REZENSION: Cabaret, Studio 54 ✭✭✭✭✭

Alan Cumming in Cabaret im Studio 54. Foto: Joan Marcus Cabaret

Studio 54

17. April 2014

5 Sterne

Für viele Menschen sind einige der großen, prägendenden Musical-Theateraufführungen jene in den Filmversionen der Bühnenmusicals. Im Fall von Rex Harrison in My Fair Lady, Yul Brynner in The King and I und Julie Andrews in The Sound of Music stehen diese Menschen auf starkem Boden - obwohl La Andrews die Rolle der Maria Von Trapp nicht auf der Bühne kreiert oder sie anschließend gespielt hat. Sie wurde, wie andere Stars, aus den Möglichkeiten ausgewählt, um eine Hauptrolle in einer Filmadaption zu spielen.

Natürlich war The Sound of Music im Vergleich zu anderen Filmadaptionen keine große Abweichung von der Bühnenshow. Andere Filmmusicals wurden mit weniger Rücksicht auf die Bühnenversion, die ihre Existenz ermöglichte, adaptiert. Hello Dolly, mit der Hauptrolle von La Streisand, und Cabaret, mit Liza Minelli, fallen in diese Kategorie: erfolgreiche, unvergessliche Filme mit zentralen Star-Leistungen, die wenig mit den Parametern, den grundlegenden Bedürfnissen, Höhen und Tiefen der ursprünglichen Bühnenshow gemein haben.

Das Problem ist, dass diese Filme in das kollektive Bewusstsein eingebrannt wurden, und so erwarten Menschen, die diese Shows im Theater sehen, verständlicherweise eine ähnliche Erfahrung. Aber im Fall von Dolly Levi und Sally Bowles ist die einfache Tatsache, dass die Theaterpersönlichkeiten wenig, manchmal gar keine Ähnlichkeit mit diesen Filmstar-Auftritten haben.

Gleichzeitig sind die mit diesen großartigen Charakteren verbundenen Lieder zu Standards geworden, und die Welt ist es gewohnt, Stücke wie Maybe This Time, Cabaret und Before The Parade Passes By als große, mitreißende Showstopper-Nummern zu hören.

Erwartungen können also perfekten Aufführungen im Wege stehen.

Aber es wäre in der Tat eine törichte Person, die solche Erwartungen zuließe, um ihr Vergnügen an der einfach großartigen Wiederaufnahme von Cabaret, die derzeit im Studio 54 am Broadway gezeigt wird, zu trüben. Regie führen Sam Mendes und Rob Marshall, der auch für die Choreografie verantwortlich ist; dies ist eine Wiederaufnahme der Tony-prämierten Produktion, die sie 1998 inszenierten. Es ist zweifellos möglich, dass die ursprüngliche Produktion besser war als diese Wiederaufnahme, aber mit Ausnahme eines kleinen Aspekts scheint es mir unverständlich, dass sie es hätte sein können.

Denn dies ist köstlich, atemberaubend, zart und in jeder Hinsicht herrlich abweichend - es ist ein Cabaret im Titel, in Form und Herz. Es ist in einem Moment urkomisch und im nächsten schmerzhaft tragisch. Einige Dinge sind, zu Recht, übertrieben, andere sind, ebenso zu Recht aber vielleicht überraschend, untertrieben, und die Freude an den wundervollen Liedern von Kander und Ebb steht ständig im Gegensatz zu dem schäbigen, schrecklichen und herzzerreißenden Schicksal der Hauptfiguren.

Die Inszenierung ist kompakt und präzise. Oft ist die Holzbühne kahl. Beleuchtung (Peggy Eisenhauer und Mike Baldassari) spielt eine große Rolle beim Hervorrufen emotionaler Reaktionen, und die Vignetten auf der Bühne sind nie zufällig und immer perfekt umgesetzt. Der einfache Followspot wird fast zu einem Charakter im Drama.

Die Regie ist nichts weniger als brillant. Das Tempo lässt nie nach, selbst in den Pausen schlägt das Herz des Stücks entschlossen vorwärts. Und die Choreografie ist schmutzig, bemerkenswert, fein abgestimmt und völlig aufregend. William Ivey Long übertrifft sich selbst in der Kostümabteilung: elegant und anzüglich, jedes Outfit ist genau richtig für das hier zugrundeliegende Regiekonzept.

