REZENSION: Closer To Heaven, Union Theatre ✭✭✭✭

Closer To Heaven

Union Theatre

25. April 2015

4 Sterne

Rechts ist eine schmuddelige Bar – so eine, an die man sich aus der Jugend erinnert: das erste Mal, als man mutig/schüchtern mit Kumpels/allein hingegangen ist, um „mal zu schauen“/„etwas zu trinken“. Sie wirkt gleichzeitig üppig und einst nobel. Sie lässt einen nach Alkohol verlangen, aber auch um den eigenen Verstand fürchten. In jeder Hinsicht sleazy: verführerisch und abstossend, endlos faszinierend. Der Barkeeper passt in diese Umgebung; vielleicht ist er ganz lieb, aber aus jeder Pore quillt „Dirty Old Man“. Dann lächelt er – und es wirkt wie ein harmloses, sicheres Lächeln. Das hier ist ein sicherer Ort.

Wenn man sich durch den Raum bewegt, an der Bar vorbei, sieht man das Podest und den langen Spiegel, keck in die Eisenkonstruktion eingespannt. Von diesem Podest scheint eine Ahnung von anrüchiger Aktivität zu pulsieren, selbst wenn es leer ist. Gegenüber gibt es ein Schwester-Podest mit Spiegelstange. Eine kleine Bühne grenzt an eine Tanzfläche, und der Geist von tausend Drag Queens scheint dort zu schweben – flackernd zwischen den Neonröhren, das Dekor in Schwarz und Rot, billig und verführerisch. Oben auf der Bar bemerkt man den gut gelaunten DJ – oder ist es eine Band? Man könnte sich in jedem Nachtclub wähnen, in dem man je irgendwo im Land war. Vielleicht in jedem Land.

Während man sich fragt, warum man keinen anständigen Cocktail in der Hand hat, geht es los. Spätestens als ein halbnackter bärtiger Mann im abgeschnittenen T-Shirt und hautengen Lederhosen anfängt zu stossen und zu kreisen und so gut wie Sex mit der Spiegelstange zu haben, ist klar: Man ist in einem schwulen Nachtclub. Diese ersten, grellen Bilder brennen sich in die Seele – und wenn Billie Tricks mit der Eröffnungsnummer „My Night“ einen Orkan heraufbeschwört (Sturm reicht da wirklich nicht), trifft jedes Publikumsmitglied eine Entscheidung: mitgehen oder jede Sekunde übelnehmen. Dazwischen gibt es hier nichts.

Das ist „Closer To Heaven“, das Musical von 2001 von den Pet Shop Boys und Jonathan Harvey, jetzt vom einfallsreichen Union Theatre wiederaufgenommen. Gene David Kirk führt souverän Regie, Patrick Stockbridge liefert eine inspirierte musikalische Leitung, und Philip Joels Choreografie ist vital und ansteckend – diese Wiederaufnahme lässt einen staunen, warum das Stück nicht längst öfter zurückgeholt wurde. Ich bezweifle, dass ich im Union je ein besseres Bühnenbild gesehen habe. Die Kombination aus David Shields’ perfektem, geradezu genialem Design und Tim Deilings ebenso eindrucksvoller wie stimmungsvoller Beleuchtung – ob kühn, grell oder wunderschön – macht den Union-Raum perfekt, ja: schillernd perfekt für die Anforderungen dieses Stücks.

An allem an der physischen Produktion haftet eine Rauheit, ein zerfetzter Realismus, der beeindruckt. In manchen Szenen könnte man, wenn man die Augen schliesst, den abgestandenen Geruch von Pisse, Erbrochenem und Schweiss riechen – die ganz natürlichen Begleiterscheinungen einer grossen Clubnacht. Der Sound, den Stockbridge und Alessandro Lombardo (Schlagzeug) produzieren, ist perfekt: für die Partitur, für das Gefühl des Ortes, für den Geist der Atmosphäre. Aus technischer Sicht ist das – bei Budget- und Platzgrenzen – so gut, wie man „Closer To Heaven“ nur auf die Bühne bringen kann.

In der Form ist das Musical beinahe Lehrbuchstoff: eine Haupthandlung und mehrere Nebenstränge. Die Partitur ist makellos geschlossen; viele, wenn nicht alle Songs treiben die Handlung voran, schärfen das Verständnis der Figuren, geben Einblicke – und zugleich gibt es eine reiche Vielfalt: Balladen von grosser Schönheit, ironische Torch Songs, lebenspralle Spassnummern und dunkle, nachdenkliche Stücke. Dazu ein paar heisse Dance-Tracks, die den inneren Popstar wecken, ganz egal wie widerwillig oder gut versteckt dieser Star auch sein mag.

