KRITIK: Caste, Finborough Theatre ✭✭✭

Susan Penhaligon, Rebecca Collingwood, Paul Bradley, Duncan Moore und Neil Chinneck in Caste. Caste

Finborough Theatre,

Montag, 3. April 2017

3 Sterne

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Es gibt einen erheblichen Nervenkitzel, der sich daraus ergibt, die Stimmen zu hören, die uns dieses vergessene komische Melodram des 19. Jahrhunderts bringt, Stimmen aus der Vergangenheit und einer Welt, die wir kaum wiedererkennen, und doch eine, die wir - bei erneuter Bekanntschaft - verpflichtet sind, zu erinnern und zu respektieren, was sie war: eine Phase, die durchlaufen werden musste, bevor bessere Dinge erreicht werden konnten.

Zwei Schwestern, Esther und Polly Eccles (Isabella Marshall und Rebecca Collingwood), verdienen ihren Lebensunterhalt, wenn sie nicht in verschiedenen 'Balletten' an Orten wie dem 'Theatre Royal Lambeth' tanzen, leben sie zu Hause mit ihrem verwitweten, nichts nützenden trunksüchtigen Vater Paul Bradley. Isabella wird von höher gestellten Verehrern umworben, George d'Alroy (Duncan Moore), der mit seinem militärischen Kumpel Captain Hawtree (Ben Starr) teilnimmt, während Polly den aufstrebenden Gasingenieur Sam Gerridge (Neil Chinneck) angezogen hat. Als die Nachricht von der bevorstehenden Allianz ihres Sohnes seine Mutter erreicht, wird die von den Plantagenets abstammende Marquise de St. Maur (Susan Penhaligon) zum Hauptdorn in der Seite von Isabellas Versuch, aus der (etwas vornehmen) Armut zu entkommen und in den vergleichenden Komfort des Lebens als Ehefrau eines kleinen Aristokraten zu gelangen. Sie trägt die Hauptlast der melodramatischen Neigungen des Stücks, während ihre Schwester als Soubrette sich an dessen komischen Elementen erfreut. Die Besetzung ist durchweg gut gewählt, mit besonders erfolgreichen Interpretationen von Starr, Bradley und Penhaligon, willkommener Energie von Collingwood und Chinneck sowie erfrischend willensstarker Durchsetzungskraft von Marshall.

Neil Chinneck, Rebecca Collingwood und Isabella Marshall in Caste

Es ist der Traum eines jeden Entdeckers der obskuren Nebenwege der Theatergeschichte, durch Zufall auf die Entdeckung eines verlorenen Meisterwerks zu stoßen. Solche Entdecker verdienen unsere Bewunderung für ihre Ausdauer und Entschlossenheit bei ihrer Suche nach Meisterwerken, die von der Zeit und den Launen der Mode begraben wurden, ihre Herrlichkeiten der Nachwelt vergessen sind. Ebenso sollten wir sie nicht zu hart verurteilen, wenn das, was sie finden, sich als weniger als ungetrübter Schatz entpuppt.

So ist es bei dieser geschickt geschriebenen, klug gedrehten, effizienten bürgerlichen Komödie aus der Mitte des 19. Jahrhunderts: 'Caste'. Schon der Name deutet darauf hin, dass es eindeutig an ein britisches Publikum gerichtet ist, das mit den internen sozialen Strukturen Indiens – diesem riesigen Landstrich Südasiens, der kürzlich vom britischen Heer erobert und nach dem erfolglosen Aufstand 1857 gegen die Kontrolle der East India Company bezwungen wurde – vertraut ist. Kastensysteme sind die unveränderlichen sozialen Strukturen, in die jeder Inder hineingeboren wird und die die sozialen Parameter bestimmen, innerhalb derer er oder sie sich bewegen kann. Dieses Stück eignet sich den Begriff an und wendet ihn auf die britische Gesellschaft an, indem es häusliche soziale Arrangements in denselben unflexiblen Begriffen ausdrückt wie das viel ältere und stabilere soziale System des Subkontinents.

Wie Sie wahrscheinlich bemerkt haben, um dieses Stück wirklich zu 'verstehen', müssen Sie über den Kontext Bescheid wissen, aus dem es hervorgeht. Zweifellos wussten die Menschen in den 1860er Jahren, als dieses Stück erstmals auf die Welt losgelassen wurde, davon, und ohne Frage verband sich die Arbeit damals eher mit ihrem Publikum als heute. Doch heutzutage müssen wir es - wie jedes dramatische Werk - anhand seiner Fähigkeit bewerten, eine eigene Welt zu schaffen, in der wir uns aufhalten können, und dort beginnen die Probleme.

Duncan Moore und Isabella Marshall in Caste.

Als Stück blickt T. W. Robertsons Unterhaltung sowohl zurück auf die Komödien des 18. Jahrhunderts als auch voraus auf die persönlichen und sozialen Anliegen der späten Viktorianer wie Wilde, Shaw und Granville-Barker. Wie viele Stücke seiner Ära, im Vergleich zu seinen Vorgängern und Nachfolgern, ist es eher dünn. Während es im Zentrum des Stücks eine fesselnde Situation gibt, und Regisseurin Charlotte Peters es für alles, was es wert ist, ausarbeitet, und obwohl Komponist und Sounddesigner Theo Holloway die Emotionen des Dramas verstärkt und das Theater mit viel größerer Musik aus Ballett- und Opernpartituren der Epoche flutet, ist die Dürftigkeit des Materials sein Untergang. Der Geschmack hat sich geändert. Wir erwarten mehr Substanz in unserem Theaterensemble. Als Kuriosität ist es ein edles Experiment in der Wiederbelebung eines Stücks, das seine Zeit hatte und aus Gründen, die allzu sichtbar sind, nicht überlebt hat.

Vor einigen Jahren bescherte uns The Old Vic eine atemberaubende Wiederentdeckung von Turgenews 'Fortune's Fool', ein vollkommen ungerechtfertigt vernachlässigtes Meisterwerk. Nun, Glückwunsch an sie, dass sie es gefunden haben. Nicht jeder hat so viel Glück. Dies ist eine lohnende Übung, sie ist gut produziert, gut gespielt und wohl nahezu sicher, dass man denkt, was die Entwicklung des britischen Theaters im 19. Jahrhundert betrifft, so viel Besseres sollte noch kommen.

Bis 18. April 2017

Fotos: Greg Veit

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