REZENSION: City Of Angels, Donmar Warehouse ✭✭✭✭

Stadt der Engel

Donmar Warehouse

19. Dezember 2014

4 Sterne

Was ist das? Ist das ein Drehboden auf der Bühne des Donmar? Ja, das ist es. Ein Drehboden, der in einige antike Böden eingebaut ist. Es gibt auch eine gewundene Treppe, die von der unteren Ebene zu einer höheren Ebene führt, wo offensichtlich Handlung stattfinden wird. Der obere Teil hat eine Kulisse aus Stapeln von Papieren, Drehbüchern - es ist das Reich eines Schriftstellers. Der untere Teil hat eine Kulisse aus Filmrollen; eine Studiobibliothek vergangener Hits, deren grelle Titel sorgfältig auf die Seite jeder dünnen Rolle geschrieben sind. Und alles ist schwarz, weiß und grau.

Robert Jones gibt dem Publikum, das das Donmar Warehouse betritt, in einem gekonnten Zug ein klares Verständnis dafür, worauf es sich in Josie Rourkes Inszenierung des vernachlässigten Meisterwerks 'City of Angels' einlässt: zwei miteinander verbundene Welten, die reale Welt des Schriftstellers und die fiktionale Welt, die er produziert; zwei Welten, in denen es Überschneidungen und Wendungen, Drehungen und Umdrehungen geben wird. Schon allein beim Betrachten des Bühnenbildes kann das Publikum erkennen, dass dies kein gewöhnliches Musical ist - sie müssen aufmerksam sein. Sie können spüren, was ihnen bevorsteht.

Jones hilft ihnen dabei - die Welt des Schriftstellers ist farbenfroh; die fiktionale Filmwelt ist ganz in Schwarz-Weiß gehalten, was den Geist der großen Film-noir-Klassiker widerspiegelt, die dieses Stück im Herzen feiert und auf die Schippe nimmt. Howard Harrisons vorbildliches und inspirierendes Lichtdesign trägt erheblich zum Verständnis der Zwei-Welten bei. Das Donmar sah selten so gut aus wie hier, dank Jones und Harrison.

'City of Angels' hat eine tadellose Abstammung - ein Buch von Larry Gelbart, Texte von David Zippel und eine reiche, blecherne Partitur von Cy Coleman. Es bietet großen Spielraum für sexy, lustige, spannende und überraschende Momente. Und enormen Gesang.

Es gibt zwei parallele Geschichten, die sich verweben. Stine ist ein Schriftsteller, verheiratet, aber untreu, der ständig mit dem Studio kämpft, um die künstlerische Integrität seines Buches zu bewahren, das er für die Leinwand adaptiert. Er muss sich mit seinen eigenen Unzulänglichkeiten und den lächerlichen Forderungen seines philistrischen Produzenten/Regisseurs Buddy Fidler auseinandersetzen sowie mit den Versprechungen, die dieser Mann an verschiedene Schauspielerinnen macht, mit denen er vertraut ist. Wir sehen die lebendige Welt, die er für seine Figuren schafft, hauptsächlich Stone, den ehemaligen Polizisten, der zum Detektiv wurde; das musikalische Gegenstück zu Humphrey Bogart, und beobachten, wie er ihre Schicksale schreibt und umschreibt.

Sehr offensichtlich ist Stone Stines innerer, macho Held, der Name ist verräterisch genug. Es macht viel Spaß, Stines Neufassungen zu verfolgen, und der beste Aspekt der Regie dieser Produktion ist die Art und Weise, wie die Darsteller mit diesen Überarbeitungen umgehen - sie agieren rückwärts bis zu dem Punkt, an dem Stone anfängt, neu zu schreiben. Es hört nie auf, amüsant zu sein. Allein diese Sequenzen sind es wert, die Produktion zu sehen.

In vielen anderen Aspekten jedoch lässt Rourkes Regie zu wünschen übrig. Dies ist eine der sexysten, sinnlichsten Partituren im Broadway-Repertoire, und doch produziert Rourke eine fast sterile, enthaltsame Version. Und das hat nichts mit der Musik zu tun, die von dem heißen Orchester unter der Leitung des begabten Gareth Valentine mit immensem Schwung und Stil gespielt wird; noch hat es etwas mit der Inszenierung der Musiknummern zu tun, in denen Stephen Mear in atemberaubend guter Form, witzig, überraschend und fröhlich ist.

Nein, die Probleme liegen hier bei der Besetzung und der Regie. Es gibt einfach nicht genug Pfeffer in dieser Stadt, die Engel sind nicht engelhaft genug, der Sex ist nicht wild genug, und die Charaktere, besonders die fiktionalen Charaktere, sind nicht extrem genug. Da gibt es eine Fülle verpasster Gelegenheiten.

Die Darbietung des Abends kommt von Marc Elliott, der die vergleichsweise kleine Rolle des Munoz (des fiktiven Polizei-Partners von Stone, der entschlossen ist, in einer Comicbuch-Manier, dafür zu sorgen, dass Stone sich für ein Verbrechen verantwortet, das Munoz glaubt, dass er es begangen hat) und Pancho, den flamboyanten Matinee-Idol, das in dem Film die Rolle von Munoz spielen wird, hat. Elliott ist unglaublich gut; er lässt sich keine Sekunde entgehen, die die Rolle bietet, und macht viel aus dem Material. Tatsächlich kommt der erste Akt erst dann richtig in Schwung, was Schauspiel und Gesang angeht, als er sein bahnbrechendes, alles singendes, alles tanzendes, Tour de Force, komplett mit stilvollen Backup-Tänzern, 'All Ya Have To Do Is Wait' abliefert. Mear liefert spektakuläre Choreographien, und Elliott nutz die gebotene Gelegenheit voll aus. Die Show ist in dieser Nummer nie besser.

Was bemerkenswert ist, weil es bei weitem nicht die beste Nummer in der Partitur ist. Die Meinungen darüber, welche die beste Nummer sein könnte, gehen auseinander, aber die folgende nach Elliotts, 'You're Nothing Without Me', gehört sicherlich zu den Top 5. Hier ist es die Inszenierung, die es elektrisierend macht. Stone und Stine haben das Äquivalent eines musikalischen Duells, jeder sucht die Vorherrschaft über den anderen.

Harrisons Beleuchtung geht hier auf Hochtouren und erzeugt ein ganz und gar fesselndes 'coup de théâtre'. Es ist fantastisch zu sehen, wie Stone (Tam Mutu) und Stine (Hadley Fraser) im Mear/Harrison Kriegsgebiet kämpfen, aber der Gesang steht ganz klar an dritter Stelle hinter Bewegung und Beleuchtung. Wo