REZENSION: Bye Bye Birdie, Ye Old Rose and Crown Theatre ✭✭✭✭

Bye Bye Birdie

Ye Olde Rose and Crown Theatre

15. August

4 Sterne

Bevor er sich als eine Größe der Country-Musik und in Family Guy einen Namen machte, war Conway Twitter ein Hüftschwingender Rivale von Elvis Presley. Er war einer von vielen Schlüsselspielern der Rock’n’Roll-Revolution der 50er und 60er Jahre, eine Ära, die im Musical Bye Bye Birdie brillant auf die Schippe genommen wird.

Das Stück ist eine Satire über die amerikanische „Herzensbrecher“-Kultur und die unbeständige und inszenierte Natur des Ruhms. Der Rockstar Conrad Birdie (verstehen Sie?) ist der Herzensbrecher der Nation, benötigt jedoch eine clevere List, um der militärischen Einberufung zu entgehen. Als PR-Stunt schickt Birdies Manager Albert ihn in die amerikanische Provinz, damit er von seinen begeisterten Fans bedrängt wird. Doch es läuft nicht ganz nach Plan, als sowohl Conrad als auch seine Freundin sich aus dem Staub machen.

Michael Stewarts Drehbuch ist voller Leben und Spaß und nimmt Elvis-Manie und Promi-Kultur aufs Korn, während es gleichzeitig einen passenden Rahmen für einige tiefere menschliche Geschichten bietet. Die Witze kommen dicht und schnell und treffen meistens ins Schwarze; Alberts sarkastische Mutter und die verzweifelten Vater von Superfan Kim bieten einige besonders schöne Momente.

Die Musik von Charles Strouse und Lee Adams ist vollgepackt mit unvergesslichen Melodien – ich hatte dieses Stück vorher noch nie gesehen und war wirklich überrascht, wie viele Lieder es in die Popkultur geschafft haben. Ob es nun Put On a Happy Face (ein Favorit in TV-Soundtracks), Kids (parodiert in Die Simpsons) oder We Love You Conrad (eine Melodie, die von Fußballfans im ganzen Land gesungen wird) ist, die Musik hat ein Eigenleben entwickelt, und es ist leicht zu verstehen, warum. Besonders gut sind die hervorragenden Harmonien in Baby Talk To Me und die Ode an den Teenager-Klatsch bei The Telephone Hour; die Musik wird Ihnen noch Stunden nach dem Verlassen des Theaters im Kopf bleiben.

Es ist nicht oft, dass man aus einer Produktion herauskommt und über die Choreografie schwärmt, aber Anthony Whitemans Bewegungen waren eine Klasse für sich und übertreffen vieles, was im West End zu finden ist. Es gab viele Gelegenheiten für ausgedehnte Choreografie – zum Beispiel hatte der Shriner Ballet etwa fünf Minuten ununterbrochene Tanzzeit (aber dazu später mehr). Er widerstand dem Drang, im Stil von Grease zu jiven und jitterbuggen (obwohl es ein wenig davon gab). Stattdessen war es eine hochkomplexe Mischung aus Jazz, Modern, Stepptanz und Ballett, die brillant von der Besetzung aufgeführt wurde; die Vielfalt und Eleganz der Bewegungen erinnerten mich manchmal sogar an West Side Story.

Obwohl Birdie der Titelcharakter ist, hat er nicht viel Bühnenzeit und bleibt einen Großteil der ersten Hälfte stumm. Dennoch braucht er eine grandiose Stimme – die ersten Worte des Charakters auf der Bühne sind die vom Elvis inspirierte Rocknummer „Honestly Sincere“, mit ihren satirisch gehaltlosen Texten. Das Lied baut sich zu einem euphorischen Höhepunkt auf, und seine Superfans geraten in einen urkomischen Rausch. Zac Hamilton meistert die Herausforderung mehr als erhofft und gibt Birdie emotionale Tiefe und bringt seine musikalischen Nummern wirklich zum Erfolg.

