GROSSES INTERVIEW: Die Schöpfer von Grey Gardens - Das Musical

Doug Wright, Michael Korie und Scott Frankel Douglas Mayo hatte nach der Premiere von Grey Gardens die Gelegenheit, mit den Schöpfern des Musicals Scott Frankel (Musik), Michael Korie (Text) und Doug Wright (Buch) über die Show zu sprechen und ihre Gedanken zur aktuellen Produktion im Southwark Playhouse zu erfahren.

Am Morgen, bevor ich mit den Schöpfern sprach, waren bereits die ersten von vielen 5-Sterne-Bewertungen für die Produktion eingetroffen, und das Team war begeistert.

Es wissen nicht viele, dass Grey Gardens das erste Musical war, das jemals von einem Dokumentarfilm adaptiert wurde. Wie sind Sie an die Adaptation herangegangen, um sie für die Bühne des Musiktheaters zum Funktionieren zu bringen? DW: Als sie mich das erste Mal ansprachen, sagte ich sowohl zu Scott als auch zu Michael, dass es ein absurdes Vorhaben sei. MK: Und respektlos! DW: Ich sagte, der Film sei brillant. Ich verehre ihn. Jeglicher Versuch, ihn für das Theater zu übersetzen, würde ihn zu einer Übung in Künstlichkeit machen. Was den Grey Gardens-Dokumentarfilm tiefgründig macht, ist, dass er Cinéma vérité ist.

Scott, der sehr vorsichtig und sehr weise ist, sagte zu mir, warum kommst du nicht nächste Woche zurück und erzählst uns noch einmal, warum es so eine verrückte Idee ist. Also tat ich das. Ich sagte – es gibt keine Handlung. Im Theater braucht man einen Anfang, eine Mitte und ein Ende. Später waren Michael und Scott beim Mittagessen und sie hatten einen ziemlich aufschlussreichen Moment.

MK: Wenn Scott sich auf ein Thema konzentriert, ist er fast talmudisch und denkt Tag und Nacht darüber nach. Er versuchte herauszufinden, wie er Doug dazu bringen könnte, das Buch zu schreiben, da er das Gefühl hatte, dass Doug der perfekte Dramatiker dafür sei. Wir waren in einem Restaurant mit einem Papiertischtuch und einem Buntstift zum Zeichnen für Kinder. Scott zeichnete zwei Kästen und sagte „Schau dir das an!“. Ich verstand es, Akt Eins war die Vergangenheit, Akt Zwei war die 70er Jahre und der Raum zwischen den beiden Kästen waren all die Dinge, die dazwischen passiert waren. Ich sagte, lass uns Doug zeigen, also nahmen wir das Tischtuch mit, um es ihm zu zeigen, und er reagierte genauso.

DW: Indem man es in die 40er und 70er Jahre aufgeteilt hat, sah ich eine Kausalität, die ich im Dokumentarfilm, so brillant er auch ist, nicht sah. Plötzlich konnte ich eine narrative Form erkennen. Für mich als Autor bot es die Gelegenheit, einen ersten Akt aus der Welt von Philip Barry zu gestalten und einen zweiten Akt (hoffentlich), der dem verrückten Gedicht von Samuel Beckett etwas verdankt. MK: Wir haben unendlich lange über die Geschichte gesprochen. Ediths Liebe zum Gesang wurde zu einem Aspekt, der entscheidend für das Geschichtenerzählen wurde. Als wir entdeckten, dass Little Edie mit Joe Kennedy Jr. verabredet war, dachten wir, was wäre, wenn es ein wenig weiter gegangen wäre und sie verlobt gewesen wären, dann hätte es vielleicht eine Verlobungsparty gegeben, die Big Edie hätte entführen wollen. So entwickelte sich die Geschichte. SF: Die Architektur ist knifflig und ungewöhnlich. Doug hat seitdem eine weitere Dokumentarfilm-zu-Musical-Adaption gemacht, nachdem wir das getan hatten.

Obwohl es sich in gewisser Weise moderner anfühlt, braucht es trotzdem eine gewisse Eingewöhnung, da es oft hin und her in der Zeit springt und nicht immer alle Fragen beantwortet.

