REZENSION: Bakersfield Mist, Duchess Theatre ✭✭✭

Bakersfield Mist

Duchess Theatre

25. Juni 2014.

3 Sterne

Es ist, denke ich, relativ unstrittig, dass ein beliebiges Kunstwerk, in jeder Form, unterschiedliche Reaktionen hervorrufen kann, je nachdem, wer es betrachtet. Menschen sehen Dinge unterschiedlich. Tatsächlich scheint das einzige Beispiel für Kunst, über alle Genres hinweg - Malerei, Gesang, Schauspiel, Instrumentalmusik, Schreiben, Bildhauerei, Tanz, Darbietung, was auch immer - über das es universelle Einigkeit gibt, Michelangelos exquisite Statue von David zu sein, ein Kunstwerk, das die Perspektive auf die Welt, auf das Leben selbst, verändert.

David beiseite, diese unterschiedlichen Perspektiven halten die Kunst in all ihren Formen lebendig. Kritiker können Aufmerksamkeit auf Werke lenken, die sonst unbemerkt bleiben würden. Oder sie können sie zerstören.

Viele Künstler haben zu Lebzeiten nie die Art von Ruhm und Bewunderung erreicht, die sie posthum genießen. Teils, vielleicht größtenteils, liegt das daran, dass die Experten oder Kritiker oder Anführer ihrer Zeit ihr Werk nicht mochten, verstanden oder schätzten - und das deutlich machten. Und die Öffentlichkeit stimmte zu.

Dieser Gedanke an die Macht, Relevanz und Effektivität der Expertenmeinungen über künstlerische Angelegenheiten und die Auswirkungen solcher Meinungen auf die genannten Angelegenheiten liegt im Kern von Stephen Sachs' Bakersfield Mist, das jetzt im Duchess Theatre aufgeführt wird, seine Premieren-Saison im Vereinigten Königreich, unter der Regie von Polly Teale.

Kathleen Turner spielt eine fast mittellose arbeitslose Witwe, Maude, die in einem Wohnwagenpark irgendwo in Kalifornien lebt und 3 Dollar für ein Gemälde in einem Second-Hand-Laden bezahlt hat. Sie glaubt, dass das Schicksal ihr das Gemälde geschickt hat und dass es sich um ein unentdecktes oder verlorenes Meisterwerk von Jackson Pollock handelt.

Sie bezahlt Ian McDiarmids Kunstkenner, Lionel, damit er ihren Fund inspiziert und dessen Provenienz bestätigt. Lionel ist eine selbstgefällige, toochnäsige, überhebliche Figur der New Yorker Kunstwelt, einst berüchtigt entlassen wegen seiner Anschaffung einer griechischen Statue, die er für arête hielt, welche sein Vorstand aber für eine Fälschung und teuer hielt, obwohl sie die Statue immer noch zahlenden Kunden zeigen.

Lionel kann einfach nicht akzeptieren, dass ein bedeutender Pollock in einem Wohnwagenpark in Kalifornien sein könnte. Er bewertet das Gemälde im prüfenden Gegenstück eines Augenblicks und erklärt es für eine Fälschung. Doch Maude bleibt hartnäckig und bringt einige ziemlich überzeugende prima facie Beweise vor, die auf Pollocks Hand am Werk hindeuten. Aber da er seine kursorische Experteneinschätzung gemacht hat, lässt sich Lionel nicht umstimmen.

Nach einigem Hin und Her zwischen den beiden, einschließlich eines Kampfes mit einem beeindruckenden Tranchiermesser, einem lustlosen Versuch der Verführung und etwas Selbstfindung, flieht Lionel, wobei das Gemälde als Fälschung in das Leben entlassen wird, auch wenn ein ausländischer Millionär dafür bereit ist, 2 Millionen Dollar zu zahlen.

Aber Maude wird nicht verkaufen - sie glaubt an das Gemälde, und am Ende des Stücks, während die Sonne untergeht, sehen wir etwas von dem Licht, in dem sie ihr Gemälde sieht.

Sind Maudes Gründe zu glauben, dass das Gemälde ein echter Pollock ist, mehr oder weniger überzeugend als Lionels absolute Gewissheit, dass die Sichtweise des Kenners korrekt ist? Und spielt es eine Rolle? Liegt die Kraft und Schönheit im Werk selbst oder in dem, der es geschaffen hat? Wird das Gemälde zu einem bedeutenden Kunstwerk, nicht wegen dessen, was es ist oder wie es den Betrachter beeinflusst, sondern wegen dessen, wer es gemalt haben soll? Insbesondere wenn keine der Seiten über vernünftigem Zweifel erhaben sicher sein kann.