Das Ensemble besteht anscheinend ausschließlich aus vierfachen Bedrohungen: talentierte Schauspieler, Sänger, Tänzer und Bandmitglieder. Sie spielen Nebenrollen, verführen das Publikum, tanzen eindrucksvoll und spielen alle Musik. Sie sind phänomenal. Und wenn der MC sagt "das Orchester ist wunderschön", übertreibt er in keiner Weise; das Orchester ist glühend heiß.

Die musikalische Leitung (Patrick Vaccariello) ist tadellos, das Gleichgewicht und der Ton ausgezeichnet, die Betonung der Texte klar. Der Gesang ist insgesamt großartig, die Harmonien sauber und stark.

Alan Cumming spielt den MC mit einer Wildheit, die atemberaubend ist. Er ist in hervorragender körperlicher Verfassung und allen Anforderungen dieser eklektischsten Rollen gewachsen. Er improvisiert wunderbar, wenn die Gelegenheit es erlaubt, und obwohl er sehr sexuell und sehr lustig ist, ist er auch zu großer Tiefe fähig: seine Darbietung von I Don't Care, im vollen Torch-Song-Modus und funkelndem Paillettenkleid, ist erschreckend in ihrer Intensität. Wenn man ihm zuhört, versteht man, was der Ausdruck "sing dein Herz aus" wirklich bedeutet.

Ebenso berührend und wunderschön gemacht war If You Could See Her Through My Eyes, das hier von Cumming so dargeboten wurde, als wäre es gestern geschrieben worden. Und Two Ladies war eine komische sinnliche Überdosis, als Cumming sowie ein Mädchen und ein Junge-Mädchen ungezähmt in lustvoller Schlechtigkeit umhertollten und tanzten.

Der MC hier durchstreift ständig die Bühne, taucht aus der Dunkelheit auf, um Chaos zu verursachen, einen Punkt zu machen, sich einer Kickline anzuschließen oder ein mit Swastika tätowiertes nacktes Hinterteil zu entblößen oder einen Scheinwerfer auf eine wichtige Angelegenheit zu richten. Cumming hört nie auf, gibt nie auf, attackiert die Rolle mit unerschütterlichem Enthusiasmus. Er ist in jeder möglichen Weise großartig.

Ich habe einige wunderbare Fräulein Schneiders in meiner Zeit gesehen, aber was Linda Emond hier mit der Rolle macht, ist wirklich perfekt. Sie singt beide ihre Lieder mit überraschender stimmlicher Kraft (wer hätte gedacht, dass sie eine so starke, ausgebildete Singstimme hat?) und ist geschickt darin, die inhärente Traurigkeit der Figur und die gewaltige Möglichkeit des Glücks zu verkörpern, die kommt und dann bösartig von ihr genommen wird. Ihre makellose, trostlose Darbietung von What Would You Do? ist in jeder Hinsicht atemberaubend. Triumphierend.

Als Herr Schulz ist Danny Burstein einfach wunderbar. Genial und hoffnungsvoll, seine heitere deutsche Judenrolle ist eine reine Freude. Er liefert das Rückgrat des emotionalen Horrors des Abends und macht dies makellos. Der Moment am Ende des ersten Akts, als seine Welt zusammenbricht, da die Nazis näherkommen und seine Herkunft enthüllt wird, ist überwältigend effektiv, untermalt von dem melancholischen Tomorrow Belongs To Me.

Die zwei problematischsten Rollen im Stück sind Cliff und Ernst, aber diese Version des Drehbuchs mildert die klobigen Ränder des Originalskripts und in den Händen zweier begabter und charmanter Schauspieler werden sie mehr als bloße Chiffren. Bill Heck ist ein männlicher bisexueller Cliff, belastet durch seine Karriere und seine Unfähigkeit zu schreiben, aber fasziniert von der Welt, die der Kit Kat Klub bietet. Er bringt eine geschmeidige Sicherheit in seine Beziehung zu Sally und stellt gleichzeitig eine echte Verbindung mit dem Deutschen Ernst her.

