REZENSION: Jenseits von Bollywood, London Palladium ✭✭

Jenseits von Bollywood

London Palladium

11. Mai 2015

2 Sterne

Versuche, die Herrlichkeiten der Bollywood-Musicaltradition von der indischen Leinwand auf die britische Bühne zu übertragen, haben eine wechselvolle Geschichte. Im Jahr 2002 war Andrew Lloyd Webber maßgeblich daran beteiligt, Bombay Dreams im Apollo Victoria aufzuführen, und nun nimmt Jenseits von Bollywood bis Ende Juni im London Palladium Residenz. Auf den ersten Blick scheint das Palladium ein natürlicher Ort für das überschäumende und extravagante Bravourstück Bollywoods in seiner vollen Pracht zu sein. Am Premierenabend standen draußen vor dem Theater die Paparazzi bereit, um die Stars zu fotografieren, die wir gleich auf der Bühne sehen würden, und als sich der Vorhang mit der Eröffnungsnummer ‚Namaste India‘ hob, schien es eine perfekte Verbindung zwischen dem plüschigen und glamourösen Theater von Matcham und der Energie und den farbenfrohen Kostümen der Tänzer und Trommler auf der Bühne zu geben. Doch von da an war es ein Abwärtstrend, der nur gelegentlich durch eine feine Abfolge von Tanzsequenzen in der zweiten Hälfte des Abends unterbrochen wurde. In vielerlei Hinsicht ähneln die Probleme denen, die die Kritiker schon 2002 identifizierten. Damals wurde Bombay Dreams dafür kritisiert, sich zu sehr darum zu bemühen, Handlung und Format an westliche Konventionen und Annahmen anzupassen und dadurch den Kontakt zu den Kernstärken der Bollywood-Filmtradition zu verlieren. Dasselbe kann man auch hier sagen.

Die Grundgeschichte an sich ist in Ordnung: Sie folgt der üblichen anspruchsvollen, vom Tellerwäscher-zum-Millionär-Achterbahnfahrt der Herausforderungen – familiär, romantisch, finanziell – die den Helden und die Heldin von Träumen über Erfolge zu Enttäuschungen und dann zurück zur endgültigen Apotheose führen, wobei sie alle von verschiedenen spektakulären Tanzsequenzen unterbrochen werden. Daran ist nichts auszusetzen – schließlich ist das nicht weniger als viele hochgeistige Opernplots in der westlichen klassischen Tradition zu bieten haben. Darüber hinaus bietet diese Art von Handlung uns die Gelegenheit für eine Vielzahl exotischer Schauplätze und eine Reihe von Möglichkeiten für atemberaubende Darbietungen verschiedener Tanzkulturen und choreografischer Traditionen aus ganz Indien. In der zweiten Hälfte dieser erprobten und bewährten Formel entfaltet sie sich am besten und es war ein wahrhaftiges Fest, Tanzdarbietungen aus Gujarat und Punjab zu sehen, die keine Geschichte oder Erklärung benötigten, um zu begeistern. Während der gesamten Show gab es auch wunderbare Beispiele klassischer Kathak-Tänze, insbesondere von Pooja Pant, die die Rolle der Mutter der Heldin spielt und damit zeigt, dass in Bollywood weniger auch manchmal mehr sein kann.

