KRITIK: Aida, Opera Holland Park ✭✭✭

Heather Shipp als Amneris und Peter Auty als Radamès. Foto: Robert Workman Aida

Opera Holland Park

19/07/15

3 Sterne

Musik oder Theater, das für besondere Anlässe geschrieben wurde, bleibt genau das – gelegentlich. Geeignet für diesen Anlass, aber nicht mit ausreichend Durchhaltevermögen oder eigenem künstlerischen Leben, um weitere Aufführungen zu verdienen. Es gibt jedoch Ausnahmen, und Verdis Aida steht als bemerkenswerte und noch relevante Lehre, wie man ein spannendes Schauspiel schafft, das gleichzeitig ein privates inneres Drama von großer Komplexität besitzt, mit der Kraft zu bewegen, nicht einfach zu beeindrucken. Eine erfolgreiche Produktion erfordert, dass beide Aspekte gleich gut funktionieren und voneinander profitieren: Während musikalisch dies im Holland Park der Fall war, waren die Produktionswerte nicht immer hilfreich.

Diese Oper wäre fast nicht zustande gekommen. Ende der 1860er Jahre war Verdi mehr auf den Betrieb seiner Güter konzentriert als auf das Komponieren, und es bedurfte einer großen Gebühr des Khedive von Ägypten, um ihn zu überzeugen, den Auftrag für die Eröffnung des Kairoer Opernhauses anzunehmen. Aber einmal engagiert, nutzte er die Struktur von Ghislanzonis Libretto, um einige seiner beeindruckendsten Reflexionen über die Konflikte zwischen individuellen und gemeinschaftlichen Werten, die Tyrannei des Klerus und jenes immerwährende Thema in all seinen Werken – Väter und Töchter – zu kanalisieren. Während die Oper für den lärmenden Triumph der Chöre in Akt 2 berühmt, wenn nicht berüchtigt, ist, wird dieser Ruf durch die Mehrheit des Schreibens widerlegt, die sowohl in der Gesangslinie als auch der orchestralen Palette von äußerster Delikatesse ist. Diese vielfältige Kombination ist in einer halb-offenen Umgebung umso schwieriger umzusetzen, aber Opera Holland Park hat jetzt große Erfahrung darin, das Beste aus ihrer Umgebung zu machen, und die Herausforderung dieser praktischen Kontraste wurde in dieser Produktion gut gemeistert.

Gweneth-Ann Jeffers als Aida und Peter Auty als Radamès. Foto: Robert Workman Trotz ihrer Berühmtheit und Bedeutung im Kanon wird Aida nicht oft aufgeführt, sicherlich nicht in London. Vermutlich liegt ein großer Teil der Erklärung in den Kosten, ob für Personal oder für Kostüme, Bühnenbild und zugehörige pharaonische Pracht. Die Idee einer unaufwendigen Produktion ist einfach undurchführbar. Aber es scheint auch ein gewisses Maß an Vorbehalt und Unsicherheit über den anzunehmenden Stil zu geben. Sollte der Orientalismus des Originals ausgeklammert oder trotzig angenommen werden? Eine entscheidende Regieintervention ist hier unerlässlich, und in dieser Hinsicht verwischt Regisseur Daniel Slater bis zu einem gewissen Grad das Thema. Wir beginnen in einer modernen Umgebung und bewegen uns dann allmählich zu einer viel traditionelleren und geradlinigeren Darbietung, wobei der Übergang zwischen den beiden nie dramatisch explizit gemacht wird. Obwohl dies die vielen Freuden und Belohnungen des Abends nicht erheblich mindert, verdient die Oper ein klares Bekenntnis zu einer einzigen dominierenden Vision, egal welcher Art und Charakter, traditionell oder subversiv.

Die erhaltene pseudo-jakobäische Fassade des Holland House bietet einen passend grandiosen architektonischen Hintergrund für eine Bühnenplattform, die von drei überlebensgroßen ägyptischen Statuen von Göttern auf Sockeln bevölkert ist – Designer Robert Innes Hopkins versetzt uns in eine Museumsgalerie, mit einem opulenten Empfang im schwarzen Anzug, der von Amneris (Heather Shipp) und ihrem Vater, dem König (Keel Watson), und mit Ramfis (Graeme Broadbent) als Zeremonienmeister veranstaltet wird. Das unvermeidliche verschüttete Getränk bietet einen Anlass für Aida (Gweneth-Ann Jeffers), in Reinigungskleidung zu erscheinen und ein bedeutender Blick zwischen ihr und Radames (Peter Auty), beobachtet von Amneris, setzt die Handlung in Gang. Das Thema der Spender-Party im Museum, die außer Kontrolle gerät, setzt sich zumindest bis Ende Akt Zwei fort, während Radames von einem historischen Rüstungsset für den Kampf ausgerüstet wird und das Museumspersonal als äthiopische Gefangene auftaucht. Die Triumphszene ist mit Schmuck und vermeintlich aus der Museumssammlung gestohlenen Schätzen geschmückt, und eine Orgie entwickelt sich, angeheizt durch vorhersehbare weiße Pulver und Regen von Banknoten. Die Dinge beruhigen sich, sobald wir die ‚Nil-Szene‘, das letzte Urteil und die Bestattung erreichen. Hier tritt die Produktion endlich zurück und lässt die Konfrontationen zwischen Aida und ihrem Vater sowie Radames und Amneris ihre volle emotionale Gewichtigkeit und dramatische Freiheit entfalten, bevor eine berührende letzte Wiedervereinigung zwischen Radames und Aida stattfindet. Man konnte nicht umhin zu denken, dass es eine verpasste Gelegenheit war, nicht mehr aus Verdis Abneigung gegen den Klerus zu machen, der letztendlich Ägypten regiert. Antiklerikalismus und das Bedürfnis nach klarer Trennung von Kirche und Staat ist ein dominantes Thema in Akt Vier und tatsächlich in Verdis künstlerischem Leben insgesamt. Während Heather Shipp als Amneris die Botschaft kraftvoll auf der Bühne vermitteln konnte, ist es schade, dass die Produktion dieses Hauptthema nicht deutlicher referenziert hat.

