspiriert von Sufi-Musik, Sufi-Poesie und Denken, da das ein großes Thema im Stück ist und die Philosophie unseres Protagonisten, Prinz Dara."

Die Vision, die Fall und Ronder und ihr Team für Dara haben, ist so großartig und beeindruckend wie das Taj Mahal selbst. Lindsays wunderbares Set nutzt die volle Länge, Breite und Höhe des gewaltigen Raums des Lytteltons. Eine Reihe von wunderschön gemusterten Bildschirmen wird eingesetzt, die sich in ständig wechselnden Konfigurationen über und über die Bühne bewegen und somit ein wahrhaft exotisches Gefühl zu den Ereignissen geben. Sie fühlen sich fast wie Schleier, die teilweise Aktionen verhüllen. Menschen tanzen oder bewegen sich in rhythmischen Mustern um und hinter den Bildschirmen; Steels Bewegung sorgt dafür, dass das Gefühl von Exotismus verstärkt und kontinuierlich ist.

Die Kostüme sind farbenfroh und versetzen die Handlung lebhaft in eine weit entfernte Umgebung. Fall und Steel sorgen dafür, dass alles zügig abläuft; das farbenfrohe Kaleidoskop aus Aktivitäten, Bildern und Designs ist visuell berauschend. Es sieht großartig aus.

Im ersten Akt stellt Ronder die königliche Familie vor (zu verschiedenen Zeiten im hundertjährigen Zeitraum) und die Intrigen, Eifersüchteleien und religiösen Doktrinen, die jeden von ihnen ausmachen. Der zentrale Erzählstrang dreht sich um den Machtkampf zwischen Aurangzeb und Dara, beide Söhne des regierenden Shah Jahan. Aurangzeb sperrt seinen Vater und seine älteste Schwester ein und jagt Dara, seinen Sohn und seinen anderen Bruder, den jüngsten, Murad.

Im Wesentlichen glaubt Aurangzeb, dass Dara dem muslimischen Glauben nicht richtig und korrekt nachkommt. Dara wird deshalb als Abtrünniger angeklagt, und Aurangzeb schlägt einen Kurs ein, scheinbar im Namen des Korans, um alle erdenklichen Maßnahmen, einschließlich korrupter, zu ergreifen, um die harte Linie durchzusetzen, die er als im Einklang mit den Lehren ansieht, die er ehrt.

Der Prozess gegen Dara ist faszinierend. Ein begabter und flinker Staatsanwalt, Talib (kann dieser Name reiner Zufall sein?), schneidet systematisch, aber unehrlich Dara's Ansichten auseinander, nutzt Beweise, um ihn zu überlisten und selbst ins Abseits zu stellen, und zerreißt in aller Stille, wie ein Tier in der Nacht, Dara, bis sein Herz freigelegt ist. Im Laufe all dessen erfährt das Publikum viel über die muslimische Welt und die Glaubenssätze, die diese untermauern. Es ist ziemlich augenöffnend.

Der zweite Akt springt umher, etwas ablenkend und nicht annähernd so wirkungsvoll wie der erste Akt. Abgesehen von den außergewöhnlichen Szenen mit dem Eunuchen und einer interessanten Sequenz mit einem weisen Mann, Mian Mir, wo Dara den Wert seines Königreichs lernt (nicht mehr als ein Glas Wasser), plätschert der zweite Akt etwas zu sehr vor sich hin. Die Charaktere sind nicht so gut geschrieben oder gespielt, dass es möglich ist, sich wirklich um ihr Schicksal zu kümmern. Das Versprechen des ersten Aktes wird nicht aufgebaut und das Stück erreicht nie sein natürliches, richtiges Crescendo.

Die herausragenden Aufführungen kommen von Prasanna Puwanarajah (lebhaft und blitzschnell als Daras Ankläger, Talib), Chook Sibtain (ein bemerkenswert glaubwürdiger imperialer Eunuch, Itbar), Nathalie Armin (verwirrt und loyal als die älteste Schwester von Dara und Aurangzeb, voller Herz), Ranjit Krishnamma (Mian Mir) und Ronak Patani (Daras Sohn, Sipihr). Volle Punktzahl auch für Scott Karim, der die Grenzen als der spärlich gekleidete Sufi-Meister, Faqir, auslotet, dessen Prophezeiungen die Räder von Hass und Rache in Bewegung setzen.

Zubin Varla und Sargon Yelda haben die umfangreichsten Rollen, Dara und Aurangzeb. Varla ist der erfolgreichste, insbesondere in der Prozessszene. Aber beide haben Schwierigkeiten, das Herz, das menschliche Inneres dieser bemerkenswerten Männer zu vermitteln. Es gibt zu viel Wut und Geschrei; nicht genug kontrollierte, präzise Wut.

Vielleicht liegt der Schlüssel in der von Fall erwähnten filmischen Behandlung des Textes. Es ist nicht möglich, Nahaufnahmen auf der Bühne zu haben, und dies könnte der Grund dafür sein, dass die notwendige eindringliche Verbindung fehlte.

Dara ist sicherlich ein episches Ereignis und die prächtigen Produktionswerte unterstützen dies. Im besten Fall ist es provokant und faszinierend, voller historischer Interessiertheit. Im schlimmsten Fall ist es enttäuschend, aber es ist nie schlecht. Es ist genau die Art von schwierigem Werk, das das National Theatre präsentieren sollte.

Auf jeden Fall sehenswert und zum Nachdenken anregend.