KRITIK: Könige des Broadway, Palace Theatre ✭✭✭

Könige des Broadway

Palace Theatre

29/11/15

3 Sterne

‚Ich fand heraus, dass das, was die Beleuchtung für die visuellen Aspekte des Theaters tut, die Orchestrierung für die akustischen Aspekte leisten kann.‘ Jonathan Tunick

Für nur zwei Aufführungen leitete Alex Parker (mit Schwung) ein exzellentes Ensemble von Sängern und ein dreißigköpfiges Orchester, das eine köstliche Auswahl an Nummern aus den Backkatalogen von Jule Styne, Stephen Sondheim und Jerry Herman – alle ‚Könige des Broadway‘ – darbot.

Es war ein lohnender Abend, aber nicht immer in der erwarteten oder offensichtlichen Weise. Trotz vieler feiner beiläufiger Momente individuellen Gesangs und Spiels waren die wahren Helden des Abends drei in der Nacht unsichtbare Personen, deren Namen versteckt in einem abgelegenen Unterabschnitt des Programms standen – Jonathan Tunick, Jason Carr und Martin Higgins – die Autoren der meisterhaften Orchestrierungen, die sowohl üppig als auch geschickt waren und das größte Vergnügen und die meisten Überraschungen bereiteten.

Orchestratoren erhalten selten viel Aufmerksamkeit. Viele von uns nehmen an, dass Broadway-Komponisten ihre eigenen Arrangements machen und immer gemacht haben, aber das war und ist fast nie der Fall. Darüber hinaus hängt vieles von der Arbeit des Orchestrators ab: Es ist mehr als Glitzer und geriebene Schokolade, die oben auf dem Kuchen verstreut ist. Seine kreative Palette fügt den endgültigen dramatischen Dreh den Intentionen des Komponisten hinzu. Er (und es scheint immer er zu sein, nicht sie?) fügt die letzten Farblasuren und Lackschichten hinzu, die unsere Reaktionen formen. Doch wir bekommen selten die Gelegenheit, ihre Arbeit zu erleben, weil aus Gründen der Wirtschaftlichkeit die üblichen Begleitgruppen ein Grabenorchester oder weniger sind.

Es war also ein besonderer Genuss, ein dreißigstarkes Orchester auf der Bühne zu haben, das mit Eleganz und Schwung von Alex Parker dirigiert wurde. Als die Streicher zum Auftakt von ‚Gypsy‘ einsetzten, gab es eine sichtbare Reaktion im Publikum, als ob wir alle plötzlich erkannten, was wir verpasst hatten. Ich machte mir Notizen über Harfenglissandi, perkussives Schlagwerk, Holzbläsergeschnatter und subtile Streicheruntermalung, die bekannte Lieder auf eine Weise bereicherten, die ich zuvor einfach nicht bemerkt oder geschätzt hatte. Es gab einige Balanceprobleme in der ersten Hälfte, aber nach der Pause gab es ein fruchtbares und entspannteres Miteinander zwischen den Spielern und Sängern, die von der Vorbühne aus agierten.

Dieser Abend suchte nicht nach tiefen thematischen Verbindungen zwischen Styne, Sondheim und Herman: Er feierte einfach ihren enormen Beitrag zur Broadway-Geschichte, indem er viele der berühmtesten einzelnen Songs geschickt mit weniger bekanntem Material mischte. Einige dieser unaufgespürten Juwelen fielen mir besonders auf. Im Fall von Herman war es eine Erinnerung daran, wie viele großartige Nummern es in ‚Mack and Mabel‘ gibt, die wir nicht so gut kennen, wie wir sollten; für Styne, dass es so viele großartige eigenständige Charakternummern gibt, die nicht so weit gereist sind, wie sie sollten, weil die Shows, in denen sie entstanden, keine lange Laufzeit hatten; und schließlich eine Erinnerung an das Wunder, das Sondheims geniale Fähigkeit ist, solche Tiefen von Emotionen zu erzeugen, indem er ursprünglich nur winzige Schnipsel von Melodien und Harmonien kombiniert.

