REZENSION: Abyss, Arcola Theatre ✭✭✭✭

Abyss

Arcola Theatre Studio 2

4 Sterne

Vor vielen Jahren besuchte ich Berlin, kurz nachdem die Mauer gefallen war. Ich habe mich schon immer für die Wohnstätten und Arbeitsplätze von Schriftstellern und Komponisten interessiert. Nachdem ich die offensichtlichen Hauptsehenswürdigkeiten erschöpft hatte, beschloss ich, das Brecht-Weigel-Museum zu besuchen, in dem das theatermächtige DDR-Paar seine letzten Jahre verbrachte. Es war eine deprimierende Zeit, dorthin zu gehen: Die Finanzierung des Museums und des Berliner Ensembles selbst war ungewiss, und der treue Kurator hatte seit Monaten kein Gehalt erhalten. Doch das Haus selbst sprach noch immer beredt von den Widersprüchen seines berühmten Besitzers. Die Stücke und Essays, die das Publikum zum Nachdenken über die soziale Rolle des Theaters anregen und das müde Vertrauen auf bloße Erzählung und die textliche Entwicklung von Charakteren verbannen sollten, all das war zu sehen. Aber als man in Brechts kleines, karges Schlafzimmer ging, fand man dort zu meiner Überraschung über dem schmalen Einzelbett eine ganze lange Reihe von vielgelesenen Taschenbuchthrillern, Westerns und Kriminalromanen vor, die wie ein geheimes Versteck von Bonbons aufbewahrt wurden, als eine Hommage außer Dienst an die Vorrangstellung von Handlung. Diese Erfahrung kam mir zu Beginn der jüngsten Aufführung von ABYSS im Arcola, Studio 2, in den Sinn, wo die Frage der Rolle der Erzählung im Vergleich zu abstrakten Emotionen sehr im Vordergrund steht. Dieses Stück begann vor einigen Jahren im Deutschen Theater in Berlin als Brandung. Es wird dort immer noch aufgeführt, hat jedoch inzwischen eine Reise nach Toronto mit einigen Überarbeitungen hinter sich und von dort nach London. Auf dem Weg hat es einige zusätzliche narrative Einfüllung erhalten, bleibt aber im Wesentlichen ein Stück Regietheater, bei dem der Fokus mehr auf der Vermittlung der emotionalen Zustände der Darsteller durch Bewegung, Klang und Text liegt, so sehr, wenn nicht mehr, als durch Text, der ohnehin mehr beschwörend als erläuternd ist. Die entscheidende Frage ist daher, wie erfolgreich das Stück unter diesen Gesichtspunkten ist: Ist diese Selbstbeschränkung befähigend und aufschlussreich oder einschränkend und verarmend? Die Antwort ist oft nicht klar.

Der rechteckige Raum von Studio 2 ist einfach angelegt, mit drei Sitzreihen, einer Wand voller hängender Glühbirnen uns gegenüber und einem großen Tisch in der Mitte des Raumes. Zwei Trapezstangen sind auf beiden Seiten von der Decke abgehängt. Der Tisch ist in vielerlei Hinsicht das Herzstück der Handlung, flexibel genutzt für Szenen des Konflikts und der Versöhnung, als Zufluchtsort und stilisierter Opferpunkt. Es gibt eine große Anzahl beeindruckend ausgearbeiteter Bewegungen, die alle Dimensionen des Raumes erkunden und Tableaus dramatischer Macht und poetischer Konzentration erzeugen, die selbst dann so wären, wenn wir nur einer Kunstausstellung statt einem Theaterstück beiwohnten. Die Glühbirnen an der Rückwand pulsieren und dimmen in verschiedenen Kombinationen als stummer Kommentar und Intensivierung oder Untermalung der Stimmung für das Geschehen. Große Ehre gebührt in dieser Hinsicht der Bewegungsregisseurin Anna Morrissey und dem Lichtdesigner Ziggy Jacobs.

