KRITIK: Dance Nation, Almeida Theatre ✭✭✭✭✭

Julian Eaves rezensiert Clare Barrons Dance Nation, das derzeit am Almeida Theatre gespielt wird.

Sarah Hadland (Sophie), Kayla Meikle (Ashlee) und Manjinder Virk (Connie) in Dance Nation im Almeida Theatre. Foto: Marc Brenner Dance Nation Almeida Theatre

5. September 2018

5 Sterne

JETZT BUCHEN

Stellen Sie sich 'A Chorus Line' vor, neu geschrieben von Kathy Acker, und Sie kommen der Quelle und dem Ziel dieses bemerkenswerten und faszinierenden neuen Stücks näher. Clare Barron ist die Autorin hier, ein beeindruckendes zeitgenössisches Talent aus den USA, das diese Geschichte zusammen mit einer Reihe führender US-Inkubatoren entwickelt hat - zuletzt Playwrights Horizons in New York City Anfang dieses Jahres. Jetzt, am immer anspruchsvollen Almeida, unter der sorgfältigen, respektvollen und mutigen Inszenierung von Bijan Sheibani und der Zusammenarbeit mit der Spitzen-Choreografin Aline David, erwacht die Show in Islington zu einer düsteren und bedrohlichen Showbiz-Leben.

Irfan Shami (Luke), Sarah Hadland (Sophia), Manjinder Virk (Connie) und Nancy Crane (Maeve) in Dance Nation. Foto: Marc Branner

Samal Blaks Design bietet uns einige Plexiglas-Überlagerungen und grinsende Tanzschulgesichter, bevor sie uns in das düstere Schwrazkästchen des Tanzstudios entführt, das zu all den Orten wird, die der beschwörende Text heraufbeschwört. Die Rückwand besteht aus einer Reihe identischer, bodenlanger Probenspiegel, die präzise Robin Wagners ikonisches Bühnenbild für das bahnbrechende Backstage-Broadway-Musical wiedergeben. Es gibt sogar eine Reihe blendend weißer Linien, die sich über dem Boden erstrecken und uns an 'diese' weiße Linie erinnern, auf der die Chorjungen und -mädchen stehen sollen. Und, hören Sie mal, ein paar Minuten nach dem 'Eröffnungsnummer' bekommen wir tatsächlich einen gedämpften verbalen Zitat direkt aus der früheren Show.

Die Company von Dance Nation am Almeida Theatre. Foto: Marc Brenner

Und da ist eine gewisse Ähnlichkeit in der Bahn, die durch die einfache 'Handlung' dieses Werks angeboten wird: Eine Gruppe von Kindern versammelt sich, um eine Produktion zu präsentieren, während der Wettbewerbsgeist an ihrer Kameradschaft nagt und letztendlich nur 'einen' Star hervorbringt. Es gibt viele 'Ensemble-Nummern', in denen wir viel über sie erfahren, durch ihre Interaktionen, und diese werden mit Soli unterbrochen - eines davon ziemlich furchterregend lang und weitreichend (gegeben in einer atemberaubend virtuosen Darbietung von Kayla Meikle) - in denen die einzelnen Charaktere ihre verbalen Flügel ausbreiten, um etwas Besonderes über sich zu offenbaren.

Die Company von Dance Nation im Almeida Theatre. Foto: Marc Brenner

Darüber hinaus gibt es einen einzigen Bogen der Aktion, der ohne Unterbrechung durch eine Pause ausgespielt wird - eine weitere Innovation von 'A Chorus Line': Die emotionale Spannung der Inszenierung schließt sich unnachgiebig dem Publikum (und, ich wundere mich nicht, auch den Schauspielern) an, und bringt uns bis zu seinem seltsam unerwarteten und dennoch, im Nachhinein betrachtet (oh, diese Spiegel!), völlig logischen Ausgang. Ich habe das Skript im Foyer nach der Show gekauft und es auf der Heimfahrt im Zug erneut durchgelesen: Es ist ein Meisterwerk der Prägnanz und kraftvoller Einsichten, die mit scheinbar nachlässiger, unbeschwerter Hingabe zusammengeknüpft sind; es gibt keine überflüssige Zeile oder Aktion im ganzen Stück. Es ist ein Wunder.

Brendan Cowell (Tanzlehrer Pat) und Karla Crome (Amina) in Dance Nation. Foto: Marc Brenner

Davids äußerst präzise Tanzarrangements erstrecken sich von langweiligen Stangenübungen bis hin zu dem 'typischen' Tanzschulangebot, das eine sehr breite Palette von Fähigkeiten umfasst (hier treffend demonstriert von der unterschiedlich gestuften Besetzung); es führt uns auch zu einigen wirklich ziemlich guten Solokünstlern, die Potenzial und einige Fähigkeiten zeigen, bevor es uns letztendlich mit dem einen wirklich herausragenden Künstler landet, der einfach 'der Star' ist, ein verheerender Entdeckungsmoment, der in einer plötzlich 'reifen' und ausdrucksstarken Verbindung aus Technik und Ausdruck vermittelt wird. Trotzdem werden wir in einem charakteristisch subtilen Akt der Publikumsmanipulation frühzeitig durch die Geschichte dazu veranlasst, über den Begriff des Ruhms zu lachen, was uns strategisch davon abhält, ihn in den byzantinischen Beziehungen zu verfolgen, die von eigensinnigen, leidenschaftlichen und unsicheren frühen Teenager-Mädchen gezeichnet werden.