Aaron Krohn ist herausragend als Ernst und stellt wirklich die wahre Dichotomie des Aufstiegs der Nazis dar: Er ist ein gewöhnlicher Deutscher, patriotisch und vernünftig, der die Rhetorik und Ideologie der Partei übernimmt. Weil Krohn Ernst gewinnend statt schleimig oder manipulativ macht, wird der tiefe Horror seiner Nazi-Zugehörigkeit scharf empfunden. Wie Fräulein Schneider es fühlt, so auch das Publikum. Und all dies hilft uns, Cliff zu verstehen.

Gayle Rankin trifft nicht jeden Punkt als Fräulein Kost, aber die meisten von ihnen. Vielleicht ist es nur die Qualität der anderen Darsteller, aber etwas an ihrer Darbietung ist kantig und getrennt. Auf ihrem höchsten Niveau ist dies jedoch nur eine kleine Ungereimtheit.

Aus dem Ensemble gibt es besonders gute Arbeit von Leeds Hill (Bobby), Dylan Paul (Victor), Kristen Olness (Helga), Kayleigh Cronin (Lulu) und Evan D. Siegel als Rudy. Jeder bringt eine spezielle leuchtende Qualität zu ihrer Arbeit - es ist schwer, den Blick von ihnen abzuwenden.

Als Sally Bowles strahlt Michelle Williams mit glühender Energie und zitternder punktgenauer Fragilität; sie ist in jeder Hinsicht makellos.

Sally Bowles ist eine zweitklassige Darstellerin, eine englische Flüchtige, die in Berlin dank lüsterner Gönner und schäbiger Mitdarsteller über die Runden kommt. Als Figur in der Bühnenshow oder aus Isherwoods ursprünglichem Roman ist sie nicht die feurige Sirene, die auf Zelluloid von Liza Minelli geschaffen wurde, als Charakter wies sie zweifelsohne Fehler auf.

Nein.

Sally Bowles singt nicht wirklich gut, sie tanzt nicht wirklich gut und sie ist eine gebrochene, verlorene, puppenartige Figur, die an raue schlechte Behandlung gewöhnt ist. Sie hat Träume, aber sie ist selbstzerstörerisch. Während sie hell erstrahlen kann, verblasst sie immer wieder.

Williams erfasst diese Figur genau. Sie ist durch und durch englisch, fast eine wahnsinnige Flapper-Ausreißerin. Niedlich, dekadent und skandalös, sie verkörpert willentliche Selbstvergnügtheit und isolierte Entschlossenheit.

Ihre Auftritte in Don't Tell Mama und Mein Herr waren wirklich unterhaltsam - volles Engagement mit der Möchtegern-Diva. Einsichtsvoll, und zu immensem dramatischem Effekt, verwandelt sie Maybe This Time in einen introspektiven Klagegesang, voller Schmerz, Sehnsucht und der Erwartung von Enttäuschung. Dies ist keine geschmetterte Hymne - es ist ein Ruf aus dem Herzen, ein Wunsch nach echter Verbundenheit, eine Erkenntnis der Torheit, die das Leben ist. Es ist großartig.

Aber die wahre Überraschung kommt in der Elf-Uhr-Nummer, dem Titelsong: Cabaret. Williams nähert sich diesem Lied aus einer frischen und einzigartigen Perspektive. Es wird genauso kathartisch für ihre Sally, wie Rose's Turn für Momma Rose in Gypsy. Es war, als wäre das Lied nie zuvor gehört worden: jede Note pulsierte vor Bedauern, Schmerz und Wut. Eine völlig originale Darbietung. Ihr zuzuhören, wie sie ihre Seele in diese Nummer steckt, wird als eine der großartigsten Erfahrungen, die jemals auf einer Broadwaybühne gemacht wurden, zählen.

Und ihre Augen... der quälende Blick in ihren Augen, als sie sich an Elsie erinnerte und dann gegen ihr Schicksal ankämpfte... absolut fesselnd.

Williams hat hier eine überwältigende Leistung abgeliefert - eine, die durchdacht, vollkommen glaubwürdig, zerbrechlich, dekadent und voller Missgeschick und Verzweiflung ist.

Sie ist, ohne Frage, die beste Sally Bowles, die ich jemals gesehen oder gehört habe.

Entschuldigung Dame Judi.

Dies ist mit Abstand die beste Version von Cabaret, die ich jemals gesehen habe. Tun Sie alles, um es zu sehen.