REZENSION: American Buffalo, Wyndhams Theatre ✭✭✭

John Goodman (Don), Tom Sturridge (Bob) und Damian Lewis (Teach) in American Buffalo im Wyndham's Theatre. Bildrechte: Johan Persson American Buffalo

Wyndham's Theatre

2. Mai 2015

3 Sterne

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Sein ganzer Körper ist ein Knäuel aus Wut, Groll und Schmerz. Sein rasierter Kopf deutet eine angeborene Gemeinheit an, ist aber nur Fassade. Sein Charakter ist schwach, verloren, verzweifelt danach, geliebt zu werden und als Teil des „Geschehens“ betrachtet zu werden. Seine Augen überraschen: ein Moment, fast leblos, als wäre er anderswo, vielleicht wegen der Drogen in seinem System oder weil er geistig eingeschränkt ist; im nächsten Augenblick sind sie lebendig, präsentieren zähes Draufgängertum oder klare Hoffnung.

Seine Hände und Arme scheinen fast getrennt zu sein, als würde er sie seltsam und faszinierend biegen oder drehen, eine Reflexion seines verwirrten, unausgesprochenen Wesens. Wenn er unerwartet angegriffen wird und durch die Heftigkeit des Schlages sein Kiefer gebrochen wird, fühlt man seinen Schmerz, als wäre man selbst angegriffen worden. Während Blut aus seinen Ohren strömt und er seine Angst über seinen Zustand ausdrückt, ist er sowohl Kind als auch verlorene, tote Seele – zitternd, braucht Führung und Hilfe, und jemanden, an den er sich klammern kann.

Das ist Tom Sturridge, der Bob in Daniel Evans' Neuinszenierung von David Mamets Stück aus dem Jahr 1975, American Buffalo, spielt, das jetzt im Wyndham's Theatre aufgeführt wird. Sturridge ist ein Schauspieler der alten Schule, gründlich vorbereitet, Stimme, Körper und Geist völlig in die Parameter der Figur eingetaucht, die er spielt. Nichts, was er tut, fühlt sich falsch oder falsch beurteilt an. Alles, was er tut, funktioniert brillant, um eine erstaunlich tiefe Realisierung von Bob zu schaffen. Es ist Schauspielkunst der höchsten, fesselndsten Ordnung.

Der Beweis kommt nach dem letzten Blackout, als Sturridge und John Goodman alleine auf der Bühne stehen, während die Lichter zurückkehren und darauf warten, dass Damian Lewis sich ihnen für den Vorhangapplaus anschließt. Sturridge richtet langsam seine Wirbelsäule auf, steht in voller Höhe da, nimmt gute Haltung an und lächelt dann. In diesem Moment gibt es keine Spur mehr von Bob. Jetzt ist es nur noch Sturridge.

Absolut bemerkenswert.

John Goodman ist ebenfalls phänomenal gut und das Stück ist nie besser als in den Momenten, in denen Sturridge und Goodman im Dialog sind und die Schichten ihrer komplizierten Beziehung langsam freilegen. Goodman bringt die wesentliche Kleinheit und anhaltende Gier des träumenden, planenden Kleinkriminellen, der den Trödelladen betreibt, in dem das Geschehen des Stücks stattfindet, prägnant auf den Punkt. Es steckt eine rastlose, wilde Unberechenbarkeit in ihm, die kraftvoll und resonant ist.

Ihm zuzusehen, wie er die Chancen ausrechnet, überlegt, welche Position er einnehmen sollte, um entschieden zu verraten, ist fesselnd und faszinierend. Irgendwie kann Goodman den seelenlosen Ausdruck seiner Augen mit der Kraft der Linien seines Gesichts kombinieren, um ein außerordentliches Porträt eines furchtsamen, furchterregenden Raubtiers und Opfers zu schaffen. Die Dualität in Goodmans Don ist außergewöhnlich.

An der Oberfläche geht es in dem Stück um Kleinkriminalität und Machtspiele. Der wahre Wert eines Buffalo-Nickels, das von Don verkauft wird, beschäftigt ihn. Kartenspiele, bei denen möglicherweise betrogen wird, Ränke um Roheisen und ein komplizierter Plan, einen Raub durchzuführen – das sind die Schlüsselzutaten, die Mamet verwendet, um seine Geschichte über drei Männer zu gestalten, deren Leben sich kreuzt, deren Vergangenheit und Zukunft miteinander verwoben sind und für die Dunkelheit, Zurückhaltung, Unaufrichtigkeit und Täuschung ständige Wegbegleiter sind. Warum und wie sind diese Männer Freunde? Wer vertraut wem? Und warum?

Evans' Regie hebt den homosexuellen Untertext hervor und das funktioniert überraschend gut. Sturridge ist sehr effektiv darin, seine Bereitschaft anzudeuten, sich mit Goodmans Don auf Sex einzulassen (im zweiten Akt hängt er verführerisch von der Tür, bietet sich Goodman fast an; man kann fast sehen, wie der Schweiß auf Goodmans Stirn entsteht) und Goodman zeigt seinerseits deutlich sein Interesse an Sturridges bedürftigem Bob. Das dritte Mitglied der Besetzung, Teach (Lewis), spuckt seine abfälligen Kommentare über Sexualität mit solchem Gift („Frucht“ ist ein besonderer Favorit) und mischt sich so bestimmt zwischen die anderen, dass auch seine eigene Sexualität in Frage gestellt wird. Diese dunklen, unbestimmten und (meist) unausgesprochenen Probleme der Sexualität lauern im Dunkeln mit den anderen Geheimnissen und Lügen, die das Trio voneinander zu enthüllen oder zu verbergen versucht.