Es gibt drei Spieler und vier Charaktere, von denen einige mehr auf der Suche nach einem Autor sind als andere. Die Erzählerin, die namenlos ist (Nicola Kavanagh), teilt sich mit ihrer Schwester Sofia (Jennifer English) und einem Mann serbisch-kroatischer Abstammung namens Vlado (Iain Batchelor) ein Apartment in einer unbenannten deutschen Stadt. Batchelor spielt auch Jan, den neuen Freund der Erzählerin. Während der gesamten Handlung abwesend ist Karla, das letzte Mitglied dieser WG und die Freundin von Vlado. Ihr Verschwinden markiert den Ausgangspunkt der Handlung. Sie war kurz ausgegangen, um Besorgungen zu machen, und kehrt nie zurück. Die Handlung wird von einer Tageszählung auf Deutsch unterbrochen, die seit ihrem Verschwinden vergangen sind. Die Erzählerin führt uns durch eine Abfolge von Reaktionen auf das Verschwinden einer nahen Freundin – Unglaube, Versuche, die Polizei zu überzeugen, den Fall ernst zu nehmen, und schließlich Versuche aller Freunde, in den sozialen und Printmedien Aufmerksamkeit zu erregen und selbst nach der vermissten Person zu suchen. Diese traditionelleren Aspekte werden von Sofias Beschreibung der Tötung, Vorbereitung, Zubereitung und dem Servieren eines Kaninchens unterbrochen, die als symbolischer Kommentar zu den Ereignissen dient, die angedeutet, aber nie vollständig präsentiert werden. Die Atmosphäre und der Ton werden in der zweiten Hälfte des Abends noch dunkler, in dem sich die Aufmerksamkeit der Darsteller von externen Faktoren auf die Welt der Erinnerungen und der persönlichen Verantwortung verlagert, während sie sich an frühere und glücklichere Zeiten und Ereignisse in Karlas Gesellschaft erinnern. Wie zuverlässig sind die Berichte, die wir erhalten, und wem, wenn überhaupt, sollten wir unser Vertrauen schenken? Die endgültigen Antworten sind größtenteils uns selbst überlassen.

Alle Spieler nutzen die ihnen gegebenen Gelegenheiten mit Leidenschaft und Anmut: English liefert meist einen wütenden chorisierenden Kommentar zur Handlung, voll von der geringschätzigen Ablehnung einer Überlebenden gegenüber den unmöglichen Umständen, in denen sie sich befinden; während Kavanagh, die am meisten Text zu spielen hat, gekonnt die Abfolge der Stimmungen vermittelt, die ein unerklärliches Verschwinden hervorruft – Unglaube, Wut über mangelnde Ernstnahme, Verzweiflung und Überlebensschuld. Als Vlado dringt Batchelor noch tiefer vor mit der Darstellung einer problematischen und beunruhigenden Figur, die eindeutig durch ihre widersprüchliche Erziehung in Jugoslawien beschädigt ist und eine mit Rassismus und täglichem Missachten verbundene Persönlichkeitsfragmentierung erlebt, zusätzlich zum Verlust einer zentralen Kernidentität. Er hat viel weniger, mit dem er bei der Darstellung von Jan arbeiten kann, und obwohl die Darstellungen erfolgreich voneinander zu unterscheiden sind, würde das Stück bei Verlust dieser Figur an Fokus und Gesamtimpuls gewinnen.

Die bewusste Weigerung, bis kurz vor Ende des Stücks narrative Antworten zu geben, ist daher sowohl die Herausforderung als auch die Gelegenheit, die Autor und Regisseur bieten. Im Ganzen überwiegen die Belohnungen die Frustrationen. Die Darsteller bieten eine kraftvolle poetische Beredsamkeit, die Aufmerksamkeit erzwingt und uns als Publikum viel Raum lässt, in dem wir über die großen Themen nachdenken können, die dieses Stück aufwirft – wie wird Vertrauen aufgebaut, gebrochen und wieder aufgebaut? Was können wir in einer Krise selbst über diejenigen wissen, die wir lange Zeit in Widrigkeiten gelebt haben? Wie können Zeugen derselben Ereignisse so unterschiedliche Erinnerungen mit scheinbarer Aufrichtigkeit hervorbringen? Vor allem, in Zeiten der Widrigkeit, welche Teile unseres eigenen Charakters werden in den Vordergrund treten... die am meisten temperierten und mutigsten, oder die am meisten niederträchtigen und feigsten?

Doch am Ende ist die Spannung zwischen der täglichen Zählung des Zeitablaufs und dem Vermeiden einer narrativen Richtung zu groß, um sie aufrechtzuerhalten, und in den letzten Abschnitten kehren wir mit einer gewissen Erleichterung zu einer vorhersehbareren erläuternden Technik zurück. Außerdem entspannen sich die Darbietungen der Schauspieler merklich, sobald die abstrakte, stakkatoartige fast hieratische Formalität einem natürlicheren Vortrag weicht. Abwechslung in Ton und Form ist schließlich nicht der Feind des Denkens. Wir brauchen auch unsere Thriller und Western. Mein einziges großes Bedenken ist, dass die Pause völlig unnötig ist: Das Stück wäre viel besser ohne Unterbrechung in einem Rutsch. Lassen Sie sich jedoch davon nicht abschrecken: Dies ist ein faszinierender Abend voller großem Geschick und Ernsthaftigkeit, einer von denen, bei dem das, was man herausbekommt, proportional zu dem ist, was man bereit ist, hineinzustecken......

Abyss läuft im Arcola Theatre bis zum 25. April 2015