REZENSION: Daphne, Arcola Theatre ✭✭

Daphne

Arcola Studio 1

20/08/15

2 Sterne

Richard Strauss schrieb seine einaktige Oper Daphne spät in seiner Karriere, in den mittleren 1930er Jahren. Sie wird nicht oft aufgeführt und ist reif für eine Wiederbelebung im Rahmen des Grimeborn Festivals, das sich der Wiederentdeckung des Repertoires verschrieben hat. Sie bietet auch praktisch einen ganzen Theaterabend, denn selbst als ein Akt dauert sie über 90 Minuten. Es ist ein seltsames abstraktes Werk, voller wunderschöner Musik und einigen berührenden dramatischen Szenen, aber der Untertitel – bukolische Tragödie – deutet bereits auf einige Definitionsprobleme hin, die jedem kreativen Team bevorstehen. Die Handlung ist bemerkenswert einfach an der Oberfläche und hält sich ziemlich eng an die griechische Mythologie, wie sie von Ovid (Metamorphosen) und Euripides (Die Bakchen) erzählt wird. Daphne, (Justine Viani) eine Najade oder Nymphe, fühlt sich in der natürlichen Welt zu Hause, ist aber von den Komplexitäten des sozialen und politischen Lebens sowie den Versuchungen der sexuellen Liebe und Romantik entfremdet. Sie lehnt zunächst einen Kindheitsfreund, Leukippos (Panos Ntourntoufis), ab, und dann den Gott Apollo (John Upperton), der sich zunächst als Hirte verkleidet und dann als Gast auf einem Fest zu Ehren des Dionysos auftritt, das von ihren Eltern Peneios (James Gower) und Gaea (Violetta Gawara) organisiert wurde. Dies stellt sich als eine 'Party aus der Hölle' heraus, bei der Leukippos sich in ein Festoutfit kleidet, das Daphne abgelehnt hatte, und nach verschiedenen Missverständnissen erschießt Apollo Leukippos mit einem Pfeil. Daphnes Trauer veranlasst Apollo dazu, seine Taten zu bereuen; er bittet daher Zeus, Daphne in einen Lorbeerbaum zu verwandeln, ein Schicksal, das sie als Vereinigung mit der Natur bereitwillig annimmt.

Was sollen wir, oder vielmehr Theaterregisseure, daraus machen? Ist dies ein Werk von tiefgründiger Symbolik oder eine einfache, charmante Nacherzählung einer alten Geschichte? Opera at Home und Regisseur Jose Gandia haben sich entschieden, das Werk in die Zeit zu verlegen, in der es geschrieben wurde – das Nazi-Deutschland. Alle Autoritätsfiguren werden aus Griechenland herausgenommen und werden zu militärischen und zivilen Kommandeuren; Daphne und ihre Mutter tragen modische Abendkleider, und ein Trio jüdischer Flüchtlinge erscheint, um in den dramatischen Szenen körperlichen Missbrauch zu erfahren, bevor die Verwandlungsszene sie und Daphne selbst in einen Strauß aus Stacheldraht einhüllt und sie anscheinend in ein Konzentrationslager führt.

Ich kann nicht sagen, dass ich diesen Ansatz des Dramas überzeugend finde.

Diese Ergänzungen sind eher Gesten als eine vollständig durchdachte und integrierte Neuinterpretation, und die letzte Szene widerspricht den Absichten von Komponist und Librettist. Die Verwandlung ist eine Anerkennung und Heimkehr für Daphne, und daraus eine stachelige Eingrenzung mit anderen Opfern zu machen, nützt niemandem etwas. Es stimmt, dass es viel zu den faszinierenden Variationen von Zusammenarbeit und Widerstand zu sagen gibt, die Strauss in den 1930er Jahren zeigte; aber dies wurde bereits umfassend von Ronald Harwood in seinem Stück Zusammenarbeit behandelt. Diese Bedenken fließen zudem nicht in dieses spezifische Werk ein, in dem der Hauptkontrast zwischen der Unschuld und Reinheit der natürlichen Welt und der allgemeinen Korruption der breiteren Gesellschaft liegt. Wenn hier eine Kritik an der damaligen Zeit angeboten wird, dann ist sie viel oblique und Teil von Strauss' Versuch, sich aus einem öffentlichen Leben zurückzuziehen, das er zunehmend mit Abneigung betrachtete, hinein zu intimeren zeitlosen Themen. Was in der Produktion besser funktionieren könnte, wäre ein umweltpolitisches Szenario anstelle eines Rückgriffs auf das Deutschland der 1930er Jahre, das mittlerweile zu einem opernhaften Klischee geworden ist.

