INTERVIEW: Philip Ridley, Geschichten erzählen

Phil Matthews trifft den gefeierten Dramatiker Philip Ridley. Sein neues Stück Feathers in the Snow feiert diesen Monat im Southwark Playhouse Premiere.

Tagsüber ins Southwark Playhouse zu gehen, ist eine seltsame Erfahrung. Die atmosphärische Beleuchtung und Energie, die einen Teil des berühmten Charakters des Theaters ausmachen, sind verschwunden. Es fühlt sich eher so an, als wäre man nach einer Veranstaltung in einem Nachtclub. Die Reinigungskräfte haben den Überbleibsel der vorhergehenden hedonistischen Party aufgeräumt, und wir verbleiben mit den nackten Knochen des Gebäudes – samt Schönheitsfehlern. Im Theatercafé sitzend, ist dies jedoch umso ergreifender, da der Veranstaltungsort in seinen letzten Tagen hier ist, bevor er einem Umzug weichen muss, um den Umbau der London Bridge Station möglich zu machen. Junge, wenn diese Wände sprechen könnten.

Ich treffe Philip Ridley, den gefeierten Dramatiker von The Pitchfork Disney, Mercury Fur und Shivered. Letzteres feierte Anfang dieses Jahres im Theater mit einer sehr erfolgreichen Produktion Premiere. Jetzt ist er zurück, als er ausgewählt wurde, um das letzte Angebot des Southwark Playhouse vorzustellen, bevor es in vorübergehende Räumlichkeiten in Elephant and Castle umzieht. Feathers in the Snow, ein Familienschauspiel, ist eine kuriose Wahl für Ridley (abgebildet rechts), der ansonsten für seine schwerwiegenden und etwas umstritteneren Projekte bekannt ist. Doch er hat auch Kinderbücher geschrieben. Ziemlich viele davon sogar. Und viele davon gewannen auch Preise. Tatsächlich bekommt man beim Lesen von Ridleys vielseitigem Lebenslauf den Eindruck, dass dies jemand ist, der kreativ das tut, was er will, wann er will. Wie ist es möglich, dass eine Karriere sowohl Performancekünstler, Maler, Romanautor, Dramatiker, Drehbuchautor, Filmemacher, Regisseur als auch Fotograf umfasst? Und in all diesen Bereichen erfolgreich zu sein?

„Für mich tue ich nur eine Sache“, sagt Ridley. „Aber das ist das Paradoxon, das ich immer hatte, wenn ich darüber spreche. Alles, was ich tue, ist Geschichten zu erzählen.“

Ich bin überrascht, wie höflich und bescheiden Ridley ist. Sollen Künstler seines Ranges nicht ernst, introvertiert und etwas schwierig sein? Ganz im Gegenteil, Ridley ist zugänglich und engagiert, mit einem Durst nach seiner Arbeit.

“Manchmal fällt mir eine Geschichte ein und wenn ich sie rein visuell vor mir sehe, dann ist das wahrscheinlich ein Film”, fährt er fort. “Wenn ich eine Geschichte höre, bei der Figuren miteinander sprechen, dann ist das wahrscheinlich ein Bühnenstück. Wenn ich eine Geschichte sehe, die eine Abfolge von Bildern ist, dann könnte das eine Reihe von Fotografien oder Gemälden sein. Die Geschichte bestimmt, in welchem Medium sie erzählt werden muss. Mir fiel nie ein, bis ich von vielen Leuten dafür in gewisser Weise gerügt wurde, dass ich verschiedene Sachen mache. Für mich ist es einfach eine Sache – Geschichten erzählen.”