Harveys Buch und Dialoge sind oft banal, die Situationen vorhersehbar und abgenutzt. Aber ehrlich: Das macht nichts. Es ist die Verschmelzung von Musik und Möglichkeiten, die hier Theatermagie entstehen lässt. Harvey liefert die Grundierung; Partitur und Choreografie geben Struktur, Muster, Farbe – den Gesamteindruck.

Was das Musical herausstechen lässt, ist seine unverhohlene Queerness – im modernen Sinn. Wie Nicholas De Jongh bei der Uraufführung sagte, war es „das erste wirklich schwule Musical, geschrieben und komponiert von Engländern“, das ins West End gelangte. Zugleich ist es im Kern jung und ziemlich kompromisslos darin, die Launen und Fallen des jungen Erwachsenseins frontal anzugehen: Sex, Drogen (Konsum und Handel), Popmusik, Alkohol, übergriffiges Verhalten, Prostitution, Liebe, Überleben, Sexualität und – am eindringlichsten – die Familie, die man sich selbst schafft, getrennt von der Familie, in die man hineingeboren wird. Altbacken wirkt es nicht; und die Reaktionen der jüngeren Leute um mich herum liessen jedenfalls nicht erkennen, dass sie es dafür hielten.

Jared Thompson gibt in seinem Profidebüt mühelos naiv den Straight Dave, den irischen Jungen, der nach London zieht, Arbeit sucht und tanzen will. Einsam und unsicher, aber ziemlich grossspurig, was seine Tanzkünste angeht, spricht er bei Vic vor, der den Club betreibt. Ob es Daves Aussehen ist oder seine Moves – beides ist sehr beeindruckend – Vic gibt ihm den Job.

Vic war womöglich abgelenkt, weil seine Tochter Shell, die er seit Jahren nicht gesehen hat, ihn aufgespürt hat und ihn zwingt, sich seiner Vergangenheit und ihrer Gegenwart zu stellen. Während sie versuchen, ihre Vater-Tochter-Bindung zu heilen, kommen Dave und Shell zusammen. Das überrascht – angesichts von Shells Unsicherheit über Daves Sexualität und der Art, wie Dave reagiert, als er Mile End Lee zum ersten Mal sieht: einen extrem durchtrainierten Kleindealer, der im Club herumhängt und gelegentlich Billies Liebhaber ist. Billie Tricks ist die Zeremonienmeisterin in Vics Club – könnte eine Drag Queen sein, ist es aber nicht; eine, die schon alles und jeden erlebt hat.

Schliesslich erwischt Vic Dave und Lee beim „Herumalbern“-Sex auf der Clubtoilette, und Shell ist verständlicherweise entsetzt. Nach etwas Angstmacherei und Hin-und-her kommt es schliesslich dazu, dass Dave und Lee miteinander schlafen – und beide erleben dieses Gefühl zum ersten Mal wirklich. Weil es ein Musical ist, folgen auf die luftigen Höhen glühender Leidenschaft die Tiefen der Verzweiflung durch einen verfrühten, unverdienten Tod, und – ein wenig wie Maria in „West Side Story“ – muss Dave dem Leben ohne seinen Geliebten ins Auge sehen. Anders als Maria bekommt Dave jedoch eine positive Coda.

Die Erzählung ist so in-your-face, wie man es erwarten würde, und die Exzesse und die schiere Freude an der feurigen Figur Billie Tricks sind ebenso konfrontativ wie unterhaltsam. Joels temperamentvolle, sexy Choreografie, vom talentierten Ensemble mit vollem Körpereinsatz geliefert, sorgt für zusätzlichen Dampf. Tatsächlich ist der Tanz so tief im Stück verankert, dass es fast albern wirkte, dass die Podeste nicht ständig bespielt sind – spärlich bekleidete Tänzerinnen und Tänzer, die permanent an den Spiegelstangen arbeiten, hätten sowohl einen elektrisierenden Rahmen für die Handlung geliefert als auch ein dauerhaftes Pulsieren leidenschaftlicher Lust, das die dramatischen Ereignisse unterstreicht. Der Tanz könnte die Geschichte ebenso vorantreiben, wie es die Musik tut.

Wenn man an dieser Produktion etwas aussetzen möchte, dann, dass sie zu sicher ist. Sie ist nicht so schäbig-sleazy oder so camp (zwei sehr verschiedene Dinge), wie sie es sein könnte – wahrscheinlich sogar sollte. In ein, zwei Szenen, da seit 2001 Zeit vergangen ist, wäre Nacktheit – mit oder ohne bescheidenes Bettlaken – für die Wahrhaftigkeit des Moments eigentlich unverzichtbar, damit die Wahrheit richtig durchscheinen kann.