Ein weiteres ernstes Problem dieser Produktion ist das Fehlen eines Orchesters oder zumindest eines kleinen Ensembles, um die Texturen auszuschmücken. Ich verstehe, dass dies nicht die Schuld von Opera at Home ist, die von der Strauss-Erben keine Erlaubnis erhielten, mehr als ein Klavier zu verwenden. Dennoch sind in nachwagnerianischen Opern dieser Art die instrumentalen Texturen zentrale Akteure im Drama, nicht lediglich eine angenehme harmonische Unterlage. In den drei oder vier Schlüsselmomenten dieses Dramas floss das Leben aus, was großartig erreichte Höhepunkte sein sollten, weil das Orchester nicht vor Ort war.

Dies ist keine Kritik an dem exzellenten Spiel von Marta Lopez, sondern ein Anerkennen der Tatsache, dass im Gegensatz zu den meisten Grimeborn-Opern, die in diesem Jahr mit reduzierten Kräften gearbeitet haben, ein guter Teil der Essenz des Stücks verloren gegangen ist und nicht einfach nur die Verzierung. Strauss schrieb seine Partituren mit einem Ohr für klangliche Komplexität, die einfache Effekte erzielen sollte. Entfernt man das eng verwobene Detail, bleibt nur wenig übrig. Wenn üppig duftende Kletterrosen, deren Linien sich endlos verweben, von einer Landhausgartenmauer entfernt werden, bleibt am Ende immer noch nur eine Mauer, so hübsch auch das Mauerwerk sein mag.

Es gibt einige hervorragende Leistungen und andere, bei denen die technische Herausforderung des Schreibens hörbare Anstrengungen auferlegt. Als Daphne agierte Viani mit angemessener Anmut und Gelassenheit und besitzt sicherlich das richtige Stimmgewicht für diese Art von Sopranrolle. Ihr Umgang mit den Schnellfeuer-Austauschen in einem oft wortgeladenen Libretto war ebenfalls hervorragend. Jedoch zeigte sich in den schwebenden langatmigen Linien ihres Hymnus an die Natur, ihrer Reaktion auf Apollo und in der finalen Verwandlung eine unsicherere Intonation und der Ton wirkte etwas erzwungen.

Strauss’ Heldentenorrollen sind unglaublich schwierig, erfordern eine Gewichtung der Stimme und zugleich das Beherrschen der hohen Tessitura, in einem Maße, das in der Natur selten auftritt. Das gesagt, wirkten sowohl Upperton als auch Ntourntoufis über weite Teile des Abends unter stimmlichem Druck, was ihrem glaubwürdigen Spiel und ihrer starken körperlichen Präsenz auf der Bühne abträglich war. Gower und Gawara sangen beide in den kleineren Rollen von Daphnes Eltern hervorragend bis zur Spitze ihrer Rollen, und die Nebenrollen der Hirten und Mägde wurden mehr als fähig von jungen Sängern gesungen, von denen wir sicherlich bald mehr hören werden. Jose Gandia, der zusätzlich Regie führte, legte auch passende Tempi mit der richtigen Art von Flexibilität in den Hauptszenen fest, wo es mehrere schwierige Wendungen in der Partitur gibt.

Nicht alles in Grimeborn kann funktionieren, und obwohl das Engagement aller Beteiligten Anerkennung verdient, kann diese Adaption nicht als gänzlich erfolgreich angesehen werden. Als ein besserer Test ihres Werts hoffe ich jedoch, dass weitere Aufführungen mit einem vollständigen Ensemble von Streichern, Holzbläsern und Blechbläsern arrangiert werden können. Wenn alle Hauptlinien vorhanden sind, kann der Kern dieses zarten Werks immer noch die richtige Art von silbrigem Schimmer erzeugen.

Ein letztes Murren: Kann jemand im Arcola bitte die projizierten Übertitel so verlegen, dass das gesamte Publikum sie sehen kann? In den vergangenen Jahren wurde dies gemacht – wo liegt das Problem im Jahr 2015?

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