Graeme Broadbent als Ramfis und Keel Watson als Der König. Foto: Robert Workman

Zwischen all diesen gemischten Botschaften wurden die musikalischen Werte der Aufführung dennoch sehr gut vermittelt. Die City of London Sinfonia unter Dirigent Manlio Benzi hatte einen sehr guten Abend. Die Blechbläser haben sowohl auf der Bühne als auch abseits viel Arbeit, ob triumphierend oder düster bedrohlich, und all diese Hürden wurden souverän gemeistert. Andernorts gab es alle Bissigkeit und Wucht, die man sich in den zeremoniellen Momenten wünschen konnte, sowie viele zarte Soli und kammermusikalische Interludien, um sie auszugleichen. Benzi war sehr sensibel für die Bedürfnisse seiner Sänger beim Timing der Begleitung, obwohl einige der Chöre in einem atemberaubenden Tempo genommen wurden, das alle etwas mehr zu drücken schien, als die Partitur verlangt. In der Titelrolle war Jeffers vokal sehr beeindruckend, mit fein gesponnenen zarten Linien in den intimen Szenen und der Fähigkeit, über die anderen Sänger und das Orchester hinauszusteigen, wenn nötig. Ihre dramatische Persönlichkeit war zu Beginn etwas zurückhaltend, aber sie fand in den letzten beiden Akten wirklich ihre Stimme, insbesondere im wunderbaren leidenschaftlichen Duett mit ihrem Vater, dem äthiopischen König Amonasro (Jonathan Veira), der jeden Ton in seiner relativ kleinen Rolle zählte. Peter Auty war am Abend unwohl und agierte nur die Rolle des Radames, mit einem Ersatzsänger im Orchestergraben. Dies schadete der dramatischen Glaubwürdigkeit weniger als erwartet, angesichts der Qualität des Stellvertreters und der engagierten Plausibilität von Autys Schauspiel. In gewisser Weise ist der interessanteste Charakter in der Oper Amneris, der die anspruchsvollsten Dilemmata erlebt und dessen inneres Leben wir schärfer erahnen als bei den anderen Hauptrollen. Sie verkörpert den Konflikt zwischen persönlicher Präferenz und Pflicht gegenüber dem Staat und ist am Ende das Sprachrohr für das, was Verdi möchte, dass wir im Publikum fühlen und denken. Nach einem eher langsamen Start brachte Heather Shipp diese Dimensionen kraftvoll in ihrer starken Bühnenpräsenz und heldenhaften, dennoch klagenden Tonfarbe zum Ausdruck. Keel Watson und Graeme Broadbent agierten als kraftvolle Bassgegner zu ihr und lieferten stark charakterisierte, detaillierte Darbietungen als Pharao und Hohepriester. In einem Werk, das mehr als sonst von einem starken Choreinsatz abhängig ist, leistete der Chor von Opera Holland Park, über dreißig Mann stark, hervorragende Arbeit nicht nur vokal, sondern auch in Choreografie und erfinderischer, flexibler Bühnenbewegung, für die Bewegung Regisseurin Maxine Braham gebührend Anerkennung erhalten sollte.

Dies ist eine sehr große Oper, die viele verschiedene Interpretationen zulassen kann. Es gibt jedoch keinen Raum für Kompromisse. Letztendlich muss sie entweder direkt und mit absoluter Überzeugung aufgeführt werden, dass die Themen, mit denen sie sich beschäftigt, für unsere Kultur genauso wichtig sind wie für Verdi in den 1860er Jahren. Oder wenn das traditionelle Setting als zu viele beunruhigende Fragen aufwirft oder über das Budget hinaus nicht realisierbar ist, dann wird ein vollständig durchdachtes alternatives Szenario benötigt. Trotz ihrer herausragenden musikalischen, visuellen und dynamischen Vorzüge trifft diese Produktion nie ganz die endgültige Wahl, und wenn es ein Prinzip gibt, das diese Geschichte unausweichlich darstellt, dann ist es das Bedürfnis, eine Haltung einzunehmen und bis zum bitteren Ende daran festzuhalten.

Weitere Informationen zu Opera Holland Park finden Sie auf deren Website.