Thompson singt und tanzt als Straight Dave ausserordentlich gut. Er hat eine frische Unschuld, die perfekt zur Rolle passt, obwohl aus seinen Augen bei Bedarf das Stahlblitzen von Ehrgeiz klirrt. In den Liebesszenen sowohl mit Shell als auch mit Lee ist er überzeugend, und seine letzten Songs – „For All Of Us“, eine Reprise des Titelsongs, und „Positive Role Model“ – liefert er fachkundig ab, voller Sehnsucht, Verlust und Selbstgewissheit. Er ist ein wenig zu geschniegelt, als dass es wirklich überraschen würde, dass er Lee begehrt; aber das untergräbt nicht vollständig, was insgesamt eine wahrhaftige und komplexe Leistung ist.

Connor Brabyn ist packend als der dem Untergang geweihte Mile End Lee. Vordergründig der harte, gefühllose Dealer, findet Brabyn die Komplexität und Qual der Rolle und betont diese Aspekte subtil, aber sicher. Seine Verlegenheit, wenn Dave seine Schönheit lobt, ist perfekt getroffen, ebenso wie seine Verachtung beim Sex mit Billie. Er und Thompson glänzen darin, im klimaktischen „Closer To Heaven“-Duett Staunen und Harmonie zu finden. Zugleich überzeugt Brabyn als Möchtegern-Harter: sein geschmeidiger, drahtiger Körper ist auf Aktion gespannt, in dieser „Nur zu“-Haltung, die andere dazu bringt, langsam rückwärts zu gehen.

Als Flynn ist Ben Kavanagh ein giftiges Vergnügen. Er tänzelt, schmeisst sich in Pose und teilt aus, als wäre er das Liebeskind von Louie Spence und Boy George. Das ist grossartig austariert, die Spur von Schmerz nie weit vom schweren Mascara entfernt. Ken Christiansen als sein brutaler, liebloser Arbeitgeber Bob ist wütender und lauter, als er sein müsste – schmierig, korrupt, abgründig hässlich wäre ein reicheres, verstörenderes Bild von Missbrauch. Zusammen aber ergeben sie ein unglückliches Paar, genau wie es sein soll.

Katie Meller bekommt die Parade-Rolle – und geniesst sie. Bei allem, was dies für ein Musical über schwule Liebe und jugendliche Angst ist: Es ist die alternde, tobende Show-Queen-Sängerin, die die Lacher und die grossen Nummern abräumt. „My Night“, „It’s Just My Little Tribute to Caligula, Darling!“ und „Friendly Fire“ sind alles Showstopper – und Meller widmet jeder davon volle Aufmerksamkeit: rau in der Kehle, voller Anspielungen, hedonistisch bis zur Spitze. So fliessend wie ihre Sexualität ist auch ihre scharfe Zunge; beeindruckend meisselt Meller ihre Billie aus theatralischem Marmor. Ihre rauen Kanten haben eine urwüchsige Schönheit, ihre vulgären Winkel, ihre ausschweifende Überschwänglichkeit. Vor allem aber lässt Meller Billie wie Elsie wirken, mit der Sally Bowles zwei schäbige Zimmer in Chelsea teilte. Meller bringt das Cabaret an den Tisch.

Weder Craig Berry als Vic noch Amy Matthews als Shell wirkten in ihren anspruchsvollen Rollen ganz zuhause. Matthews hat eine schöne Stimme, muss sie aber stärker stützen; Berry wird den Anforderungen von „Vampires“ nicht ganz gerecht – schade, denn das ist eine grossartige Hymne. In ihren gemeinsamen Szenen leisten beide ihre beste Arbeit. Sie lassen die Idee der zersplitterten Familie, die mühsam wieder Anschluss sucht, gut funktionieren.

Das Ensemble ist grösstenteils hervorragend, mit besonders beeindruckender Arbeit von Grace Reynolds, Alex Tranter, Martin Harding und Tamsyn Blake. Es wirkt, als hätten sie alle Spass, und alle lassen sich auf die seltsamen und ungewohnten – oder scheinbar ungewohnten – Dinge ein, die ihre Figuren tun. Gelegentlich gibt es etwas unnötiges Fokusziehen und Overacting, das stört; aber wenn alle zusammenarbeiten, Joels geschmeidige Routinen tanzen und mit voller Kraft singen, sind sie wirklich enorm beeindruckend. „Hedonism“, das Akt Eins schliesst und Akt Zwei eröffnet, ist so eine Nummer, bei der man einfach tanzen will.

Die Spielzeit ist ausverkauft, auch wenn es täglich Rückläufer geben kann. Es lohnt sich, diese Produktion noch zu erwischen, wenn es irgendwie geht. Wenn es gerecht zugeht, wird sie in ein Haus wechseln, in dem sie lange laufen kann. Denn indem sie den Wert und die Kraft der Arbeit der Pet Shop Boys und von Harvey zeigt, bringt diese Produktion alle, die sie sehen, ein kleines Stück näher an den Himmel.