REZENSION: Ein Tag im Tod von Joe Egg, Trafalgar Studios ✭✭✭

Julian Eaves rezensiert A Day In The Death Of Joe Egg von Peter Nichols, jetzt im Trafalgar Studios London mit Toby Stephens und Claire Skinner

Claire Skinner, Storme Tollis, Clarence Smith, Lucy Eaton, Toby Stephens. Foto: Marc Brenner A Day In The Death Of Joe Egg Trafalgar Studios,

2. Oktober 2019

3 Sterne

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Es gibt nichts, was Peter Nichols (der vor nur wenigen Wochen im Alter von 92 Jahren gestorben ist) nicht über dramatische Konstruktion, Tempo und Dialog gewusst hätte – Dialog, der leicht und natürlich klingt und auf der Bühne wunderbar „funktioniert“. Dieses Stück aus dem Jahr 1967 ist ein Paradebeispiel dafür, wie man die Rohstoffe des Theaterschaffens nimmt und daraus brillant fließende Konversation und sprühende Aktion formt. Regisseur Simon Evans weiß das – und hat mit dieser Inszenierung deutlich mehr Spaß als jüngst mit dem schwerfälligeren The Best Man: Das hier ist insgesamt ein schärferes, heiteres, schwungvolleres Erlebnis und weist ihn als möglichen Spezialisten für Dramen dieser Epoche aus.

Lucy Eaton. Foto: Marc Brenner

Und Epoche ist es. Peter McKintoshs Ausstattung (Bühnenbild und Kostüme) wirkt wie eine kleine Illustration aus dem Magazin Ideal Home, leicht verschoben durch mild popartige Zeichnungen an den Wänden; doch Möbel und Details sind vollkommen stimmig – und makellos. Das ist die aufstiegsorientierte Mittelschicht-Welt von Management und Verwaltung „zu Hause“, serviert mit derselben Liebe zum Detail wie eine Farbfotografie eines Aspikkranzes in Good Housekeeping. Allerdings: Wenn Toby Stephens – als Bri, die zentrale Stellvertreterfigur des Autors in dieser stark autobiografischen Geschichte – den Abend mit einer Stand-up-Nummer an der Rampe eröffnet, als gestresster Lehrer, der eine lärmende Klasse ungezogener Kinder zusammenstaucht, bemerken wir schnell eine Kluft zwischen der theatralen Experimentierfreude des Textes und McKintoshs unerquicklich wörtlicher, allzu buchstäblicher Umsetzung. Je weiter das Stück voranschreitet und jede Figur nacheinander – mit einem Wechsel von Prema Mehtas Licht und einem Krachen aus Edward Lewis’ Sound – aus der „Story“ herausschnappt und durch die vierte Wand direkt zum Publikum spricht, desto unwohler fühlen wir uns angesichts der bedrückenden „Normalität“ dieses hübsch hergerichteten Guckkasten-Bühnenbilds (auch wenn es sich ein wenig drehen und schieben kann).

Storme Toolis. Foto: Marc Brenner

Doch genau das ist seit jeher ein Problem in weiten Teilen des britischen Theaters: großartige Texte, aber unerquicklich vorhersehbare, langweilige Gestaltung. So rattert Stephens seine endlosen Witze und Späße herunter und steckt dennoch bis über beide Ohren im Unkraut einer vergangenen Ära. Claire Skinner als seine Frau Sheila ist dazu verdammt, seine unablässigen komischen Routinen „gerade“ zu spielen – macht daraus jedoch eine Stärke, mit kühler Kontrolle und schlichter Herzenswärme. Clarence Smith, als Abendbesucher Freddie, landet den größten Lacher des Abends mit seinem Satz – der, wie fast alles Gesagte, direkt aus Nichols’ gequälter Psyche zu kommen scheint: „Rede ich zu laut? Ich hebe immer die Stimme, wenn ich Menschen helfe.“ Das ist wirklich eine brillante Zeile, doch ihre Wirkung wird vom unerträglichen bürgerlichen Charme des Wohnzimmers, in dem sie gesprochen werden muss, übertönt und erstickt. Ganz ehrlich: Auf britischen Bühnen sind bessere Designs zu sehen – warum nicht hier?

Toby Stephens und Patricia Hodge. Foto: Marc Brenner

Als seine Frau Pam muss Lucy Eaton gegen makelloses Haar (ich vermute, es ist eine Perücke) von Carole Hancock und einen wunderbaren gelben Mantel sowie ein schickes, gestreiftes Shiftkleid mit kniehohen, hellbraunen Lederstiefeln anspielen: Ich meine, sie sieht fantastisch aus – aber warum muss alles um sie herum genauso fantastisch aussehen? Diese üppige Eintönigkeit wirkt lähmend, stumpft die Sprache ab und nimmt ihr so viel Biss. Ein etwas besserer Abend ist Patricia Hodge vergönnt: Sie ist eine versierte Farce-Spielerin und kostet ihren Auftritt im zweiten Akt voll aus – vielleicht auch nur, weil sie am seltensten auf der Bühne steht und deshalb weniger davon verschlungen wird. Von allen Mitwirkenden weicht einzig Storme Toolis radikal von der überall sonst angebotenen behaglichen Gemütlichkeit ab. Als einzige Darstellerin mit einer Behinderung im Ensemble übernimmt sie die Rolle der Tochter von Bri und Sheila, die mit einer komplexen Erkrankung aufgewachsen ist, die nur ein einziges Mal beim Namen genannt wird. Ihr Spiel ist so kühn anders als das der anderen, dass sie vor uns zu einer fesselnden und faszinierenden Präsenz wird: Sie arbeitet mit Stillstand und Stille, Körperhaltung, Ausdruck und Gestik auf eine Weise, die – nach dem, was diese Produktion zeigt – den übrigen Darstellenden völlig fremd ist und außerhalb ihrer Reichweite liegt.

Foto: Marc Brenner

Ich vermute, das ist ein trügerischer Eindruck. Das sind sehr gute Schauspielerinnen und Schauspieler, und ich bin mir ziemlich sicher, dass sie – wenn man ihnen die Chance gäbe – weit mehr leisten könnten, als dieser Regisseur von ihnen verlangt. Doch wie oft fordern britische Regisseurinnen und Regisseure wirklich, dass Darstellende sich strecken und das Publikum überraschen? Und wie oft laden sie sie stattdessen ein, etwas Sicheres und Warmes zu servieren – behaglich beruhigend und vertraut? Erinnert sich noch jemand an Artaud? Liest ihn überhaupt noch jemand? Gibt es da draußen noch jemanden, der findet, Theater müsse aufregend, kantig, riskant und packend sein? Ja, solche Regisseurinnen und Regisseure gibt es – und ich habe einige von ihnen genau in diesem Haus arbeiten sehen, aber diesmal leider nicht. Als technische Übung, die Nichols’ perfekte Beherrschung der Form demonstriert, lässt sich dagegen nicht viel einwenden; doch als Drama, das von Herzen zu Herzen spricht, braucht es meiner Ansicht nach etwas mehr Offenheit und Direktheit.