Es ist eine wunderbare Perspektive der eigenen Kreativität, und eine, die zum Beispiel in Amerika angenommen wird. Im Gegensatz dazu scheint es fast so, als habe Großbritannien einen gewissen Snobismus in Bezug auf Künstler, insbesondere Schauspieler, die sich auch nur an einer anderen Disziplin versuchen. Ich erinnere mich an einen ehemaligen Schauspielerkollegen, dem von einem führenden künstlerischen Leiter ohne die geringsten Zweifel gesagt wurde, dass er, sollte er ein Stück inszenieren, sofort die Schauspielerei aufgeben müsse, sonst werde er in keiner der beiden Disziplinen jemals ernst genommen. Er schluckte den Rat und ist jetzt ein preisgekrönter Regisseur, eine Aspiration, die vielleicht nie Realität geworden wäre, hätte er den Rat seines Mentors ignoriert. Tief im Inneren weiß ich, dass sich der Magen meines Freundes danach sehnt, wieder auf der Bühne zu stehen, aber er traut sich nicht. Ich frage mich, was Ridley über eine Branche denkt, die so engstirnig sein kann.

Er nimmt einen Schluck von seinem Getränk und denkt einen Moment darüber nach, warum das Problem so „endemisch“ im Vereinigten Königreich und „nicht so schlimm“ im Rest von Europa sei.

“Ambitionen werden in diesem Land nicht gern gesehen, die Engländer mögen keine ehrgeizigen Menschen”, sagt er. “Sie haben das nie getan. Das ändert sich langsam ein wenig. Als ich meinen ersten Film drehte, geschah das gegen Ende meiner 20er. Damals war das unglaublich jung, um in diesem Land einen Film zu machen. Man sollte zwanzig Jahre in der BBC gearbeitet und sich 'seine Flügel verdient' haben. Zwanzig Jahre voller Enttäuschungen hinter sich, bevor man endlich etwas anderes anfangen durfte.”

Southwark Playhouse

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Ridley studierte in den achtziger Jahren Malerei an der St. Martin's School of Art. Damals bedeutete das buchstäblich, dass man einen Pinsel aufhob, ihn in Ölfarbe tauchte und auf die Leinwand auftrug. Alles andere galt als “etwas verdächtig”, erklärt er.

“Viele Leute, mit denen ich spreche, die eine Sache machen, tun auch andere Sachen. Sie reden nur nicht darüber”, fügt er hinzu. Er erwähnt Dramatiker Howard Barker, der kürzlich im Print Room ein Stück inszenierte und gleichzeitig Gemälde ausstellte. Der amerikanische Filmregisseur David Lynch ist ebenfalls Maler und Musiker. Der britische Filmregisseur Peter Greenaway malt auch.

Ridley frühte sich früh seiner eigenen Ambitionen an und traf Karriereentscheidungen, die ihn oft in neue kreative Richtungen führten, ohne viel Planung und „zum Ärger der Leute, die versuchten, meine Karriere zu leiten“, lächelt er. „Ich bin immer, nicht absichtlich, aber irgendwie immer gegen die vorherrschende Meinung gegangen, was ich als Nächstes tun sollte.“

Es überrascht daher nicht, dass Ridley ins Filmgeschäft wechseln würde. Er hat zwei Spielfilme geschrieben und inszeniert – The Reflecting Skin, der 11 internationale Auszeichnungen erhielt, und The Passion of the Darkly Noon, der ihm den Preis als bester Regisseur beim Porto Film Festival einbrachte. Aber es war in den 80ern, während seines Studiums, als er bei einer Pop-Video-Produktionsfirma „etwas extra Taschengeld verdiente“ und später die Gelegenheit seines Lebens erhielt – das Drehbuch für The Krays zu schreiben, in dem Gary und Martin Kemp die Hauptrollen spielten.

Ridley stieg als Gelegenheitsarbeiter in die Firma ein, dann als Storyboard-Zeichner, und es dauerte nicht lange, bis er als Ideen-“Bouncing-Ball” – eine Art „Berater“ für Regisseure, die an verschiedenen Projekten arbeiteten – herangezogen wurde. Dies war die Hochzeit der Popvideos, bei der Produzenten wirklich ernsthafte Gelder in die Hand gedrückt wurden, um sie zu produzieren. Diese spezielle Firma arbeitete mit Spandau Ballet zusammen und Ridley bekam bald Wind davon, dass die berühmten Kemp-Brüder scharf darauf waren, wieder ins Schauspielgeschäft einzusteigen und darauf brannten, sich mit den berüchtigten Brüdern der Sechzigerjahre – Ronnie und Reggie – zu befassen.

