REZENSION: Ein Tag im Tod von Joe Egg, Trafalgar Studios ✭✭✭

Julian Eaves rezensiert A Day In The Death Of Joe Egg von Peter Nichols, jetzt im Trafalgar Studios London mit Toby Stephens und Claire Skinner

Claire Skinner, Storme Tollis, Clarence Smith, Lucy Eaton, Toby Stephens. Foto: Marc Brenner A Day In The Death Of Joe Egg Trafalgar Studios,

2. Oktober 2019

3 Sterne

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Es gibt nichts, was Peter Nichols (der vor wenigen Wochen im Alter von 92 Jahren starb) nicht über dramatische Konstruktion, Tempo und einen Dialog wusste, der leicht und natürlich klingt und sich gut 'spielt'. Dieses Stück von ihm aus dem Jahr 1967 ist ein perfektes Beispiel dafür, wie man das Rohmaterial der Theatererstellung handhabt und in brillant fließende Konversation und funkelnde Aktionen verwandelt. Regisseur Simon Evans weiß das und hat viel mehr Spaß an dieser Show als zuletzt am etwas mühseligeren 'The Best Man': Dies ist insgesamt ein schärferes, fröhlicheres, spritzigeres Erlebnis und zeichnet ihn als möglichen Spezialisten für Dramen dieser Zeit aus.

Lucy Eaton. Foto: Marc Brenner

Und eine Periode ist es. Peter McKintoshs Design (Bühne und Kostüme) ist wie eine kleine Illustration aus dem Ideal Home Magazin, leicht verzerrt durch leicht pop-art'ige Illustrationen an den Wänden, aber die Möbel und Details sind alle perfekt richtig und makellos. Dies ist die aufstrebende, mittelklasse Welt des Managements und der Verwaltung 'zu Hause', mit der gleichen Liebe zum Detail serviert wie ein Farbblatt eines Aspikringes in Good Housekeeping. Obwohl wir feststellen, als Toby Stephens - als Bri, der Hauptvertreter des Autors in dieser stark autobiografischen Geschichte - die Aufführung mit einer Stand-up-Routine als gestresster Lehrer, der eine laute Klasse ungezogener Kinder anschreit, einleitet, dass wir eine Diskrepanz zwischen dem theatralischen Experimentieren der Schreibweise und der trostlos wörtlichen Inszenierung von McKintosh bemerken. Während das Stück weitergeht und jeder Charakter sich nacheinander - mit einem Lichtwechsel von Prema Mehta und einem Knall von Edward Lewis' Sound - aus der 'Geschichte' löst und direkt durch die vierte Wand zu dem Publikum spricht, fühlen wir uns zunehmend unwohl über die bedrückende 'Normalität' des hübsch hergerichteten Kastensets (so sehr es sich auch drehen und etwas verschieben kann).

Storme Toolis. Foto: Marc Brenner

Aber das war schon immer das Problem mit so vielen britischen Theatern. Großartiges Schreiben, aber eine schrecklich vorhersehbare und langweilige Gestaltung. So saust Stephens durch seine endlosen Witze und Streiche, bleibt aber in den Schrecken einer vergangenen Ära eingehüllt. Claire Skinner als seine Frau, Sheila, ist dazu verdammt, 'gerade' zu seinen unerträglichen komischen Routinen zu spielen, macht daraus aber eine Tugend in ihrer kühlen Kontrolle und einfachen Herzlichkeit. Clarence Smith, der einen Abendbesucher, Freddie, spielt, bekommt den besten Lacher der Show mit seiner Zeile - die, wie fast alles Gesagte, direkt aus der gestörten Psyche von Nichols entspringt: 'Rede ich zu laut? Ich hebe immer meine Stimme, wenn ich Menschen helfe'. Das ist eine wirklich brillante Linie, aber ihre Wirkung wird von dem unerträglichen bürgerlichen Charme des Wohnzimmers erstickt und erstickt, in dem es geliefert werden muss. Wirklich: Es gibt bessere britische Designs auf der Bühne zu sehen - warum nicht hier?

Toby Stephens und Patricia Hodge. Foto: Marc Brenner

Lucy Eaton als seine Frau Pam muss gegen makelloses Haar ankämpfen (ich denke, es könnte eine Perücke sein) von Carole Hancock und einen wunderschönen gelben Mantel sowie ein smartes gestreiftes Shift-Kleid mit kniehohen, braunen Lederstiefeln: Ich meine, sie sieht umwerfend aus, aber warum muss alles um sie herum gleich umwerfend aussehen? Die üppige Blässe ist lähmend und erstickend, sie stumpft die Sprache ab und raubt ihr so viel von ihrem Biss. Eine etwas bessere Zeit hat Patricia Hodge, die eine versierte Farceuse ist und ihre zweite Aktwendung voll ausspielt, aber vielleicht, weil sie am wenigsten auf der Bühne ist, scheint sie weniger davon verschlungen zu werden. Von allen Darstellern unterscheidet sich nur Storme Toolis radikal vom gemütlichen Komfort, der überall sonst geboten wird. Anders als der Rest der Besetzung übernimmt sie die Rolle von Bri und Sheilas Tochter, die mit einer komplizierten medizinischen Bedingung aufgewachsen ist, die nur einmal namentlich erwähnt wird. Ihre Art der Darbietung ist so kühn anders als die der anderen, dass sie zu einer fesselnden und faszinierenden Präsenz vor uns wird: Sie nutzt Stille und Schweigen, Körperhaltung, Ausdruck und Gestik auf Arten, die - dem Anschein dieser Produktion nach zu urteilen - der restlichen Besetzung ganz fremd und unereichbar sind.

Foto: Marc Brenner

Ich vermute, dass das ein fehlerhafter Eindruck ist. Dies sind sehr gute Schauspieler, und ich bin ganz sicher, dass sie - wenn ihnen die Gelegenheit gegeben würde - viel mehr leisten könnten, als dieser Regisseur von ihnen verlangt. Aber wie oft fordern britische Regisseure Schauspieler tatsächlich auf, sich zu dehnen und das Publikum zu überraschen? Und wie oft laden sie sie nur ein, etwas Sicheres und Warmes, behaglich Beruhigendes und Vertrautes zu servieren? Erinnert sich noch jemand an Artaud? Liest ihn überhaupt noch jemand? Gibt es da draußen noch jemanden, der denkt, dass Theater aufregend und kantig, riskant und spannend sein sollte? Ja, es gibt solche Regisseure, und ich habe einige von ihnen hier arbeiten gesehen, aber leider nicht dieses Mal. Als eine technische Übung, die Nichols' perfekte Beherrschung der Form zeigt, gibt es nicht viel dagegen zu sagen; aber als ein Drama, das von Herz zu Herz spricht, braucht es meiner Meinung nach ein wenig mehr Offenheit und Offenherzigkeit.