REZENSION: Bad Jews, St James Theatre ✭✭✭✭

Bad Jews wechselt für 6 Wochen vom 8. Februar bis 19. März ins Theatre Royal Haymarket. JETZT BUCHEN Bad Jews St James Theatre

22. Januar 2015

4 Sterne

Drei von vier sind Juden. Der jüngere Bruder wirkt freundlich, mit Haaren, die zum Zerzausen einladen, und einem einfachen Blick auf das Leben, ohne Lust auf Aufregung oder Streit. Die Cousine ist temperamentvoll, feurig, streitlustig, grausam, konfrontativ, scharfzüngig und selbstgerecht bis zur Hysterie - und nicht blond und nicht konventionell attraktiv. Der ältere Bruder ist ein typischer Alphamann, gewohnt an die Annehmlichkeiten des Reichtums, pedantisch und herrisch, ein Sammler von Trophäenfreundinnen. Seine neueste Freundin ist hübsch, einfach und warmherzig - und sehr blond.

Oder scheint es nur so.

Einer ist ein Fantast, der sich hinter religiösem Eifer und Tradition verbirgt, um die Risse in ihrem Leben zu verstecken und eine Persona zu schaffen, die Trost und Bedeutung für ihre unglückliche Existenz bringen könnte. Einer ist ein heimlicher Gläubiger, ein Anhänger der Tradition, ohne dabei protzig zu sein. Einer ist warmherzig und offen, bereit, alle Seiten zu sehen. Einer ist der Typ Mensch, der Religion als Werkzeug benutzt, wann immer es einem bestimmten Zweck dient.

Die Frage ist, welche der vier Charaktere, drei verwandt und einer nicht, welche grundlegende Eigenschaft haben?

Bad Jews, von Joshua Harmon, jetzt am St. James Theatre nach einer erfolgreichen Saison am Ustinov Theatre in Bath, wird als neue Komödie beworben. Das ist es keineswegs.

Was es jedoch ist, ist ein straff geschriebenes, spannungsgeladenes Stück mit vielen Lachern, auch einigen unangenehmen, das einen genauen Blick auf die Rolle der Religion im modernen Amerika wirft - im Speziellen das Judentum, aber die Arbeit hat eine Universalität, die jeden berühren sollte, der jemals einen Verwandten hatte, der einem bestimmten Glauben anhing.

Die Handlung ist einfach genug. Der Großvater ist gestorben. Der jüngere Sohn und die Cousine waren bei der Beerdigung, aber der ältere Sohn und seine Freundin haben sie verpasst. Sie kommen die Nacht nach der Beerdigung aus dem Ausland zurück und finden sich in einem kleinen Studio im Upper West Side von Manhattan wieder, das sie mit dem jüngeren Bruder und der Cousine teilen müssen, die dort seit zwei Tagen sind.

Die Cousine möchte das "Chai" ihres Großvaters, ein religiöses Relikt aus Gold, das er zwei Jahre lang vor den Nazis im Zweiten Weltkrieg versteckt gehalten hat. Das Testament des Großvaters spezifiziert nicht, wer es bekommen soll, und die Mutter der Brüder hat vorgeschlagen, dass sie und die Cousine es unter sich ausmachen sollen. Der ältere Bruder will das "Chai" und ist entschieden dagegen, dass die Cousine es bekommt.

Es folgen bitterböse, boshafte und profane Reden von der Cousine und dem älteren Bruder über einander, über die Einstellung des anderen zur Religion und das jeweilige "Recht" auf das Relikt. Der kleine Bruder und die Freundin werden in den Streit hineingezogen und beide erleiden erheblichen Kollateralschaden, manchmal leise, manchmal nicht. Schließlich kommt es zu einem tatsächlichen körperlichen Angriff und es wird unersetzbarer Schaden angerichtet. In den letzten Momenten gibt es eine reizvolle Wendung, die den völligen Unsinn der kurzen, tendentiösen Tiraden, die den Großteil des Stückes ausmachen, unterstreicht.

Harmon schreibt boshafte Dialoge furchtlos und mit mächtigem Schaum. Die Charaktere sind klar durch ihre Redeweise definiert und jeder wirkt real, zugänglich - möglicherweise jemand, den man kennen könnte. Es gibt mehrere echte Überraschungen auf dem Weg und nicht viel endet, wie es zuerst scheint. Es ist ein scharfes, cleveres Stück Schreiben.

Es ist auch ein Beispiel für misogyner Gleichgültigkeit. Keine weibliche Figur kommt in diesem Stück gut weg. Die tote Großmutter ist "eine Schlampe". Die unsichtbare Mutter der Jungen ist bestenfalls doppelzüngig, schlimmstenfalls eine schockierende Tante. Die Freundin erweist sich als ebenso eigennützig und schwach wie die Cousine, wenn auch aus anderen Gründen, und keine von ihnen wird dem gerecht, wofür sie sich selbst hält. Die Cousine wird als völliger Betrug entlarvt; eine boshafte, unsensible Hexe, die schreit und tritt, bis sie ihren Willen durchsetzt, und dann in einer Rauchwolke von Rückgratlosigkeit zusammenbricht. Warum sollten die weiblichen Charaktere diese Lasten tragen?

