리뷰: 과거와 다른 세상, 스트랫포드 이스트 극장 ✭✭✭✭

‘Fings Aint What They Used T’Be’. 사진: 트리스트럼 켄턴 ‘Fings Aint What They Used T’Be’

시어터 로열, 스트랫퍼드 이스트

2014년 5월 21일

별 4개

리오넬 바트(음악·가사)와 프랭크 노먼(대본)의 Fings Ain't Wot They Used T'Be가, 탄생한 곳인 시어터 로열 스트랫퍼드 이스트에서 테리 존슨 연출의 새 프로덕션으로 다시 무대에 오른다. 그런데 이 작품은 영국의 일반적인 연극·뮤지컬 관객에게 여러 가지 성가신, 때로는 불편하기까지 한 의문을 던진다.

라이언 몰로이는 왜 이런 작품에 시간을 쓰고 있는 걸까? 제시 월리스라니—대체 왜? 설마 바트가 저 노래를 이 맥락을 위해 썼단 말인가? 이걸 왜 굳이 부활 공연으로 올리지—내셔널 시어터에서는 이런 걸 볼 일도 없을 텐데? 제대로 된 코러스 라인은 어디 갔지? 무대에서 저런 말을 써도 되나? 방금 내가 뭘 보고 나온 거지?

이 까다로운 질문들은 제대로 곱씹어 볼 가치가 있다.

먼저 라이언 몰로이부터. 초대박 뮤지컬 저지 보이스에서 프랭키 밸리로 널리 알려진 몰로이는, 이 공연 1막의 상당 시간을 ‘별일 없이’ 보낸다. 앙상블로서 다른 배우들과 함께 노래하고 춤추며—프레드의 바에 모여 소소한 범죄와 악당 흉내의 술수(그리고 약간의 매춘)로 시간을 보내는 가짜 악당 무리의 한 사람으로 섞여 있다.

그리고 몰로이는 이 모든 것을 훌륭하게 해낸다. 의심의 여지가 없다. 그런데도—왜 굳이 이 작품을 할까?

1막 중반, 그는 호레이스로 ‘등장’할 순간을 맞기 때문이다. 프레드가 바의 분위기를 새로 꾸미기 위해 부르는 명랑한 인테리어 디자이너가 바로 호레이스다. 이 역은 말 그대로 꿈의 배역: 번쩍이고 역동적이며, 공연을 멈춰 세우는 쇼스톱 넘버 ‘Contempery’, 대놓고 과장된 캠프함, 그리고 2막의 드레스까지. 몰로이는 스타일리시하고 생기 넘치며 춤도 노래도 탁월하고 발음도 또렷하다. 코미디 타이밍에서도 실수가 없다. 뮤지컬에서 보기 드문 ‘제대로 된 캐릭터 연기’이고, 몰로이는 주연 남자 배우에게서 흔치 않은 깊이와 폭의 재능을 드러낸다. 모든 면에서 대담하고 눈부신 연기다.

제시 월리스는 드라마 이스트엔더스의 캣 슬레이터로 잘 알려져 있다. 그 캐릭터와 여기의 릴 사이에 겉모습의 유사점이 아주 없진 않지만, 가장 놀라운 건 사실 릴이 완전히 다른 연기라는 점이다. 캣의 거칠음, 쉴 새 없는 움직임, 으르렁거림, 끓어오르는 공격성은 사라지고—릴은 강단 있지만 다정하고, 공정하며, 속으로는 로맨티스트다. 침묵의 순간에 월리스는 특히 빛난다. 물론 노래와 춤에서도 결코 뒤처지지 않는다. ‘Do You Mind’와 ‘Polka Dots’는 그녀의 손에서 한층 맛깔나게 살아나고, 타이틀 넘버 역시 진한 박력과 디바다운 멋으로 밀어붙인다.

그녀는 모든 면에서 정말 훌륭하다. 캣처럼 호불호가 갈릴 수 있는 캐릭터로 알려진 배우가 이토록 정확하게 ‘딱 들어맞는’ 연기를 보여주는 건 놀라울 정도다. 종종 바버라 윈저를 떠올리게 하는데, 솔직히 말해 그보다 이상적인 비교가 또 있을까.

이번 프로덕션 팀은 개정된 대본에, 바트가 썼지만 초연에는 포함되지 않았던 몇 곡을 삽입했다. 당시 팝 히트곡이기도 했던 ‘Do You Mind’와 ‘Living Doll’은 이 스코어에 자연스럽게 자리 잡는다. 바트가 그런 멜로디를 썼다는 사실에 놀랄 사람도 있겠지만, 그는 실제로 그 곡들을 썼고 이 작품의 스타일과도 완벽하게 맞아떨어진다. ‘Where Do Little Birds Go?’와 ‘Big Time’ 등 다른 추가곡들도 캐릭터와 감정 이입을 강화하며 제 몫을 한다. 보강된 스코어는 그야말로 달콤한 뮤지컬 선물이다.

핸즈의 영리하고 능숙한 연출, 그리고 엘리엇 데이비스의 추가 대본 작업 아래, 이 작품은 드문 형태의 존재가 된다. 부활 공연이면서 시대극이고, 동시에 지금도 사회를 괴롭히는 문제들—계급 간 거리, 범죄의 유혹, 남성이 여성을 대하는 끔찍한 방식, 우정의 진짜 의미, 진짜 선과 진짜 악을 가려내는 일—에 대한 알레고리다. 다시 다듬고, 보강하고, 재단장한 1959년작 뮤지컬은 오늘날의 영국에 많은 것을 건넨다. 과거·현재·미래를 한꺼번에 비추는 창이다.