“Gary und Martin kamen aus East London, und es schien einfach wie perfektes Casting zu sein, weil man zwei Brüder will, die diese Chemie teilen”, erinnert sich Ridley. “Ich sagte, 'warum gebt ihr mir nicht eine Chance auf die Krays?' Die Leute versuchten seit zwanzig Jahren diesen Film in Angriff zu nehmen und es war nie passiert, also ging ich los und schrieb es einfach, so wie ich dachte, dass es gemacht werden sollte.” Gary Kemp, Billie Whitelaw und Martin Kemp in The Krays.

Ridley wurde im East End aufgezogen und war von jungen Jahren an den vielen Anekdoten ausgesetzt, die die berühmten Gangster umfassten. “Alle meine Tanten hatten irgendwann mit Reggie Kray getanzt. Ich sah einen von ihnen, als ich noch ein Kind war. Ich kannte die Legende, und es war die Legende von ihnen, die mich wirklich faszinierte.”

Ein solches Thema als erstes Drehbuch anzugehen, ist zweifellos mutig, und es ist diese Ambition, die Ridley selbst faszinierend macht. Narrativ ins Detail zu gehen, muss ein Minenfeld gewesen sein, und er gibt zu, dass ihre Geschichte „kompliziert“ war, weil sie die ganze Zeit ein- und ausgegangen von Gefängnissen waren. Der Schlüssel, erinnert er sich, war es, es aus dem „mythischen Aspekt“ zu betrachten.

Nicht scheu, auf Instinkt zu gehen, traf Ridley früh eine mutige Wahl. “Das erste, was ich tat, und was damals alle schockierte, war, dass ich sagte, wir werden Gary oder Martin nicht für die ersten 40 Minuten dabei haben”, erzählt Ridley. “Wir werden uns auf die Kindheit der Jungen konzentrieren. Das war eine große Kontroverse, weil es offensichtlich Gary und Martin waren, die das Geld reinbrachten.

“Rückblickend, was ich dazu beigetragen habe, war ziemlich offensichtlich das, was ich immer noch beitragen würde. Es ging um Kindheit, starke weibliche Charaktere aus East London, es ging um Krokodile. Ich machte den ersten Entwurf des Drehbuchs und es war so gar nicht kommerziell. Aber Gary und Martin liebten es.”

Angesehene Schauspieler wie Steven Berkoff, Victor Spinetti und Billie Whitelaw meldeten sich an. Whitelaw zeigte beträchtliche Unterstützung für Ridleys Drehbuch und übernahm die herausfordernde Rolle von Violet Kray. „Sie war perfekt, und sie wusste es. Sie hatte schon seit Ewigkeiten keinen Film mehr gedreht. Sie kam zurück, weil sie wusste, dass sie das hinbekommen würde. Sie war einfach so ermutigend. Sie sagte, 'du hast das geschrieben, was du für deinen ersten Film schreiben wolltest und du hast kein Wort geändert und viele Leute könnten das nicht tun'.” Mercury Fur, Trafalgar Studios (2012)

Es ist eine Philosophie, die Ridleys Karriere geleitet hat: Standhaft in seinen Ideen zu sein, mit einer „einfach machen“-Haltung. Das bedeutet, dass man sicherlich keines seiner Stücke irgendwo in einer Schublade verstauben findet. Dies ist ein Künstler, der Dinge erledigt, ein Teilnehmer, kein Antizipator, der das Projekt bis zum Ende führt. „Sobald es geschrieben ist, will ich es einfach auf die Bühne bringen“, sagt Ridley.