Statt Birdie sind die beiden Hauptcharaktere sein überarbeiteter Manager Albert und seine Sekretärin und sein Liebesinteresse Rose. Ihre wechselhafte Beziehung steht im Mittelpunkt der Geschichte, und es ist tatsächlich Liberty Buckland als Rose, die die Show stiehlt. Rose ist ein fantastischer weiblicher Charakter; süß, aber auch intelligent und hinterlistig. Buckland hat eine hervorragende Stimme (besonders in den höheren Lagen) und ist eine ausgezeichnete Schauspielerin, aber es ist während des Shriner Ballet-Tanzes, wo sie ihr Starpotenzial zeigt.

In dieser Szene hat Rose eine unglückliche Gruppe von Männern in einem Herrenclub fest im Griff, was wunderbar durch gute fünf Minuten kontinuierlichen Tanzes dargestellt wird. Buckland ist in dieser Szene atemberaubend verführerisch mit guter Unterstützung vom männlichen Ensemble – das Publikum für so lange zu fesseln ist nicht einfach und deutet darauf hin, dass Buckland mehr als ein bisschen Starpotenzial hat. Erneut hebt Whitemans Choreografie eine Szene auf das nächste Level; andere Versionen, die ich seitdem gesehen habe, wirken im Vergleich wirklich schwach (sofern sie überhaupt existieren – diese Szene wird oft gestrichen, selbst bei professionellen Produktionen - wahrscheinlich, weil sie etwas gewagt ist).

Ryan Forde Iosco war ausgezeichnet als Albert; er hatte großartige Chemie mit Bucklands Rose und erfasste den Aufruhr und die Komik seiner Situation – gefangen zwischen seiner temperamentvollen Freundin und der überfürsorglichen Mutter. Er ist nicht der stärkste Sänger unter der Besetzung, trägt seine Nummern jedoch perfekt gut. Jayne Ashley war urkomisch als die überfürsorgliche Mutter, die mit jedem Blick und Schritt Missbilligung und Enttäuschung zeigt. Harry Hart bringt auch eine starke Leistung als Kims Vater und liefert einige hochamüsante Tiraden mit Schwung.

Während das Ensemble insgesamt ausgezeichnet war, erschien einige der Besetzungen etwas ungewöhnlich. Albert hatte realistisch eine „ältere“ Mutter, jedoch sahen die Schauspieler, die die Eltern der fünfzehnjährigen Kim spielen, beide wirklich jung aus (Stephanie Lyse insbesondere als Kims Mutter). Schauspieler in ihren Zwanzigern zu verwenden, um Schüler zu spielen, ist logistisch nachvollziehbar, brachte jedoch nicht viel Klarheit darüber, wie das Stück besetzt wurde. Dennoch bin ich bereit, meinen Unglauben auszusetzen, zumal die weiblichen Ensemblemitglieder, die die „Fangirls“ spielen, wirklich lustig waren. Beth Bradley und Stephanie Palmer waren besonders gut; einige ihrer reaktiven Gesichtsausdrücke waren urkomisch und die Augen würden oft instinktiv auf sie gerichtet werden, wenn sie auf der Bühne waren.

Eine sehr kleine Bühne machte die beeindruckende Choreographie umso eindrucksvoller, könnte jedoch die Klarheit während einiger der Ensemble-Nummern behindert haben, aufgrund der schieren Anzahl der Personen auf der Bühne (insbesondere The Telephone Song, den ich erst nach dem Anhören des Soundtracks vollständig schätzen konnte). Der Raum selbst war in ein US-amerikanisches Diner der 1950er Jahre verwandelt; Bühnenbild und Requisiten waren minimal, aber es gab einige nette Details – einige Milchshakes im Bereich der Band und eine CD von Birdie an der Wand befestigt.

In den falschen Händen könnte dieses Stück genau das werden, was es zu persiflieren versucht: eine mitklatschende, peppige, zuckersüße Angelegenheit. Allerdings bedeutet die beeindruckende Choreografie, die mitreißende Musik und einige fantastische Darstellungen, dass diese Neufassung auf jeder Ebene funktioniert.

Fotos: David Ovenden

Bye Bye Birdie läuft bis zum 4. September 2015