Besonders wenn der jüngere Bruder, wenn auch in einigen Punkten etwas rückgratlos, der beste Charakter ist, derjenige, der alle liebt und respektiert, derjenige, der die andere Wange hinhalten kann, derjenige, der seinen Großvater vermisst, weil er sein Großvater war, nicht wegen des Erbes, das ihm sein Tod hinterlässt. Und der ältere Bruder, obwohl ebenso boshaft im Ausdruck wie die Cousine, wird vom Publikum bevorzugt, weil er später auftritt und sein „gerechter“ Anspruch auf das „Chai“ mit Romantik versetzt ist, dank seiner Rolle als ältester Enkel.

Um auf die Komik der Karikaturen amerikanischer jüdischer Leute hinzuweisen, nutzt Harmon patriarchalische Konzepte, um seine Punkte zu unterstreichen. Hätte das Stück ebenso gut mit einem Bruder und einer Schwester, einem männlichen Cousin und einem dummen Freund funktioniert? - nahezu sicher.

Trotzdem tut Regisseur Michael Longhurst sein Bestes, um diese Probleme mit exzellenter Besetzung zu umgehen, und einer energischen, fokussierten Reihe von Darbietungen, die die Höhen und Tiefen sowie lange, lange Pausen der Unbehaglichkeit mit Begeisterung angehen. Selbst wenn man sich windet, das nächste Moment fürchtet oder realisiert, was gerade passiert ist und was es bedeuten wird (was ziemlich oft passiert), ist man immer im Raum mit den Charakteren, spürt die Spannung, den Schmerz und die Verlegenheit.

Die beste, vollständigste Leistung bringt Joe Coen, der Jonah, den kleinen Bruder, spielt. Er hat weniger Dialoge als die anderen, ist aber ständig auf der Bühne, immer beobachtend, reagierend, erwartend, versuchend, Frieden zu schaffen. Seine sanfte Veranlagung kontrastiert hervorragend mit den streitenden Cousinen, und seine Fähigkeit, seine Bedrängnis, Angst oder Alarm nonverbal zu kommunizieren, ist beispielhaft. Seine letzten Momente sind wunderschön eingestuft.

Als die antagonistische und aggressive Daphna ist Jenna Augen ein vitriolischer Donnerwolke aus unterdrücktem und verstecktem Hass, Eifersucht und Angst, während sie gleichzeitig einen fähigen Witz, eine scharfe und hartnäckige Intelligenz und endlose Kapazität für Eifersucht und Schmerz zeigt. Es ist eine wunderbar komplexe und verwobene Darstellung. Daphna ist eine schwierige Figur zu lieben, aber Augen erlaubt uns zu verstehen, warum sie toleriert, vielleicht sogar bewundert werden sollte. Angesichts des Schreibens ist das echte Kunst.

Ilan Goodman ist ausgezeichnet als der selbstgerechte Scheißkerl Liam. Seine Verachtung für Daphna ist so greifbar wie seine Liebe/Lust für die unglückliche Melody, auf die er die internen Kriege seiner Familie abwälzt. Aber Goodman glänzt in der Darstellung einer Figur, die unangenehm, aber verständlich ist und die wenigstens gelegentlich versucht, die Wogen zu glätten und eine bessere Person zu sein. Wieder einmal glänzt Goodman angesichts der sichtbar boshaften Schreibweise darin, dieses Maß an Empathie zu erreichen.

Als die erstaunte, wunderschöne, blonde Nicht-Jüdin, Melody, ist Gina Bramhill recht superb. Ihre zaghafte und entsetzliche Version von Gershwins Summertime ist ein Moment grausamer, komischer Schönheit. Sie überzeugt als die verwirrte Außenseiterin, das Mädchen, das in Liam verliebt ist, und dann als nicht ganz das, was sie hätte schienen können. Bramhill ist süß, würdevoll und recht herrlich.

Richard Kents Bühnenbild ist hervorragend und evoziert das Gefühl von Reichtum, das in einem Studio-Apartment im Upper West Side, das wahrscheinlich mehr als eine Million Dollar gekostet hat, impliziert ist. Es ist stilvoll und absolut perfekt in Bezug auf Layout und Gefühl. Man wird vollständig und authentisch nach Manhattan versetzt.

Wenn es einen ernsthaften Mangel in der Produktion gibt, liegt er in der Schlüsselkampfszene, die spät im Stück stattfindet. Bret Younts Realisierung dieser Schlüssel- und entsetzlich brutalen Szene ist nicht so realistisch, wie sie sein müsste, was die Gesamteffizienz des Stückes verwässert. Der Kampf zwischen allen vier Schauspielern muss realistisch und schmerzhaft zu ertragen sein - und das ist er nicht. Das ist nicht die Schuld der Darsteller, sondern vielmehr, dass Yount nicht die Waren geliefert hat. Es ist der Schlüsselmoment im Stück und verdient Besseres.

Lob an St James, dass sie Longhurts Produktion aus Bath geholt haben. Dies ist ein großartiger Abend mit scharfsinnigem Familiendrama, der einen lachen lässt, einen bis ins Mark erschüttert und einem viel Stoff zum Nachdenken hinterlässt.

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