Dies sind wichtige und faszinierende Fragen. Sie stehen im Zentrum der endlosen Debatte darüber, ob William Shakespeare alle ihm zugeschriebenen Stücke wirklich geschrieben hat oder nicht. Sie sind von Bedeutung.

Sachs' Stück jedoch nicht. Es ist zu lang, zu schwerfällig und zu selbstgefällig. Es gibt hier vielleicht 40 Minuten gutes Material, Material, das, ungetrübt von Irrelevanzen, ein interessantes Theatererlebnis hätte sein können.

Aber Sachs ergießt Eimer voll sentimentaler Hintergrundgeschichten über Maude und Lionel, über das wahre Fleisch des Stücks, so dass das Publikum mit dem theatralischen Äquivalent einer großen Pastetenform voller geschmacklosen Soße zurückbleibt, in der zwei schmackhafte Fleischbällchen schwimmen. Amerikaner haben eine endlose Kapazität für lautstarke Selbstprüfung und Selbstrechtfertigung, aber es ist weder notwendig noch produktiv, dass diese Neigung von Maude oder Lionel ausgelebt wird oder zumindest nicht so exponentiell und allumfassend wie hier.

Als erstes Fleischbällchen ist Maude, gespielt von Kathleen Turner, ein Bissen, köstlich, würzig, etwas, das man genießen sollte, grob, aber handgefertigt mit erstklassigen Zutaten. Wie eine Mischung aus Beatrice Arthur (einer weiteren berühmten Maude) und Roseanne Barr, mit einem Hauch von Val Lehmans Bea Smith, ist Turners vitale, fruchtige Maude eine Freude zu sehen. Sie geht mit Schwung und Elan an ihre Rolle heran, und ihre Maude bleibt in Erinnerung und wirkt echt. Ihre raue, heisere Stimme ist perfekt für das spuckende und fluchende ‚a la Maude‘ und ihre wilde Körperlichkeit ist absolut perfekt. Der forschende Geist ist immer da, erschöpft von der Verzweiflung und den Überresten ihres Lebens, aber fähig zur Überraschung – wie in dem Fingerabdruck-‚Poirot‘-Moment und dem aufregenden Abschluss des Kampfes mit dem Tranchiermesser.

Als Fleischbällchen Nummer zwei ist Ian McDiarmid nicht von derselben Qualität oder Konsistenz; leicht gebrochen, schlecht zusammengesetzt, (man weiß, dass er ein Fleischbällchen ist, weil er einem ständig erzählt, dass er eins ist) und weil es hier und da echte Fleischstücke im Charakter gibt. Aber der Gesamteindruck ist übertrieben und geschmacklos. McDiarmid kann in der richtigen Rolle erstaunlich gut sein, aber dies ist nicht die richtige. Er „spielt“ viel zu viel, und es gibt niemals das Gefühl, dass Lionel echt oder konsistent ist. Teilweise liegt es am Schreiben, aber größtenteils an der Darstellung.

Es gibt ein Foto im Programm von McDiarmid bei den Proben, und der Blick in seinem Gesicht ist einer von verwunderter Unverständnis gemischt mit verblüffter Empörung. Die Bildunterschrift könnte „WTF?“ lauten. Und das fasst ziemlich gut seine Darstellung zusammen. Alles ist nicht schlecht, es ist einfach bittersüß. McDiarmids Rede über die Pracht von Pollock und die Art seiner Arbeitsweise ist wunderbar, ebenso wie seine bemerkenswerte Erinnerung an die Entdeckung der griechischen Statue und das Konzept der arête. Aber andere Reden über sein eigenes Leben und seine Unzulänglichkeiten gehören in eine Seifenoper und passen nicht zu seiner besseren Arbeit.

Als Chefkoch muss Polly Teale zurück in die Küche. Die Zutaten sind gut, aber das Menü muss beschnitten werden. Kürzt Sachs überladenes Stück, und etwas von echtem Wert könnte hervortreten.

Wohlgemerkt, die Präsentation ist herausragend: Das Design von Tom Piper ist präzise und düster, fest Maudes schäbiges Trailer-Leben und ihre Umstände darstellend. Und Oliver Fenwicks Beleuchtung ist im kritischen finalen Abschnitt reizend.

Aber der Auftritt von Turner ist das, was sich lohnt.

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