Leider wurden diese Kernstärken an so vielen Stellen von dem Bemühen untergraben, das Material einem westlichen Publikum zu erklären und anzupassen, das, denke ich, von dem unveränderten Original viel mehr begeistert gewesen wäre. Nach der Eröffnungsnummer hatten wir eine völlig überflüssige Einführung in die Identität der wichtigsten Instrumente der indischen Tradition. Ich denke, man kann davon ausgehen, dass ein Publikum für ein Bollywood-Musical die Merkmale und Klangqualitäten von Sitar und Tabla bereits kennt. Ebenso war es nicht nötig, die Heldin Shaily mit einer komplizierten Hintergrundgeschichte aus München zu belasten, die nur dazu dient, die ohnehin schon lange erste Hälfte zu verlängern. Shaily versucht, das ihr von ihrer Mutter hinterlassene Ahnen-Theater durch Shows, die auf indischem Volkstanz basieren, zum Erfolg zurückzuführen. Sie zieht nach Bombay, um ihre eigenen Tanzfähigkeiten zu verbessern und trifft dort Raghav, der aufgrund von Projekten, die West und Ost verschmolzen, seine eigene Verpflichtung gegenüber der Volkstanztradition kompromittieren musste. Durch ihren Ansporn und ihr Beispiel findet er wieder zu der Wahrheit und Authentizität seiner Choreografie zurück. Sie touren dann durch Indien, und die Show hätte klugerweise dort enden können, ohne eine ungeschickte Rückkehr nach München und die Restaurierung des Theaters, das ewige Macguffin der Handlung. Unterwegs gibt es lange Abschnitte mit holprigen Dialogen, die die Handlung aufhalten und nichts für die Glaubwürdigkeit der Charakterisierungen tun. An einigen Stellen, wenn die Handlung einen kräftigen Schub benötigt, erscheint Shailys verstorbene Mutter und ermutigt sie, ‚folge deinem Herzen, wo Träume Wirklichkeit werden.‘ Es wäre so viel besser gewesen, der traditionellen Bollywood-Formel zu folgen, die Dialoge kurz zu halten, in der Originalsprache und an die rhetorischen Konventionen der traditionellen Punkte des moralischen und imaginativen Kompasses zu binden – Familie, Pflicht, Rebellion, Selbstaufopferung und melodramatischer Zufall. Das ist authentisch und das Publikum hätte es respektiert. Der andere Weg führt zur Lächerlichkeit….

Wie waren die Darbietungen? Auch hier können wir eine Unterscheidung zwischen den Vorteilen der Einhaltung der Formel und den Gefahren der Anpassung an eine gewisse Sichtweise der Londoner Erwartungen treffen. Im klassischeren indischen Tanz gab es hervorragende Solo-Disziplin und große Präzision in den Gruppenchoreographien. In den verschiedenen Volkselementen zeigte das Ensemble von bis zu 45 Tänzern großartige Teamarbeit und Fantasie und gab uns einen echten Einblick in die religiösen Traditionen und Rituale, die diese Tänze letztendlich ausmachen. Doch in den Routine, wo der Choreograf versuchte, Hollywood mit Bollywood zu verschmelzen, war die Technik unsicher und das Ergebnis sowohl unüberzeugend als auch ehrlich gesagt wenig hilfreich im Rahmen des Abends. Die vier Hauptdarsteller, insbesondere die beiden jungen Hauptdarsteller, sind alle große Tanztalente. Es ist schade, dass es nicht mehr Gesang und weniger Lip-Syncing gab, aber sowohl Ana Ilmi als auch Mohit Mathur nutzten die ihnen gegebenen Chancen mit wirklichem Engagement und fanden, einmal vom Drehbuch befreit, eine Freiheit und Harmonie, die berührend war, besonders in der zweiten Hälfte. Die Komponisten Salim und Sulaiman Merchant lieferten uns eine Partitur, die der Farbe und Energie der Tanzroutinen ebenbürtig war, und Rajeev Goswamis Choreografie nutzte die ihm zur Verfügung stehenden reichhaltigen Mittel voll aus. All diese positiven Aspekte auf der kreativen Seite verstärken nur das Bedauern, das dieser Rezensent und offensichtlich viele im Publikum empfanden, dass wir nicht mehr von dem unvermittelten Original sahen. Bei der Übertragung großer künstlerischer Traditionen über Kulturen hinweg sollte man das Risiko eingehen und sie roh und ungeschönt präsentieren und das Publikum herausfordern, sich dieser vollen Herausforderung zu stellen, anstatt die Formel zu verwässern, um dem Publikum auf halbem Weg entgegenzukommen. Wenn wir diese Ansicht auf Shakespeare und andere westliche Autoren, bei denen es vermeintliche Empfangsschwierigkeiten gibt, anwenden, sollten wir derselben Logik auch gegenüber Bollywood folgen. Ich hoffe, dass das nächste Projekt dieser Art den Mut zeigt, dies zu tun.