DW: Früh in unserem Prozess hätten wir manchmal auf Little Edie Seite gestanden oder Big Edies Sichtweise eingenommen. Wir setzten uns mit Albert Maizels zusammen, der den Dokumentarfilm gemacht hatte, und er gab uns einen warnenden Ratschlag: „Geben Sie keinem von beiden die Schuld. Sie dürfen nie vergessen, dass es im Kern eine Mutter-Tochter-Liebesgeschichte ist.“ Das war eine unglaublich großzügige Aussage von ihm, und es wurde fest in unseren Köpfen verankert. Wir wussten, dass wir, wenn wir jemals eine Figur auf Kosten der anderen zu hart angehen würden, ihnen wirklich nicht gerecht werden würden. SF: Als ich den Film zum ersten Mal sah, dachte ich, es handelte sich um eine selbstverliebte, narzisstische Mutter, die in einer Treibhäuserumgebung namens Grey Gardens lebte, die für sie und ihren schwulen Begleiter sehr gut funktionierte, aber nicht annähernd so gut für ihre Tochter. Ich habe auch festgestellt, dass es das ist, aber es ist auch die Geschichte einer großzügigen und fürsorglichen Mutter, die einer Tochter Schutz bot, die in der Welt nicht zurechtzukommen vermochte. MK: Big Edie würde das Haus nicht verkaufen, als es kein Geld gab, genau aus diesem Grund, weil sie in eine Institution gesteckt worden wäre.

Die Einwohner von Grey Gardens sind zwei der außergewöhnlichsten Charaktere im Musicaltheater. Am Ende von Akt Eins verlässt Little Edie Grey Gardens, aber zu Beginn von Akt Zwei, dreißig Jahre später, ist sie zurück. Dies führt zu einigen interessanten Momenten zwischen Mutter und Tochter, nicht wahr? SF: Im ersten Akt kann sie am Ende hinausgehen und am Ende des zweiten Akts steht sie kurz davor, wieder zu gehen und kann es nicht. MK: Wir haben dies erkundet und einen Großteil der Show in Sundance geschrieben, einem Kunstzentrum an der Grenze zwischen Florida und Georgia, in einem Sumpf, einem sehr luxuriösen Sumpf.

Doug kam in meine Kabine und sagte, ich habe es herausgefunden – Akt Eins und Akt Zwei sind gleich, Little Edie versucht, das Zuhause zu verlassen und kann es nicht – schreib ein Lied darüber.

DW: Ich denke, die Außenwelt offenbarte all ihre Einschränkungen, ihre Schwächen und Pathologien, und Grey Gardens nährte sie, sodass sie immer zu dem Ort zurückkehrte, an dem sie genährt wurde, obwohl ihre Mutter manchmal diabolisch zu sein schien. Ja, es schien, als ob irgendwo ein Hauch von Momma Rose versteckt war. SF: Ich habe das definitiv in dieser Version gesehen, in der die Mutter im ersten Akt mit Joe Kennedy spricht und sagt: „Sie ist eine geborene Künstlerin.“ Es ist sehr klar, dass sie eindeutig von sich selbst spricht.

Wie vergleicht sich diese Produktion im Southwark Playhouse mit anderen, die Sie gesehen haben? SF: Wir haben die Show in Japan und Rio gesehen, glauben Sie es oder nicht, sowie überall in den USA. MK: Mir gefällt es besonders, die Show in einem anderen Land zu sehen. Wie haben Sie sich im Vereinigten Königreich gefühlt? Es gibt hier sicherlich eine größere Akzeptanz für Exzentrizität. SF: Ja, sicherlich gibt es hier eine Geschichte von Aristokraten im Vereinigten Königreich, die in Landhäusern ohne genug Geld leben. Das ist hier nicht unbekannt. DW: Wir waren besonders bewegt, solche beeindruckenden Talente (Sheila Hancock und Jenna Russell) an unserem Material arbeiten zu sehen. Wir alle waren der Meinung, dass Thom Sutherland die emotionalen Ecken des Materials wirklich hervorgehoben und in einer wirklich erfahrenen und prägnanten Weise zum Vorschein gebracht hat. Ich denke, es wäre unehrlich zu sagen, dass wir alle drei gestern Abend nicht absolut in der Luft tanzten.

Es ist eine beeindruckende Besetzung. Jedes einzelne Besetzungsmitglied war absolut hervorragend. Es war wirklich berührend.