Die zweiundzwanzig Sängerinnen und Sänger umfassten viele Generationen und Erfahrungsstufen und nutzten ihre Gelegenheiten überwiegend gut, besonders diejenigen, die geschickt darin waren, das Handmikrofon zu ihrem Freund statt Feind zu machen. Es gab viele herausragende Solonummern, spritzige Duette und Ensemble-Nummern, aber wo dieses Format sich am meisten auszeichnete, war in den mehreren Medleys, die entweder aus einer einzigen Show oder zur Illustration eines einzigen Song-Genres gewählt wurden (z.B. und am aufschlussreichsten - ‚Paraden‘). Außerhalb von Feierveranstaltungen hört man Lieder in diesen Gruppierungen nie, und es können daher viele aufschlussreiche Vergleichspunkte gemacht werden.

Bei einer solch abwechslungsreichen Auswahl an Material ist jede Auswahl von Höhepunkten sogar noch subjektiver als normalerweise in einer Rezension. Dennoch war ich besonders beeindruckt von Caroline O’Connors Versionen von ‚Broadway Baby‘ und ‚Time Heals Everything‘, die den Charakter ebenso wie die Melodielinie entwickelten. Unter den weniger bekannten Künstlern leistete Richard Fleeshman großartige Arbeit mit ‚Buddy’s Blues‘, einem jener Lieder, die schwer zu bewältigen sind, ohne den Kontext der Szene (aus ‚Follies‘), mit dem man arbeiten kann, und Bradley Jaden gab eine interessante und originelle Interpretation von ‚Maria‘ aus ‚West Side Story‘. Anna O’Byrne und Jack North gaben eine entzückende Version von ‚Let’s See What Happens‘ aus dem wenig bekannten ‚Darling of the Day‘, und North führte erneut in einem hervorragend flotten ‚Put on your Sunday Clothes‘, das als Finale des Ganzen diente.

Vielleicht lag das emotionale Herz der Show in einer Sequenz von Charakternummern für Hauptdarstellerinnen, die alle drei Komponisten in ihrer unvergleichlichen Bestform zeigten. Ich habe Caroline O’Connor bereits erwähnt, aber Caroline Sheen, Anne Reid, Laura Pitt-Pulford und Janie Dee gruben sich ebenfalls tief in diesen Songs, die in den Händen verschiedener Künstlergenerationen scheinbar endlos neu erfunden werden können. Vielleicht ist das der beste Indikator für die zeitlose Qualität dieser Komponisten und das beste Zeugnis für ihre anhaltende dramatische Relevanz und emotionale Bedeutung heute.

Doch zurück für einen Moment zu dem Thema meiner einleitenden Bemerkungen, wehe dem Sänger, der nicht auf orchestrale Details achtet! Ich will kein großes Aufsehen darum machen, aber es war ein Fehler von Janie Dee, in einer ansonsten guten Darbietung von ‚The Ladies who Lunch‘, von den Lyrics abzuweichen und einen zweiten Toast auf Pinter statt auf Mahler auszubringen, denn an dieser Stelle ist ein witziges Holzbläser-Gewarble eines Zitats aus Mahlers ‚Vierter Sinfonie‘ geschickt in die Partitur eingefügt.

Dies war ein wunderbarer Abend, der an allen Punkten vor Talent sprühte und durchweg unterhaltsam war. Es ist gut, manchmal zurückzutreten und über die detaillierten musikalischen Freuden dieser Komponisten ohne Bühnenapparat nachzudenken. Doch selbst wenn man den Mangel an Probenzeit berücksichtigt, gab es lose Enden und unordentliche Produktionsaspekte, die rechtzeitig hätten erfasst werden können und sollen. Einige Sänger stellten ihre Nummern vor, andere nicht, und wenn wir nicht immer einen M.C. mit den Qualitäten des makellosen, verstorbenen Ned Sherrin in ‚Side by Side by Sondheim‘ haben können, war dies ein Abend, der nach einer solchen Figur schrie, um die Proceedings zu leiten und zusammenzufassen. Das Palace und das Palladium sind großartige, prächtige Schauplätze für solche Festzüge, aber wie große Schiffe benötigen sie sorgfältige Handhabung und dürfen nicht als selbstverständlich angesehen werden. Beleuchtung, Choreografie, Kontinuität und Sounddesign brauchten alle mehr Arbeit in diesen Einstellungen, und hoffen wir, dass sie es beim nächsten Mal bekommen. Wenn ja, dann wird sicherlich ein weiterer Stern von mir an den Mast geheftet werden.