Dies ist auch der Grund, warum er „eigentlich nie“ Theateraufträge annimmt. Eine Idee vorzuschlagen, widerspricht einfach Ridleys Ethos. „Ich kann nicht so arbeiten. Ich muss sagen 'willst du das nächste Stück?' Selbst wenn ich mich hinsetze und Ihnen sage 'Ich werde dieses Ding über dies und jenes schreiben.', würde es sich nach zehn Seiten ändern. Es würde zu etwas anderem werden. Nichts, was ich jemals angefangen habe zu schreiben, ist das, was ich bei einem Projekt am Ende geschrieben habe“, erklärt er mit Überzeugung. „Es verändert sich immer und es ist immer organisch.“ Es ist eine mutige Arbeitsweise, aber Ridley gibt zu, dass er bereit ist, Risiken einzugehen. Und Junge, er hat in seiner Zeit genug davon genommen. Der Rückschlag, der mit seinem Stück Mercury Fur von 2005 kam, mit Ben Whishaw in der Hauptrolle, ließ Ridley „sprachlos“ zurück. Nach der Premiere im Menier Chocolate Factory wurde es zu einem großen Gesprächsstoff bei den Kritikern. Seine eigenen Verleger, die glaubten, Ridley hätte vielleicht ein Risiko zu weit gegangen, weigerten sich sogar, den Text zu drucken. Ein Stück, das von Banden, Gewalt, Drogen und dem Mord an einem Kind mit einem Fleischerhaken handelt, wird immer Reaktionen hervorrufen, aber Ridley hatte nicht damit gerechnet, dass Freunde ihm die Freundschaft kündigen würden. „Es ist absolut wahr. Sie sagten, 'Was genau willst du damit sagen? Versuchst du, den Mord an Kindern zu fördern? Ist das, was du tust?' Ich war einfach so sprachlos.”

Jetzt ist natürlich nicht einmal ein Hauch von Sorge zu spüren. Ridley ist für all diesen Unsinn viel zu klug. “Es war eine großartige Produktion, mit Ben Whishaw, um Himmels willen, das kann nicht schiefgehen! Aber aus irgendeinem Grund war die Reaktion der Presse entschlossen, nicht zu sehen, worum es ging. Sie waren entschlossen, es als Schock-Fest zu sehen“, erinnert er sich.

Das hielt den Rest der Welt nicht davon ab, ein Stück des Kuchens haben zu wollen, da Mercury Fur in einer Reihe anderer Länder Premiere feierte, darunter Amerika, Australien, Deutschland, Japan, Frankreich, Italien, Malta, Türkei und Tschechien. Die kürzliche Wiederaufnahme in den Trafalgar Studios in London sah die ursprüngliche negative Reaktion der Presse ins Gegenteil umschlagen, eine unlogische Prämisse, die Ridley amüsiert. „Es ist nicht, dass mich das, was Kritiker sagen, nicht interessiert. In gewisser Weise ist es irrelevant, denn ich habe erlebt, dass sie ihre Meinung von einer Show zur nächsten ändern. Was sie vor fünf Jahren gesagt haben, werden sie jetzt nicht sagen. Ich habe viele Stücke gemacht, die komplett verrissen wurden, als sie eröffneten, und dann waren sie vier Wochen später in der 'Wahl der Woche'“, sagt er.

„Es ist nicht so, dass ich ihnen absichtlich aus dem Weg gehe oder so. Aber das ist nicht die Geschichte, die erzählt wird. Die Geschichte um ein Kunstwerk entsteht etwa drei oder vier Jahre später.”

The Pitchfork Disney, Arcola Theatre revival, 2011 Rückblickend auf Ridleys erstes Stück im Jahr 1991, konnte er nicht vorhersehen, dass genau in diesem Moment ein Getriebewechsel im britischen Theaterschaffen stattfand. Im Nachhinein war Ridley sehr wohl Teil der Invasion von Fantasie und dunklem Surrealismus im Theater und führte vielleicht sogar den Weg an. „Ich wusste nichts über Theater, ich wusste nicht einmal, was eine Pressenacht ist“, gesteht er.