SF: Ich sprach mit jemandem, der den Dokumentarfilm nicht kannte und bei der Eröffnung dabei war. Sie sagten, dass insbesondere in der modernen Gesellschaft viele Dinge nicht angesprochen werden, insbesondere die psychodynamische Beziehung zwischen Eltern und Kindern. Ich habe einige Besetzungsmitglieder und deren Mütter gesehen. Einige sind überschwänglich in ihrem Lob, aber andere sind stoisch und zurückhaltend. Mein Freund bemerkte, dass er es faszinierend fand, einen Blick auf einige der unschöneren Aspekte des menschlichen Verhaltens zu werfen. Es macht sie nicht weniger menschlich und wir alle haben sie, aber es war interessant, darüber zu sprechen und Dinge zu bezeugen, die hier bewusst nicht diskutiert werden.

DW: Auch die Vorstellung, dass die am meisten gequälten und byzantinischsten Beziehungen fast immer zwischen einem Elternteil und einem Kind bestehen. SF: Die besten Eltern lassen ihre Kinder sein, wer sie sind und sein möchten, und die komplizierteren Eltern können sich nicht von dem Kind und ihren eigenen unerfüllten Ambitionen lösen sowie ihrer Vorstellung davon, wie das Drehbuch des Lebens des Kindes sein sollte. Nachdem Sie das Musical uraufgeführt hatten, machte HBO seine eigene Filmadaption von Grey Gardens mit Jessica Lange und Drew Barrymore. Was waren Ihre Gedanken zu dem Film? SF: Ich habe den Film genossen und beide Frauen sind besonders gut darin. Einer der Hauptunterschiede zwischen unserer Show und dem HBO-Film besteht darin, dass sie sehr gezielt spekulieren, was während des Intervalls passiert ist, als Little Edie Grey Gardens das erste Mal verlässt, um nach New York zu gehen. Im Dokumentarfilm gibt es kleine Hinweise, und es gibt einige Spekulationen, dass sie 'vielleicht' eine Affäre mit einem verheirateten Mann hatte, die 'vielleicht' schief ging. Der Hauptunterschied zwischen den beiden besteht darin, dass wir sehr gezielt nicht spekulieren wollten, da wir dachten, es wäre reicher, keine Spur von Brotkrumen über das Intervall zu legen. Keine dieser beiden Damen ist richtig und keine ist falsch. Sie sind beide schuldig, sie haben einander sowohl zerstört als auch gerettet, und das alles ist wahr. Wir haben nicht versucht, alle Winkel zu spielen, deshalb ist Grey Gardens der perfekte Titel, es ist nicht schwarz oder weiß, es ist grau! DW: Little Edies Exzentrizitäten sind so barock, dass ich nicht glaube, dass man sie auf eine einzige Ursache zurückführen kann. Ich denke, es muss eine Kombination aus dem Verlust der finanziellen Freiheit, den psychologischen Anforderungen ihrer Mutter, einem Schuss psychischer Krankheit, einem zurückhaltenden Vater, zerbrochener Liebe sein, und ich denke, es braucht einen perfekten Sturm, um eine Persönlichkeit zu schaffen, die so extravagant ist. Es ist vielleicht ein schuldbeladenes Eingeständnis, dass ich den HBO-Film nie gesehen habe, einfach weil ich das bemerkenswerte Privileg hatte, mit diesen beiden außergewöhnlichen Frauen zu tanzen, und emotional nicht sicher bin, ob ich bereit bin, sie mit einem anderen Partner tanzen zu sehen. Es ist ein Vergnügen, das ich mir für die Zukunft aufspare.

Habe ich falsch gelegen oder sind Zeilen aus dem Film in das Musical eingewebt? MK: Ja, das sind sie. Ich wurde stark von Little Edie beeinflusst, die in den Himmel blickt und sagt: „Ein weiterer Winter, oh Gott!“. Doug und ich haben darüber gesprochen, ich denke tatsächlich, dass im zweiten Akt eine große Menge an Erfindungen vorkommt, Linien, die nicht im Dokumentarfilm enthalten sind und die Doug als Dialog geschrieben hat, während ich viele der tatsächlichen Zitate genommen und in die Texte eingefügt habe. Wenn Leute sagen, Akt Zwei sei dem Dokumentarfilm treu – ja und nein – wirklich eine Menge davon wurde von Doug neu erfunden. SF: Beide Frauen sprachen auf diese unglaublich intelligente, poetische Weise. Ihre Wendungen waren so poetisch, dass sie geskriptet klangen, sie sind so gut. Sie klingen so viel besser als das, was Menschen normalerweise in typischen Gesprächen sagen, und die Bildsprache ist so spezifisch, dass es eine großartige Sprache zum Ausschachten ist. MK: Das revolutionäre Kostüm ist ihrem Monolog sehr nahe. Gab es eine bewusste Entscheidung, die Dokumentarfilmer als Charaktere in Ihrer Adaption nicht zu verwenden? SF: Wir haben das sehr früh verworfen. Beide Frauen waren hungrig nach einem Publikum und die Dokumentarfilmer fungierten in dem Film als dieses Publikum. Wir dachten, wir könnten das in ein Live-Theaterumfeld übertragen, in dem Sie das Publikum werden. Sicherlich funktioniert es im zweiten Akt in diesem Raum brillant. Sie lebten als Einsiedler mit Ausnahme von Jerry, vielleicht fantasieren sie von einem größeren Publikum. MK: James Lapine bemerkte, dass es interessant sei, dass beide zum Publikum sprechen könnten, weil sie beide die Bestätigung wollten, dass sie Recht hatten. SF: Das Stück verbindet sich mit Frauen auf eine sehr spezifische Weise. Frauen, denke ich, identifizieren sich mit den „Lass-dein-Haar-los“-Qualitäten von Akt Zwei. Die Freiheit, sich um nichts zu kümmern, die Freiheit, sie selbst zu sein.