이번 공연은 바트가 영국 뮤지컬 극장에 남긴 기여가 얼마나 중요했는지를 또렷이 보여준다—과거에도, 지금도. 또한 내셔널 시어터의 접근 방식이 가진 한계를 비춘다. 바트의 작품들은 레퍼토리에서 중요한 위치를 차지한다. 내셔널 시어터의 충분한 자원으로 더 적극적으로 조명받아야 한다. 그의 중요성은 헤어, 베넷, 오케이시, 스토퍼드 등 그 어떤 드라마 작가들과 견줘도 결코 뒤지지 않는다. 어떤 면에서는 오히려 더 중요하다. 바트는 늘 ‘평범한 사람들’의 삶을 무대에 비춰왔기 때문이다.

이 프로덕션의 가장 훌륭한 점 중 하나는, 뮤지컬에 관한 관습적 통념과 가짜 확신을 철저히 거부한다는 것이다. 남녀를 막론하고 여기에는 ‘화려한’ 코러스 라인이 없다. 대신, 몸매도 크기도 제각각인 아주아주 뛰어나고 아주아주 섹시한 여성들이 있다(비비엔 카터의 뜨겁고 날렵한 실루엣부터, 풍만하고 멋지게 볼륨감 넘치는 수지 차드까지—그녀의 장대한 가슴은 중력에 대한 아인슈타인의 이론을 거스르는 듯 보일 정도다). 이들은 매 순간을 관능적 기쁨, 느긋한 황홀, 그리고 냉소적이면서도 힘이 빠진, 빛바랜 기대감으로 채운다. 모두가 노래·춤·연기를 다 하는 ‘트리플 스레트’다. 놀라울 만큼 훌륭하다.

토셔의 세계로 발을 들여놓고 그를 위해 고통을 겪은 뒤 마침내 스포트라이트를 받는 풋내기(잉제뉴) 로지를 연기하는 사라 미들턴 또한 매력적이다. 그녀는 여리고 부드럽다. 강철 위에 비단이 반짝이는 듯한 존재감이다.

또 다른 강점은, 작품의 언어가 1959년에 단단히 고정돼 있다는 점이다. 당시 이스트엔드 말투의 색채, 반짝임, 대담함, 그리고 매력이 그대로 살아 있으며, 정치적 올바름이라는 성가신 촉수에 의해 훼손되지 않았다. ‘The Student Ponce’ 같은 제목의 노래를 대체 어디서 또 듣겠는가? 이 언어가 작품 전체에 가져다주는 풍성함은 이루 말할 수 없이 만족스럽다.

풍성한 것은 대사만이 아니다. 윌리엄 더들리의 무대와 의상은 시대감, 계급, 작품의 스타일을 아름답게 구축한다. 텍스트와 창의적 비전이 행복하게 결혼한 결과다. 벤 오메로드의 조명은 모든 것을 훌륭하게 비추고, 거대한 비디오 스크린을 영리하게 활용해 분위기와 감정을—긴장되든 유쾌하든—더한다.

하지만 케이크 위의 아이싱, 예상치 못한 전율, 그리고 가장 순수한 ‘신성한 불꽃’의 한 방은 네이선 M 라이트의 탄탄하고 섹시하며 매력적이고 완전히 사람을 홀리는 안무에서 온다. 춤 동작이 캐릭터 이해에 직접 기여하는 경우는 정말 드물다—그런데 바로 이 작품에서 그 일이 벌어진다. 관객은 수많은 장면보다, 월리스의 릴이 춤을 수행하는 방식에서 그녀에 대해 더 많은 것을 알게 된다. 몰로이의 호레이스도, 스테판 부스의 농익고 뜻밖의 토셔도 마찬가지다. 사실상 전 캐스트가 그렇다. 게리 왓슨과 스티비 허친슨의 훌륭한 풋워크는 기술적으로 인상적일 뿐 아니라 멋진 배경 디테일이 된다.

라이트의 가장 영리한 작업은 ‘Where It's Hot’의 처리에서 빛난다. 내내 훌륭한 코믹 컨디션을 유지하는 크리스토퍼 라이언에게 레드 핫으로서 무대를 훔칠 기회를 준다. 하지만 대형 넘버들 역시 못지않게 인상적이며, 무대가 작음에도 루틴이 답답하거나 빽빽해 보이지 않는다. 끊임없이 반짝인다.

게리 켐프와 마크 아든이 다른 몇몇 배우들만큼 눈부신 건 사실 아니지만, 거의 문제 되지 않는다. 맛있는 코믹 연기가 너무 많기 때문이다—카터와 윌 바턴이 연기하는 머틀과 퍼시는 그야말로 신의 한 수다. 남자 주연 둘의 약간 ‘절제된’ 연기는 거의 체감되지 않는다.

핸즈는 ‘구식’이라며 종종 간과되거나 버려지는 작품을, 멋지고 즐겁고 그리고 꽤나 통쾌할 만큼 승리의 부활 공연으로 빚어냈다. 무대에서 뿜어져 나오는 생명력, 아름다움, 순수한 즐거움은 길고 긴 공연 기간을 누릴 자격이 있다.

이런 ‘Fings’가 더 많아야 한다; 옛날 그대로처럼.