Mamets Stück handelt von den Geheimnissen und Lügen der Männlichkeit, daher ist dieser Schwerpunkt nicht unbegründet. Wie Evans im Programm hervorhebt:

„Mamet sagt, dass seine Charaktere nie das meinen, was sie sagen, aber immer das, was sie meinen...Er sagt, dass seine Charaktere nie den Wunsch aussprechen, sondern nur das, von dem sie glauben, dass es den Wunsch hervorruft.“

Das Thema der Liebe, die nicht ihren Namen sagen darf, hervorzuheben, passt dann bewundernswert. (Sturridges Charakter sieht aus, als könnte er sehr krank sein, sei es durch Drogenmissbrauch oder AIDS, aber die Markierung in seinem Gesicht scheint letzteres deutlich zu suggerieren.)

Mamet hat mich immer als überbewerteten weißen amerikanischen Schriftsteller beeindruckt. Seine frühen Erfolge, einschließlich dieses Stücks, scheinen sehr ein Produkt ihrer Zeit zu sein, als der Sprachstil und die Rhythmen des Dialogs frisch, schockierend und voller körperlicher Vitalität waren. Es sind sehr spezifische Stücke über spezifische Menschen und oft eine spezifische Zeit. Sie haben weder Langlebigkeit noch Universalität als grundlegende Attribute. Glengarry Glen Ross, für das Mamet den Pulitzerpreis gewann, ist die wahre Ausnahme.

Die allgemeine Meinung ist, dass Mamets Dialog in einer bestimmten Weise geliefert werden muss, um seine volle Wirkung zu erzielen. Hier besteht keine Notwendigkeit, darüber zu diskutieren, sondern einfach festzustellen, dass Evans einen solchen Ansatz abgelehnt hat. Sturridge spricht größtenteils in gebrochenen und eckigen Phrasen, genauso wie er ist. Goodman, während in der Lage, regelmäßig schnelle Lieferungen zu machen, ist auch Meister der Pause und kontemplativen, ausdrucksstarken Geschwindigkeit. Hauptsächlich ist es Lewis, der die schnelle Lieferfackel trägt, was Teach gut passt und seine invasiven Qualitäten betont.

Evans' Ansatz zur Textlieferung belebt die Goodman/Sturridge-Sektionen, kompromittiert aber teilweise die langen Passagen, in denen Lewis spricht. Dies liegt daran, dass Zeit benötigt wird, damit das Ohr sich an die schnellere Lieferung anpassen kann. Seltsamerweise sind es jedoch die schnellen Abschnitte, die sich gerade im ersten Akt sehr, sehr lang anfühlen. Im zweiten Akt scheint die Verschmelzung der Stile nahtloser zu funktionieren, und Lewis' Drive ergänzt die brutale und kompromisslose Fraktur des Trios.

Von den dreien scheint es Lewis zu sein, der am offensichtlichsten „spielt“; er spielt Teach, während Goodman und Sturridge Don und Bob sind. Er ist im zweiten Akt mehr im Einklang, aber Abschnitte des ersten werden von seinen Akzentproblemen, seinem Spielen für das Publikum statt für Goodman und einem allgemeinen Gefühl der Unsicherheit über die Körperlichkeit dieses ziemlich spezifischen 70er-Typs geplagt. Er ist am besten, wenn er Goodmans Vertrauen untergräbt, entweder um sicherzustellen, dass er Sturridge verrät oder sein Vertrauen in Fletcher erschüttert, Dons vertrauenswürdigen, aber unsichtbaren Komplizen.

Trotzdem ist Lewis zuverlässig für Schockwert und seine plötzlichen Ausbrüche von wilder Verrücktheit, die in sehr körperlichen Weisen ausgedrückt werden, sind elektrisierend. Wenn der Fokus darauf liegt, was er tut, statt dessen, was er sagt, ist Lewis in hervorragender Form. Und mit seinen Koteletten und seltsam gefärbter Kleidung verkörpert er das Grub der 70er.

Das Design von Paul Wills ist ausgezeichnet. Es gibt ein greifbares Gefühl der zweitklassigen Enttäuschung über jeden Aspekt von Dons Junk-Shop. Verschiedene Gegenstände (Stühle, Spielzeug, Fahrräder, die üblichen Schrottladenutensilien), die von oben von Drähten hängen, tragen zum Gefühl von Durcheinander und Unterdrückung bei, suggerieren aber auch ständig eine Schwert von Damokles Vorstellung von Konsequenzen und Urteil, die gerade außerhalb der Peripherie der mit Detritus gefüllten Welt lauern, auf der das Trio stalkt. Das Set ist sowohl vertraut als auch verstörend – genau richtig.

Evans hat den nicht gegangenen Weg gewählt, um diese Vision von Mamets Stück zu liefern. Es ist mutig und weitgehend erfolgreich. Es ist sicherlich viel erfolgreicher als der kürzliche West End-Lauf von Speed-The-Plow. Trotz großartiger Auftritte von Sturridge und Goodman bleibt es unklar, dass American Buffalo außerhalb von Amerika Wiederbelebungen verdient, wenn überhaupt irgendwo.

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