Manche Schöpfer von Musicals haben die Angewohnheit, ihre Werke noch Jahre nach der Premiere zu bearbeiten. Nehmen Sie an dieser Praxis teil? MK: Wir haben eine Menge Arbeit zwischen Broadway und Broadway geleistet, und ich denke, die Änderungen, die wir vorgenommen haben, haben uns befriedigt. DW: Ich fühle immer den Drang, zu basteln, aber ich habe ein stärkeres Maxime diesbezüglich, es gibt keine perfekten Stücke und Musicals, aber es gibt viele fertige Stücke und Musicals. Ich habe das Gefühl, dass, wenn man sich einem bestimmten Thema widmet, das Schreiben manchmal ein Versuch ist, sich mit diesem Teil von einem selbst zufriedenzustellen, und dann geht man weiter. Mit jedem neuen Werk fühle ich mich wie ein anderer Autor als der, der zuvor kam. Ich bin mir nicht sicher, ob der gegenwärtige Schriftsteller zurückgehen und eifrig das Werk des vorherigen Schriftstellers neu erfinden könnte. Man muss einfach dem Werk vertrauen, und wenn man mit zwei anderen Talenten wie diesen zusammenarbeitet, bekommt man ein Gefühl, das seltsamerweise befriedigend ist. SF: Ich hatte nicht so sehr den Wunsch, zu basteln, aber bei dieser Produktion habe ich Dinge gesehen, die mir vorher nicht aufgefallen waren und die mir in den Sinn kamen. Es gab bestimmte stilistische Entscheidungen, die Thom traf und die der Rest des Ensembles sowie einige Design-Entscheidungen und das fand ich sehr aufregend. Gab es einen speziellen Moment, den Sie in dieser Produktion mochten? SF: Für mich sind die Echos im zweiten Akt, wo die Charaktere auftauchen, als wären sie im Gedächtnis der beiden Frauen. Besonders beeindruckt war ich von Joe Kennedy, der stand, als sie versuchte, das Zuhause zu verlassen, und Gould, der in ihrem Bett auftauchte. Das hatte mich nie beschäftigt. DW: Ich fand es spannend, dass das Bühnenbild die beiden Akte so integrierte, dass sie manchmal zusammenfügen, auf eine Weise, die ich vorher nicht gesehen hatte. Es schuf die drohende Dunkelheit des zweiten Akts. MK: Ich liebte, was sie mit Brooks gemacht haben. In der Szene am Tor kleidete Thom Brooks den Sohn als Brooks, den Butler, und man konnte die Verwirrung in Little Edies Gesicht sehen und das verleiht dieser Szene eine völlig andere Wendung. Ich konnte mich in ihrem geistigen Nebel wiederfinden. SF: Das Erstaunliche für uns ist, dass man etwas schreibt und dabei so spezifisch wie möglich im Score und im Skript ist. Keiner von uns war an diesem Projekt beteiligt, wir hatten uns mit Thom und Danielle getroffen und ich hatte mit Jenna gearbeitet. Und natürlich ist Sheila eine lebende Legende, auch wenn sie es nicht gerne genannt wird. Aber dann ist die Magie, dass jemand dein Material nimmt und es auf seine eigene Art beschwört und du bist bei keinem der Backprozesse dabei. Grey Gardens läuft im Southwark Playhouse bis zum 6. Februar 2016.