Ria Zmitrowicz (Zuzu) in Dance Nation. Foto: Marc Brenner

Oh ja, es gibt eine Show, die diese hier entschieden NICHT ist! 'Annie'. Hier sind keine 'echten' Teenager zu sehen (was gut so ist, angesichts der Mutigkeit der Sprache und der manchmal hysterischen Natur der öffentlichen Meinung in diesem Land, ganz zu schweigen von der nunmehr erneut hexenjagenden US of A), und Niedlichkeit ist Barron ein Gräuel. Stattdessen spielen erwachsene Schauspieler hier möglicherweise die früheren Versionen ihrer Charaktere oder verkörpern eine zeitlose Version der Seelen dieser Individuen, die einen bestimmten chronologischen, entwicklungsbezogenen Moment durchlaufen. Von Zeit zu Zeit unterminieren sie die Strenge dieser Methodik und erinnern uns daran, einen Schritt zurückzutreten und zu überlegen, zu reflektieren, nachzudenken.

Der Chef des Verfahrens hier, der Direktor der Tanzschule, Pat, ist möglicherweise ein unterdrückter Pädophiler, der seine Schützlinge auf eine Weise schikaniert, auf die Michael Bennett stolz gewesen wäre. Die Mädchen selbst zeigen erstaunliche Geduld, Angst, Faszination und Treue angesichts seiner Schimpftiraden und des posierens. Nancy Crane ist eine warmherzige Maeve, Karla Crome ist eine souveräne und erstaunlich konzentrierte Amina, Sarah Hadland gibt uns eine muntere und aufmerksame Sofia, Manjinder Virk ist eine ruhige und nachdenkliche Connie. Es gibt auch einen Jungen - gibt es nicht immer - in dieser provinziellen Truppe; Irfan Shamjis unbeholfener, aber selbstbewusster Luke. Ria Zmitrowicz ist als zunehmend gequälte und selbstzerstörerische ZuZu eine herausragende Präsenz. Und eine Reihe von Müttern wird - wunderbar - von Miranda Foster gespielt, die ihre Virtuosität genießt. Der Kern der Show - oder der Höhepunkt? - gehört wirklich Kayla Meikles immer überraschender Ashlee, die eine Art Propagandistin für das ist, was der Star letztendlich erreicht, vielleicht. Ihr Tirade ist möglicherweise das am meisten Acker-esque Beispiel in einem Skript, das viele zur Auswahl hat: Da sie so ausführlich und mit solch rhetorischem Schwung spricht, ist es möglich, daraus einiges dessen zu konstruieren, was die Autorin uns wirklich denken lassen möchte. Vielleicht.

Die Company von Dance Nation im Almeida Theatre. Foto: Marc Brenner

Wer weiß? Am Ende der Show sagten wir alle, wie sehr wir es mochten, aber wie viel Mühe wir hätten, wenn wir versuchen würden, Menschen, die wir kennen, zu beschreiben oder zu erklären, was genau es war, das uns so gefallen hat an Inhalt oder Präsentationsweise. Und das ist auch Teil der bemerkenswerten Kraft dieses Stücks. Es ist wie der Mond (der auch in diesem Drama erscheint). Wie oft standen Sie regungslos in einer stillen Nacht, starrten auf den vollen Mond am Himmel und waren fasziniert und fühlten einfach, dass Sie schauen, schauen und schauen müssen, ohne zu wissen warum oder einen bestimmten Gedanken im Kopf zu haben? Ich weiß nicht, wie es Ihnen geht, aber ich habe das oft gemacht und bin sicher, ich werde es weiterhin tun. Wer kann sagen, warum? Und doch, wenn jemand diese Erfahrung aus meinem Leben nehmen würde, würde ich mich verarmt und eingeengt fühlen und unglücklich sein.

Und ich denke und fühle genauso über dieses Stück. Lee Curran beleuchtet es mit einem meisterhaften Kommando darüber, worum es bei Bühnenbeleuchtung geht (Sets von Lampen erscheinen tatsächlich in einer der Szenen als wichtige Elemente, die uns daran erinnern, dass es, wie alle großartigen Stücke, tatsächlich auch 'über' das Theater selbst handelt). Marc Teitler behandelt den Sound und die komponierte Musik mit wunderbarer Angemessenheit. Und Moritz Junges Kostüme sind punktgenau, wirklich und perfekt, von den Leggings bis zu den Taschen und Schuhen. Bret Yount macht die Kampfarrangements mit einem brutalen Sinn für Realismus (der sich in einem oft unversöhnlichen Text widerspiegelt), und Giuseppe Cannas' Haar- und Make-up sind genau richtig. Die von Brett Tyne verfeinerten Dialekte überzeugen.

Es ist eine gute Vorstellung. Ich weiß nicht, ob Mr. Hamlisch zustimmen würde, aber Kathy würde es, da bin ich ziemlich sicher, lieben. Ich tue es, und ich hoffe, Sie auch.

Bis zum 26. Oktober 2018

JETZT BUCHEN FÜR DANCE NATION